Gallery Taik Persons

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2019-01-19

Künstler: Ragna Róbertsdóttir, Kristján Guðmundsson, Finnbogi Pétursson, Mikko Rikala, Tanja Koljonen, Rainer Paananen

Thema: Thirty years ago, I had the privilege of introducing and curating a minimalistic conceptual exhibition by a group of Icelandic artists in my gallery in Helsinki, Finland. What I didn’t realize then, was how that first show would set a standard for future Finnish generations in how they define their conceptual approach to physics, nature and language. Three decades later, Gallery Taik Persons is proud to announce another collaborative exhibition Cyclic Repetitions, a group show that combines the Icelandic artists Ragna Róbertsdóttir, Kristján Guðmundsson, (both present in the first exhibition), and Finnbogi Pétursson, with their younger Finnish contemporaries, Mikko Rikala, Tanja Koljonen and Rainer Paananen. As a professor at Aalto University, I’ve been using this Icelandic minimalistic approach as a cornerstone in my teaching, setting the parameters from which the Helsinki School would eventually evolve. All these artists share a similar approach in utilizing their chosen elements as a means for focussing on what is essential in opening up the essence of the objects’ innermost being. Sound, light, earth, graphite, and standard shapes, all form the basic components by which Cyclic Repetitions defines its Nordic roots into how this form of conceptual thinking has evolved from one generation to the next. Ragna Róbertsdóttir, a leading figure in Icelandic minimal conceptualism, re-interprets the physics of the raw indigenous substances that form the Icelandic landscape. Volcanic lava, mud, seashells, rock, salt and turf, do not just inspire her, they form the very basis of her creations. Finnbogi Petursson, creates a bridge between science and nature, examining the very essence of light, sound and energy through sparse installations that utilize one substance to investigate the properties of another. Kristján Guðmundsson, the first Icelandic winner of the Swedish Carnegie Art Award, works with shapes and forms in accordance with mathematical principles, utilizing industrial and architectural, as well as natural materials. Rainer Paananen, something of a renaissance man, combines science, photography and music in his experiments with photosensitive paper - a means of capturing two-dimensional renditions of his musical performances. Repetition is the method by which Mikko Rikala traces the passage of time, seeking the silence in between, in an attempt to find new perspectives on how to perceive the nature of distance. Finally, Tanja Koljonen explores the ‘paradox of humanity’, combining language, our medium for reasoning and rational thought processes, and found objects of no apparent order. Similar to the Fluxus movement, rather than sharing a distinctive visual style, the six artists share an approach that can be characterized by the application of aesthetics, in which the concept is as important as the visual expression. This mindset is what binds the Helsinki School artists together and through Cyclic Repetitions, we glance back at how it all began-thirty years ago. - Timothy Persons

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2018-11-17

Künstler: Sanna Kannisto

Thema: Gallery Taik Persons is delighted to present Sanna Kannisto‘s second solo exhibition Wanderer, Observer and Conveyor as part of the European Month of Photography Berlin. Sanna Kannisto works on the verge of experiences in nature. Sometimes that means windy weather on a rugged peninsula in Hanko, Finland, and at other times spending weeks in the rain forest on the other side of the Pacific. The force that urges her on is found in nature: birds, plants and landscapes. Sanna Kannisto has photographed animal, plant and landscape subjects over a couple of decades. She has developed her own methods of creating images, which are often titled taxonomically. Her works convey a sense of concentration and peace, which is a basic requirement for working with nature. Kannisto is interested in humankind’s desire to control nature and to study and gather information. She also sees herself as a kind of collector, who adds one species after another to her own collection. “In the past, scientists and artists were sometimes the same person. I’m interested in working from both roles,” says Kannisto. As an artist, she has the freedom to embrace many species and many kinds of subjects. “The subject doesn’t even have to be particularly fine or colourful. The everyday and the ordinary are interesting. What’s essential is how you manage to take the picture,” Kannisto says. White background Kannisto’s works often resemble still lifes. Nature is presented against a white background. The subject may be a branch, a frog, a butterfly, a hummingbird in flight or a nectar bat feeding. Flying before us are also birds that frequent Finnish latitudes such as a blue tit (Cyanistes caeruleus), a European robin (Erithacu rubecula), a red-backed shrike (Lanius collurio) and a goldcrest (Regulus regulus). Detaching a plant or animal from its environment shows it in a new light: even a grey bird is revealed as quite a star when the image size increases and the subject is bathed in light in a field studio. [...] Kannisto explains that in a photography situation she has to operate quickly as the birds must be released rapidly. Some birds perch on a branch immediately while others are more cautious. Often a connection and momentary trust are created though, as birds are curious and intelligent. Although the images are constructed and planned, the situations can change in a moment. They often involve happenstance and surprises, as the animals behave according to their own thoughts. For instance the waxwings, siskins and bullfinches began to eat in the studio. “Being with a bird is utterly unique. It is moving. The gaze of a bird is mysterious. I look at the bird and it looks at me. For a moment we have some kind of shared thought. It’s a kind of mutual examination,” Kannisto says. A desire to handle and show Ever since she was a child, Kannisto has had a desire to examine nature at close hand. For her, holidays and weekends spent at a cottage in rural Kanta-Häme meant adventures in the wild. Kannisto collected insects and frogs. “I’ve always had a desire to take things into my hands and study them up close, to look at the details,” she says. Her own desire for close examination has grown into a need to show others. Subjects that fascinate and affect the artist are turned into works of art. Photography is thinking, sharing a view of the world. Sometimes it is also concrete co-existence with one’s subject. For instance, when Kannisto was photographing butterflies, she bred them as well. The curtains of her studio were covered with elephant hawk-moth eggs, and she even took larvae along with her on summer holiday trips. There is a strong history of depicting nature in many artists’ output. Looking at Kannisto’s work takes one’s thoughts in many directions at once. On one hand, there is English artist Marianne North (1830–90), who travelled around the world from Brazil to Australia and New Zealand and painted plants in their natural environments. [...] At the other extreme there is Karl Blossfeldt (1865–1932), systematic collector of plants who photographed thousands of plants and their details against grey or black backgrounds. [...] Both of these had distinct and unique expressive languages of their own. While working from quite different starting points, they created settings for nature to shine. Kannisto, too, directs lights, picks out and shows us flora and fauna from different perspectives. Our era is however completely different from that of North or Blossfeldt. In their day, the wildernesses were still unexplored. Now there are hardly any such areas remaining. Kannisto talks about how nowadays humans decide where nature may exist and where it is removed. “It should be possible to protect nature from us,” Kannisto says. Landscapes Sanna Kannisto is a wanderer, an observer and a conveyor. On one hand, she shows nature through its details, and on the other hand through its entirety. The scale ranges from a bird’s eye to an entire forest. A landscape may just as well be found in South America as in Hanko. What is essential is presence. Kannisto speaks of routines related to embracing a landscape, of walking, seeking ideas and tiring oneself out physically. Experiencing a landscape involves time—the change of seasons, the constant transformation and cycles of nature. For Kannisto, seasons mean surrender, melancholy and waiting, but also excited amazement. It is all interesting. “I’d like to spend more time in the forest. For instance in winter the Helsinki districts of Myllypuro and Viikki have a fine greyness, asceticism and austerity. When everything else is expressionless, the fog, the drops of water and the snow on the ground are emphasised. When the sun appears amid the greyness, it’s a wonderful moment,” Kannisto says. [...] Sanna Kannisto was born in Hämeenlinna, Finland, in 1974. She lives and works in Helsinki. Kannisto graduated from the Aalto University School of Arts, Design and Architecture in 2002. Her works have been exhibited in international institutions such as The Museum of Photography Seoul (Seoul, 2018), Whatcom Museum (Bellingham, WA, 2017), Ateneum Art Museum (Helsinki, 2017), Palais de Tokyo (Paris, 2013), Kiasma Museum of Contemporary Art (Helsinki, 2013), and Centre Pompidou (Paris, 2010). Gallery Taik Persons will present her most recent works in a solo exhibition as part of The European Month of Photography Berlin in September 2018.

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2018-09-08

Künstler: Rita Anttila, Elina Brotherus, Ulla Jokisalo, Anni Leppälä, Kukka-Maria Rosenlund, Miia-Mari Virtanen

Thema: Gallery Taik Persons proudly presents it’s upcoming group exhibition Reflections: From Here to There, a selection of six artists who have all been associated with the Helsinki School, spanning four generations beginning in 1995. This exhibition is a very personal insight into how these artists translate and process their feelings and memories into their own rooms with a view. It’s said, hindsight is 100 percent true, as we use our experience to see what our eyes can’t. Looking inside ourselves to understand what surrounds our being from one moment to the next, is the challenge we all face throughout our lives. To contemplate the past, future or the present, everybody utilizes a sensibility that’s unique for each individual in their process of maturing and discovering who they are. This exhibition presents six different perspectives in how these selected artists define their concept of identity. Elina Brotherus, the most celebrated Finnish photographer of her generation, has spent her entire career using herself as the raw material, exposing her strengths and vulnerabilities in the pursuit to interpret the various stages of her own life. Whereas Miia-Mari Virtanen uses her body as a platform to study the fragility of being. Virtanen uses medical imaging and recording techniques to explore the electrical signals that trigger ones heartbeat as the starting point for her photographs. Kukka-Maria Rosenlund on the other hand, uses cycles of time as the main character of her work. This process is based on her interest in the visible and invisible worlds and their borders, that are rooted in her families’ history as a joint collective memory. Another perspective, which reads far more like a poem than a photograph, are Rita Anttila’s images as they capture the very thin balance between who she is, where she comes from and where she dreams to go. Anni Leppälä, who also works in a similar vein of thought, though dramatically differing in the way she reinvents her own history, pictorially unfolds her families female history through the use of several generations’ forgotten clothes, cutouts, toys and ancestral homes. It is her way of depicting the passage of time and where she is within it. And finally, one of the most inspirational artists who has in her own way influenced all the above throughout her 40 year career is Ulla Jokisalo. Jokisalo, who many consider to be the Louise Bourgeois of the Nordic region, has pursued her sense of storytelling through her approach in defining and defying the various stereotypes that women have been portrayed in from her earliest memories to the present. All these artists project a very poetic touch in their realisation of what anticipation to contemplation looks like from the inside looking out.

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2018-04-21

Künstler: Riitta Päiväläinen

Thema: Gallery Taik Persons is highly pleased to present Riitta Päiväläinen with her solo exhibition River Notes. Over the past two decades, Päiväläinen’s unique works have become internationally renowned through their idiosyncratic language and style based upon her deep sense for story-telling, that combines nature and her poetic use of textiles to create a stage where she reenacts a memory of their passing. Essentially, the visual imagery of Päiväläinen’s compositions can be boiled down to two elements: nature, and textiles. The artist’s strongly process-oriented method of weaving together natural landscapes and manmade fabrics reflects an approach both literal and narrative. In the deserted atmospheric vistas she creates, there are lodged intimate stories, told in a language that feels oddly familiar and foreign at once. They evoke a complex range of resonances within the beholder, subtly changing between comfort and protection, and unease and alienation.

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2018-02-10

Künstler: Jari Silomäki

Thema: Gallery Taik Persons ist hoch erfreut, Jari Silomäki mit seiner Soloausstellung Framing the World zu präsentieren. Jari Silomäki trug für sein Projekt mehr als zweihundert persönliche Geschichten von ihm völlig unbekannten Personen in Onlineforen aus allen Ländern der Welt zusammen. Eine Auswahl dieser Geschichten übertrug er in Fotografien, die nun in der Ausstellung zu sehen sind. Zusammen formen sie eine gemeinsame Erzählung, in der sich die Persönlichkeiten hinter den Pseudonymen langsam entfalten. Mit den Online-Aufzeichnungen als Startpunkt, reist Silomäki an die Orte, die die verschiedenen Szenerien und Begebenheiten beschreiben und beginnt, seine eigene Interpretation dieser Persönlichkeiten zu entwickeln. “Ich zeige klassische Oberflächen der Identifikation,” sagt er. Der Kern dieser Arbeit ist die richtige Atmosphäre zu erschaffen, die konzentrierte, zentrale Spannung, die das Leben und die Persönlichkeit hinter jedem einzelnen Pseudonym definiert. Durch die diversen Szenerien und Kulturen seiner Protagonisten führt Silomäki den Betrachter an eine gewisse Intimität heran: er führt uns zu unserem eigenen Inneren, wo wir alle gleichermaßen fürchten, begehren, fühlen und träumen. 2006 kaufte Silomäki auf einem Flohmarkt eine Sammlung an Dokumenten aus dem Nachlass einer älteren Dame: Briefe und Notizen, schlichtweg alles, was sie ihr Leben lang geschrieben hatte war in Müllsäcken verstaut. Dieser Fund inspirierte ihn zu der Fotografie einer Frau, der Silomäki noch nie zuvor begegnet war. “Während ich mich durch den Inhalt dieser Müllsäcke las, hatte ich plötzlich das Gefühl, sie sehr gut zu kennen.”, beschreibt Silomäki seine Erfahrung. Das Portrait war der Anfang von Framing the World. An Essay on the Organisation of Experience. Silomäki widmet sich bereits seit den 1990er Jahren Langzeitprojekten, wie Rehearsals for Adulthood (1997–2001) und My Weather Diaries (2011–2051). Sein Œuvre, tief verankert in der klassischen Dokumentar-Fotografie, kann als konsequentes visuelles Theater verstanden werden, in welchem er als Dramaturg ausgiebig fotografische Szenen schreibt, Schauspieler leitet und das Bühnenbild inszeniert. Im Laufe der Jahre suchte Silomäki eine neue Art der Dokumentar-Fotografie, in der er vom Beobachter zum Erzähler wird und eine eigene Person beschreibt: als Individuum, als Teil der Gesellschaft, dort wo sie im Verlauf der Geschichte steht. Von Lahti in Finnland bis nach Kapstadt in Südafrika – Silomäki versteht die Umgebung als essentiellen Teil einer individuellen Geschichte. Wenn er seine ersten virtuellen Einblicke gewonnen hat, erforscht und reist er zu den jeweiligen Heimatorten: er fotografiert, sammelt Materialien und untersucht die Umgebung, die sozialen Strukturen und das Zuhause. “Wer entscheidet, wessen Geschichten wichtig sind?”, fragte Silomäki sich vor zehn Jahren, als er sich auf die Suche nach anonymen Protagonisten auf Onlineforen und Blogs weltweit begab. Die textlichen Referenzen waren seine Spuren und Leitfäden, die ihn zu einem Profil und einem fotografischen Portrait eines einzigen ausschlagebenden Momentes führten, zu einem Wendepunkt im Leben eines unbekannten Autors.

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2017-11-18

Künstler: Hilla Kurki

Thema: Sie sind herzlich zur Eröffnung unserer nächsten Ausstellung eingeladen: Freitag, den 15. September 2017, 18 – 21 Uhr Ausstellung: 16. September – 18. November 2017 Eröffnung in Anwesenheit der Künstlerin Es gibt nur wenige Dinge im Leben, die unausweichlich sind; der emotionalen Hürde eines Verlustes muss sich aber jeder irgendwann stellen. Wie wir damit umgehen kommt auf das Wesen des Verlustes an. Der Tod eines geliebten Menschen jedoch trägt immer eine ganz eigene Signatur. Es ist eine elementare menschliche Erfahrung, die für den einen Trost bringt und für den anderen den Verlust seiner Selbst. Rebecca Solnit hat einmal geschrieben, „Keine Geschichte zu haben ist als würde man sich in der Weite dieser Welt verlieren, die sich in alle Richtungen erstreckt wie die arktische Tundra oder ein Meer aus Eis“ (aus The Faraway Nearby, 2013). Dies ist der Ausgangspunkt, für Hilla Kurkis neuste Serie Fallen Feathers (from the Phoenix series). Es beginnt mit dem frühen Tod ihrer Schwester im Alter von nur 28 Jahren und mit Kurkis Einbeziehung dieser persönlichen Tragödie in ihre eigene Geschichte. Die Trauer wird zum Ausgangspunkt für einen Neuanfang. Kurki verwandelt die vergessenen schwarzen Kleider ihrer Schwester in eine Brücke, die eine Verbindung zu ihren Erinnerungen und ihrer Hoffnung auf Selbstheilung schlägt. Kurkis Fotografien [besonders in der Arbeit Phoenix Piece (2016)] erinnern an Yoko Onos frühe Performances in den 1960er Jahren [...] und scheinen die Dokumentation einer Performance zu sein für die es kein Publikum gibt, sondern nur sie selbst und ihren fortlaufenden inneren Dialog. Kurki sucht nach einem eigenen Weg der Selbstheilung über das Weben als Vermächtnis ihrer Familie. Traditionell wurde die Kleidung der Verstorbenen in lange Bahnen geschnitten und verwebt. Was nicht verwendet werden konnte, wurde umgestaltet, dekonstruiert und rekonstruiert – wie eine Form von pragmatischem Exorzismus. Kurki formt ihre eigene Geschichte neu indem sie sich durch alle Kleider ihrer Schwester vorarbeitet; sie schneidet, näht und webt, um letztendlich die Kontrolle über ihr eigenes Schicksal zurückzuerlangen. Kurki selbst sagt, „Es ist etwas verloren gegangen, aber es wird auch etwas wiedergeboren. Es ist eine zärtliche Vernichtung." [...] Hilla Kurki wurde 1985 in Anjalankoski, Finland, geboren.

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2017-09-09

Künstler: Nelli Palomäki

Thema: Gallery Taik Persons ist hoch erfreut, Nelli Palomäki mit ihrer Soloausstellung Shared zu präsentieren. Palomäki, die mit ihrer Fotografie in der Tradition klassischer Schwarz-Weiß-Porträts kontinuierliche Pionierarbeit leistet, ist in der vergangenen Dekade als einer der meist zelebrierten Künstler der Helsinki School und Aalto University School of Arts, Design and Architecture hervorgegangen. Shared erkundet und entziffert das komplexe Thema des Geschwistertums in Form von gewaltigen, dynamischen Manifestationen menschlicher Beziehung und familiärer Bindung. Die einnehmenden Porträts der Serie zeigen Kinder und junge Erwachsene, die in verschiedene Situationen und Konstellationen eingebettet auf andächtig anmutende Weise ihre Identitäten als Geschwister enthüllen; eine miteinander geteilte Identität, die zugleich durch Elemente des Zusammenseins und Auseinanderseins ambig geformt wird. Das Interesse der Künstlerin am Thema des Geschwistertums ist aus persönlichen Beobachtungen und Erfahrungen im Kontext vergangener Arbeits- und Ausstellungsprojekte mit Kindern und Jugendlichen erwachsen. Ohne Zweifel hat auch das lebensverändernde Moment selbst Mutter zweier Kinder geworden zu sein eine Auswirkung auf Palomäkis rezente und laufende Arbeiten. Geschwistertum beschreibt eine leibliche Bindung, in die wir hineingeboren werden. Es ist ein ungewählter Zustand; dem Menschsein inhärent. Als Geschwister sind wir gezwungen, nah zu sein, denselben Namen, dasselbe Erbe zu tragen. Gleichzeitig pflanzt das Geschwistersein in uns das Potenzial ein, den Lauf unseres Lebens durch das Ausdrücken von Differenz mitzubestimmen. Manchmal kann eine einfache Geste der Hand, ein Hochziehen der Augenbraue oder eine leichte Veränderung der Körperhaltung bereits die Wirkkraft besitzen, Dimensionen des Gemeinen und Getrennten, Kommunalen und Individuellen, Resonanten und Dissonanten zu demarkieren. Einmal Freund, einmal Feind; engste Verbündete, stärkste Rivalen – die subtilen Hierarchien der Macht unter Geschwistern verschieben sich ständig. Eine herzliche Umarmung kann innerhalb von Sekunden in ein erhitztes Ringen umschlagen: Dies ist das geteilte Leben von Geschwistern. Mit ihren Porträts ersucht Palomäki Facetten des gemeinsamen Geschwistertums in dessen gesamter körperlicher, psychologischer und emotionaler Komplexität zu erfassen. Obgleich fast jedes Porträt im Vorhinein sorgfältig geplant und inszeniert ist, wird stets ein Element des Akzidentellen beibehalten, wodurch das Werk mit unvorhergesehenen Resultaten und Enthüllungen animiert wird und ein magisches Eigenleben trägt. Hierbei stellt der Akt des Posierens einen ausschlaggebenden Moment dar, in Palomäkis Worten, „der Moment, in dem ein Mensch sich in ein Bild verwandelt.“ Die Art und Weise, wie die Modelle sich selbst wahrnehmen und präsentieren – als autonome Individuen sowie in direktem Rapport, buchstäblich miteinander umschlungen – bestimmt darüber, welche Geschichten anhand ihrer Porträts erzählt werden, ob beabsichtigt oder nicht: Diese Geschichten reichen von Bekundungen der Solidarität und Wertschätzung sowie fürsorglichen Momenten beidseitigen Einklangs bis zur Umkämpfung von Gleichheit und Anerkennung; von der Durchsetzung von Autorität bis zur Suche nach Emanzipation. Durch das adoleszente Alter der von Palomäki Porträtierten wird der schwellenhafte Charakter ihres Geschwisterdaseins umso stärker vergegenwärtigt: So die düstere Entdeckung von Alterität und Unheimlichkeit in einer scheinbar vertrauten Welt das Ende unserer kindlichen Un- schuld kennzeichnet, spiegeln sich neuartige Gefühle der Entfremdung in unserer veränderten Wahrnehmung des Selbst und Anderen als Schwestern und Brüder gleichsam wider. Beim Fotografieren ihrer Modelle, deren Großteil für sie anfänglich Fremde sind, ersucht Palomäki ihnen näher zu kommen. Neben dem Aspekt des Lichts ist für sie von größter Bedeutung, dass das resultierende Werk von der Präsenz der porträtierten sowie der porträtierenden Personen durchdrungen werde. Sie wählt ihre Modelle mit Behutsamkeit, denn sie weiß, dass mit jedem Porträt eine einzigartige, bindende Begegnung in Kraft tritt. Der Moment der Intimität, welcher zwischen Denjenigen vor und hinter der Kamera miteinander geteilt wird, kann – und sollte nach Palomäkis Ansicht sogar – eine unbehagliche Qualität besitzen. Er vermag es, gewisse Machtstrukturen nicht nur unter den Modellen, sondern auch zwischen diesen und ihrem Porträtisten hervortreten zu lassen. Sie erklärt: „Jedes einzelne Porträt, welches ich gemacht habe, ist auch ein Foto von mir selbst. [...] [D]ie Intensität des Momentes, der mit dem Modell geteilt wird, kontrolliert das Porträt. [...] Man ist blind und verloren ohne sein eigenes Erscheinungsbild zu sehen, der Andere versucht verzweifelt den perfekten Moment zu erlangen. Die Komplexität des Porträtierens, seine größte Falle, sie liegt letztlich immer in ihren Machtbeziehungen.“ In unserer Begegnung als Betrachter mit den Porträtierten, die uns beharrlich, verletzlich anblicken, sehen wir auch Palomäkis Blick. Wir teilen mir ihr unseren eigenen und werden hierdurch verwandt. Nelli Palomäki wurde 1981 in Forssa, Finland geboren. Sie lebt und arbeitet in Isnäs / Helsinki. Ausstellung: 1. Juli – 9. September 2017 Eröffnung: 30. Juni, 18:00 – 21:00 Uhr

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2017-06-24

Künstler: Grey Crawford

Thema: Finding „Bones“ ist mehr als nur die Einführung in das jüngst wiederentdeckte Œuvre des amerikanischen Künstlers Grey Crawford. Es ist eine Anthologie von Fotoarbeiten, die den vorherrschenden kreativen Geist der Kunstszene im Los Angeles der frühen 1970er Jahren verkörpern. Süd-Kalifornien war zu dieser Zeit eine Insel ihrer eigenen Schöpfung: Eine Mischung aus Surfen, Meer und den Beton-Highways, die sich um das sich ständig verändernde kulturelle Klima wanden und unsere Annahmen davon, was Kunst ist, herausforderten. Es war eine Zeit der Neuanfänge in den verschiedensten Bereichen. Die Light and Space Bewegung brachte zusammen mit der Performance- und Keramik-Kunst eine frische Rohheit in ein scheinbar müde gewordenes Medium und bot den Künstlern neue Materialien und Fragestellungen, die ihre innovative Experimentierfreude befeuerten. Mit den hinter ihren kreativen Gegenspielern weit zurückfallenden kommerziellen Realitäten, fanden die damaligen Künstler sich in einer Position, in der sie keine Kompromisse eingehen mussten und ihre künstlerische Integrität nicht zugunsten eines eventuell niemals stattfindenden Verkaufes in Frage stellen mussten. Herkömmliche Instrumente der Beurteilung von Kunst verloren ihre Bedeutung; es gab kein Manuskript, keine Regeln, denen man folgen konnte. Es war ein Aufatmen, ein Beben, das die Kunstwelt niemals vergessen würde. Los Angeles hat ein weit ausuferndes Vorstadtgebiet, das sich unendlich auszudehnen scheint. In seiner östlichsten Ecke befindet sich die kleine, jedoch kulturell bedeutende Stadt Claremont. Sie beheimatet fünf Colleges und eine Graduate School [Graduiertenfakultät] und ist seit den 1920er Jahren ein Mekka für Künstler aller Disziplinen. Ebendort traf ich Grey Crawford, den wir damals “Bones” nannten. Wir wuchsen beide in dieser liberal denkenden Gemeinschaft auf und lernten uns schließlich während unseres Studiums an der Claremont Graduate University kennen. So klein die Stadt auch sein mag, sie war reich an ehemaligen Professoren und Alumni, zu denen auch die Hard-Edge-Maler John McLaughlin und Karl Benjamin zählten. Beide lebten in der Gegend, und es war nicht ungewöhnlich, ihre Malereien an den Wänden der Nachbarhäuser zu sehen. Crawford, der mit den Kindern von Benjamin aufwuchs, war diesen vielfältigen Konturen und Formen von klein auf ausgesetzt und nahm sie in sein Unterbewusstsein auf. Dies zeigt sich besonders in Crawfords frühen Schwarz Weiß Fotografien, die Benjamins Sinn für Konstruktion mit McLaughlins Zen artiger Fähigkeit zur Reduktion kombinieren. Indem er die Dunkelkammer als seine Palette nutzt, wählt Crawford seine Hintergründe mit einem Lewis Baltz artigen Gefühl für Strenge, um seine hartkantigen Formen einzuführen und diese als Bausteine für seine eigene Sprache zu nutzen. Manchmal finden wir das Unerwartete an den unmöglichsten Orten. Als kleiner Junge grub ich unseren Garten um, um nach verborgenen Schätzen zu suchen, die nur in meiner Fantasie existierten. Nach vierzig Jahren Suche habe ich endlich meine „Bones“ [Knochen] gefunden. Timothy Persons

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2017-03-11

Künstler: Jaakko Kahilaniemi, Jyrki Parantainen, Anna Reivilä

Thema: Wir freuen uns sehr, mit "Marked Sites" [markierte Orte] die erste Ausstellung in 2017 in der Gallery Taik Persons zu präsentieren. Gezeigt werden Arbeiten der drei Künstler Jaakko Kahilaniemi, Jyrki Parantainen und Anna Reivilä. Die Ausstellung wie auch ihr Titel beziehen sich auf den 1979 erschienenen Aufsatz von Rosalind E. Krauss, "Sculpture in the Expanded Field" [Skulptur im erweiterten Feld] in dem sie die Theorie des “expanded field” einführt um die Entwicklung der Skulptur in der zeitgenössischen Kunst zu definieren. Einen Teil dieser Theorie repräsentieren die sogenannten “marked sites”, die eine Kombination aus Landschaft und nicht-Landschaft darstellen. Krauss nennt in diesem Zusammenhang nicht nur monumentale Werke wie Robert Smithsons "Spiral Jetty" (1970) und Michael Heizers "Double Negative" (1969) als Beispiele sondern ebenfalls Arbeiten die sich „durch das Anbringen temporärer Markierungen” auszeichnen, wie beispielsweise Walter De Marias "Mile Long Drawing" (1968) oder Robert Smithsons "Mirror Displacements" (1969). Alle vorgenannten Arbeiten werden der Land Art oder auch Earth Art Bewegung der späten 1960er und frühen 1970er Jahre zugeordnet, in der die Künstler ihre Arbeiten aus dem gängigen Galeriekontext lösten. Aufgrund ihrer Verortung, ihrer Monumentalität oder ihrer Vergänglichkeit waren Fotografie, Zeichnungen, Texte und andere dokumentarische Methoden oftmals die einzige Möglichkeit, die Projekte einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Jyrki Parantainens "Maa" [Erde] Serie von 1991 erinnert an die monumentaleren Arbeiten der damaligen Bewegung. Parantainen nutzt seine Kamera hingegen nicht als rein dokumentarisches sondern vielmehr als schöpferisches Mittel. Für "Maa" nutzt er verschiedene Materialien von Milch über zerstoßenen Kalkstein bis hin zu Licht und Feuer als dessen Quelle um auf das Foto-Negativ zu ‘zeichnen’ indem er mit Hilfe von Langzeitbelichtungen verfolgt, was vor seiner Kamera geschieht. Anna Reiviläs "Bond" [Gebunden] Reihe (seit 2014) lässt hingegen eher an vergängliche, zeitgebundene Arbeiten wie Smithsons "Mirror Displacements" denken: ähnlich wie bei seinem Einsatz der Spiegel, verschiebt sich der Fokus des Betrachters von Reiviläs mit Seilen gezeichneten Linien auf die Formen der von ihr fotografierten Steine und Bäume, beziehungsweise auf deren Verbindungen und natürlichen Spannungen untereinander. Ein weiterer wichtiger Einfluss in Reiviläs Arbeit sind die japanische Bondage-Tradition "kinbaku" [die Schönheit engen Bindens] und Nobuyoshi Arakis Œuvre, in deren Anlehnung sie in ihren Werken die „feine Balance zwischen dem Zusammen-gehalten-werden und dem “am-Rande-des-Zerbrechens-sein” hervorbringt. Jaakko Kahilaniemis Arbeiten von "100 Hectares of Understanding" [100 Hektar des Verstehens] repräsentieren einen deutlich subjektiveren Ausgangspunkt. Während sowohl Parantainen als auch Reivilä nach verlassenen Orten suchen, um ihre Spuren darin zu hinterlassen, begibt sich Kahilaniemi auf ein für ihn sehr persönliches Terrain: ein geerbtes Stück Wald, das sich bereits seit Generationen im Besitz seiner Familie befindet. Um eine Verbindung zu diesem für ihn zuvor reizlosen Land herzustellen entdeckt er es von Neuem indem er die Ausdehnung der hundert Hektar Land auf abstrakte und experimentelle Weise bestimmt. Kahilaniemi begeht seinen Wald und interagiert mit ihm. Er markiert diese Orte und dokumentiert seine Handlungen fotografisch, um eine Thematik weitab von der urbanisierten Welt zu öffnen. Bild: Anna Reivilä, Bond #22, 2016, Photo print on fine art paper, 40 x 48 cm / 76 x 92 cm. Courtesy Gallery Taik Persons

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2017-01-14

Künstler: Joakim Eskildsen

Thema: Zehn Jahre nachdem Joakim Eskildsen seine Arbeit an dem Projekt Die Romareisen vollendete und dieses mehr als 30 mal ausgestellt wurde, freut sich Gallery Taik Persons, das Projekt zum ersten Mal in der Berliner Galerie zu präsentieren. Zwischen 2000 und 2006 unternahmen Joakim Eskildsen und die Autorin Cia Rinne Reisen in Ungarn, Griechenland, Rumänien, Frankreich, Russland, Finnland und Indien um einen Einblick in die Geschichte und das Leben der Roma und deren heutigen Lebensbedingungen zu bekommen. Das Projekt kulminierte in dem preisgekrönten Buch Die Romareisen, zu dem Günter Grass das Vorwort beisteuerte. Das Buch umfasst beinahe 250 Fotografien von Eskildsen, sowie einleitende Essays von Rinne, die die in den jeweiligen Ländern besuchten Roma vorstellt und von Soundcollagen zu jeder Reise begleitet werden. Die Ausstellung in der Gallery Taik Persons präsentiert das Projekt nun auf eine andere Art und Weise als in der Wanderausstellung: Sie gibt einen intimen Einblick, nicht nur in die Fotografien und die Roma-Gemeinschaften, sondern auch in die Entstehung des Buches. Die Romareisen ist nicht nur ein Projekt mit politischer Kraft, sondern gibt auch einen wunderbar poetischen und intimen Einblick in eine kaum gesehene Welt. Bild: Joakim Eskildsen, Venus and Mucusoara, Stefanesti, from the series The Roma Journeys, 2000-2006 Pigment print on baryta paper, 40 x 48 cm / 76 x 92 cm. Courtesy Gallery Taik Persons

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2016-10-22

Künstler: Tanja Koljonen

Thema: Gallery Taik Persons ist hoch erfreut Tanja Koljonens Soloausstellung Between Two Dots [Zwischen zwei Punkten] im Rahmen des EMOP – European Month of Photography 2016 in Berlin zu präsentieren. Die Vermittlung zwischen sich ergänzenden Gegensätzen und Extremen – wie Zeigen und Verbergen, Kommunikation und Entfremdung, Regel und Zufall – ist charakteristisch für die fotografischen Arbeiten von Tanja Koljonen. Die neuen Werke der Künstlerin beschäftigen sich mit Sprache und mit dem visuellen, materiellen Potenzial von Wörtern und Ideen; sie beruhen auf objets trouvés [gefundenen Objekten] sowie Text- und Bildfragmenten als Spuren, die Menschen hinterlassen haben. Durch das Zerschneiden, Überdecken, Bearbeiten und Löschen des Materials arrangiert, bearbeitet und kontextualisiert Koljonen Zeitungsausschnitte, Werbeanzeigen und Illustrationen, wodurch die ursprüngliche visuelle Logik und semantische Ordnung von Text und Bild gestört wird. Die verbliebenen sprachlichen und visuellen Fragmente werden von ihrer ursprünglichen Funktion und Bedeutung befreit und zu neuen Konstellationen und Kontexten möglicher Dialoge umgestaltet. Koljonens Spiel mit der Unmöglichkeit vollständiger Gedanken und der Unerschöpflichkeit von Wörtern und Bedeutungen mündet in eine andauernde Suche nach Stille im chaotischen Informationsfluss der heutigen Welt. Tanja Koljonen wurde 1982 in Muonio, Finnland geboren. Sie lebt und arbeitet in Helsinki, Finnland.

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2016-07-30

Künstler: Adam Jeppesen

Thema: Gallery Taik Persons ist hocherfreut, Adam Jeppesens jüngste Arbeiten neben einer Auswahl von Werken aus seiner Serie Flatlands Camp Project in der Einzelausstellung mit dem Titel Vaca Muerta [Tote Kuh] zu zeigen. Vor sieben Jahren begab der Künstler sich auf eine 487 Tage währende, einsame und unerbittliche Reise, die ihn von der Arktis bis zur Antarktis quer durch die Amerikas führte. Die in der Ausstellung gezeigten Werke sind menschenleer und zeigen weite, isolierte und wilde Landschaften – die großen Höhen und der extreme Salzgehalt machen ein Leben dort schlichtweg unmöglich. Der Ausstellungstitel bezieht sich auf eine Begebenheit auf seiner Reise, an die sich Jeppesen lebhaft erinnert: “Vor Jahren, gegen Ende meiner langen einsamen Reise, fand ich mich plötzlich mitten im Nirgendwo: Kilometerweite Einöde. Das Gefühl von Einsamkeit verschwand und tauchte im gleichen Moment wieder auf als ich auf den Kadaver einer toten Kuh stieß. Sie war dank der Umweltbedingungen vor Ort perfekt konserviert. Allerdings erschien es mir rätselhaft, wie die Kuh sich in eine solch lebensfeindliche Umgebung begeben konnte, in der eigentlich kein Lebewesen überleben kann. Während meiner gesamten weiteren Reise – ganz gleich wo ich war – vergaß ich nie den Anblick dieses Kadavers. Einige Jahre später kehrte ich dorthin zurück und die tote Kuh war immer noch dort.” Jeppesens Reise endete eigentlich nicht; durch die Postproduktion seiner Arbeiten dauert sie bis heute an: jedes Blatt Papier, jeder Schnitt und deren Zusammenführung durch die Nadeln und die entstehenden Zeichnungen sind stetige weitere Schritte auf seinem Weg. Laufen, schauen, atmen, schneiden, platzieren, feststecken… Musikalische Noten der ungewöhnlichen und imperfekten Symphonie die Adam Jeppesens Œuvre repräsentiert. Seine Arbeit nimmt verschiedene Stränge in Form und Inhalt an. Betrachten wir seine Bilder etwas näher, fühlen wir uns hinein gezogen; nicht nur in eine Welt Ehrfurcht gebietender Landschaften, sondern auch in eine Welt voller Indizien. Kratzer und Abschürfungen, kleine Haare und Staubpartikel auf den Fotografien evozieren eine Geschichte und damit verbundene Erinnerungen – einen anschaulichen Beweis für Leben, die gelebte Reise. Durch das Akzeptieren dieser Fehler versucht Jeppesen sich von der Perfektion zu lösen, die den klassischen fotografischen Techniken oft anhaftet. Für seine Arbeiten verwendet er im Gegensatz zur klassischen Fotografie eher ungewöhnliche, delikate Materialien wie unter anderem Kopierpapier, Reispapier, Nadeln. Daher stellt sein Vorgehen eine Metamorphose dar; vom fotografischen Bild zu einem skulpturalen Objekt. Die Greifbarkeit, die die Verwendung dieser Materialien begleitet, erhöht die dreidimensionale Wahrnehmung der Arbeiten durch den Betrachter. In seinen jüngsten Arbeiten baut Jeppesen seine Praxis aus und führt den fotografischen Prozess zu seiner Ursprünglichkeit zurück, indem eine Fotografie in situ, vor Ort, entsteht. Ein fotosensitives Papier wird direkt belichtet und muss damit innerhalb von wenigen Stunden entwickelt werden, was Jeppesen, von der Nacht geschützt, direkt in der schonungslosen Umgebung in der die Bilder entstanden sind macht. Der einzigartige Charakter der Arbeiten entsteht demzufolge durch diesen Prozess und, bedingt durch die widrigen Umstände, eine teilweise verlorene Bildinformation, welche die Unvollkommenheit und die Flüchtigkeit des Moments und der Existenz selbst unterstreicht. Adam Jeppesen wurde 1978 in Kalunborg geboren. Er lebt und arbeitet in Buenos Aires. 2004 graduierte er von der Fatamorgana, Copenhagen. Jüngste Einzelausstellungen sind unter anderem: X, Galerie Van der Mieden, Brüssel (2014), Scatter, Peter Lav Gallery, Kopenhagen (2014). Gruppenausstellungen umfassen z.B. Fotografisk Center 20 Years – an anniversary exhibition, Fotografisk Center, Copenhagen (2016), The Return of the Real, Niels Borch Jensen Gallery, Berlin (2014). Im Juli 2016 freuen wir uns auf seine Einzelausstellung im C/O Berlin. Seine Arbeiten befinden sich in zahlreichen öffentlichen Sammlungen wie Denver Art Museum, The Danish Arts Foundation, The Swedish Arts Foundation und The National Museum of Photography, Copenhagen, sowie in einer großen Zahl internationaler Privatsammlungen. Bild: Detail of Adam Jeppesen, Incahuasi 1, 2016, 221 x 179 cm, photocopy on acid free paper, needles, framed

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2016-04-23

Künstler: Milja Laurila

Thema: Gallery Taik Persons ist hocherfreut, Milja Laurilas jüngste Arbeiten in der Einzelausstellung In Their Own Voice [Mit ihrer eigenen Stimme] zu präsentieren. Darin wirft Laurila Fragen der scheinbaren Transparenz unserer bildlichen Wahrnehmung und des betrachtet Werdens auf: Wer schaut und auf wen ist der Blick gerichtet? Wie sehen wir einen Körper, ein Kind, eine Frau, einen Mann, die Welt? Schauen wir ohne zu sehen? Wir beobachten, aber der Blick durchbohrt möglicherweise sein Ziel, nimmt verzerrt wahr, driftet ab. Die Künstlerin fragt sich, ob eine Fotografie die Fähigkeit besitzt, zu vergessen was sie eines Tages belegen sollte. Bleiben von ihrem originären Kontext losgelöste Bilder mit ihrem eigentlichen semantischen Feld verbunden oder verwandeln sie sich in etwas anderes? Kann das Bild des Rückgrates eines an Skoliose leidenden jungen Mädchens ohne Bildbezeichnung zu einer skulpturalen Schönheit werden? Ein charakteristischer Wesenszug von Laurilas Œuvre ist der Gebrauch existierenden Bildmaterials, wie hier die Verwendung von Abbildungen aus alten Medizinbüchern. Ihr Interesse liegt in der Auslegung des Konzepts von Wissen durch Bilder. Der Dialog zwischen Kontext und Fotografie fasziniert sie dabei besonders – inwiefern reguliert und lenkt der Kontext dabei unsere Wahrnehmung. Laut Roland Barthes werden Fotografien durch ihre Referenzen definiert und können niemals ganz von dem losgelöst werden, was sie abbilden. Barthes stellt heraus, dass eine Fotografie eine unweigerliche Verbindung zur Realität hat und damit Beleg ist. Laurila spielt ebenfalls mit dem Vermögen der Fotografie, Realität wiederzugeben. Indem sie die Bilder von ihrem eigentlichen Kontext loslöst, stellt die Künstlerin sie in eine herausfordernde Position: Sie lässt sie selbst sprechen, in ihrer eigenen Stimme. Nichtsdestotrotz, die nackte, gebogene Hüfte einer Frau bleibt ebendas. Doch abhängig von unserem Wissen oder unserer Ignoranz, nehmen unsere Augen medizinische Symptome, schlichte Unvollkommenheiten oder die Poesie des menschlichen Körpers wahr. Laurilas Interesse an Patientenbildern sind auf ein persönliches Erlebnis zurückzuführen, wobei sie selbst unter der Beobachtung des wissenschaftlichen Auges stand und ihr Körper zum Forschungsgegenstand wurde: “Als ich nackt vor einer Ärztin und ihrer Kamera stand, fühlte ich, wie ich selbst verschwand – ich war nichts als Fleisch und Blut, kein Individuum mit Gedanken und Gefühlen. Obgleich die Ärztin meinen Körper akribisch genau fotografierte, hatte ich das Gefühl als sähe sie direkt durch mich hindurch – als wäre ich nicht da.” Die hier von Laurila beschriebene physische Erfahrung kann ebenso auf die Abbildungen der unbekannten Patienten übertragen werden. Der Blick des Betrachters trifft auf die Haut des Fotografierten, wandert entlang der Arme, streift die Schultern, nimmt jedoch keine Person oder Identität wahr. Die Symbiose zwischen visueller Wahrnehmung und Tastsinn schafft eine fesselnde Dissonanz: die klinisch fotografierten Figuren scheinen zum einen fern, zum anderen hat der Betrachter das Gefühl, ihre Haut beinahe mit seinen Augen berühren zu können. In diesem Sinne stellte der Architekt Juhani Pallasmaa fest, dass alle Sinne, die Sehkraft eingeschlossen, Erweiterungen des Tastsinns sind, da Augen im fötalen Stadium faktisch Haut sind. Laut Pallasmaa sehen wir mit unserer Haut, welche zeitgleich als Grenze und als Verbindung zur externen und inneren Welt fungiert. In Laurilas Arbeiten agiert die Haut ebenfalls als Begrenzungsfläche des Blickes. Körperliche Erfahrung ist in vielerlei Hinsicht in Laurilas Arbeit präsent. Die halbnackten Körper sind auf transparentes Akrylglas gedruckt, was den Figuren eine transluzente, beinahe schwerelose Wir- kung verleiht. Die durchscheinenden Drucke, die mit den in der Fotografie genutzten Glasplatten assoziiert werden können, sind Metaphern für die Zerbrechlichkeit der porträtierten Subjekte. Anhand des klaren und harten Materials erscheinen die Figuren durch einen Chiaroscuro-Effekt als dreidimensionale Reflektionen auf den Wänden. Die weichen Schatten sind eng mit der Bewegung des Betrachters verknüpft. Nach Maurice Merleau-Ponty kommen wir nicht zu einem Kunstwerk um es anzuschauen, sondern um durch das Kunstwerk die Welt zu sehen. Diese Sichtweise erfüllt sich auf poetische Weise, wenn wir auf Laurilas zarte menschliche Figuren treffen, die statt der abgebildeten Individuen, eigentlich die Art und Weise reflektieren in der wir die Welt wahrnehmen. Bild: Detail of Milja Laurila, Echo, 2016, 158 x 105 cm, UV print on acrylic Image source: Bibliothèque nationale de France

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2014-03-07

Künstler: Jyrki Parantainen

Thema: Gallery Taik Persons ist hoch erfreut, den Künstler Jyrki Parantainen mit einer Auswahl an Arbeiten aus seiner frühen Serie Maa [Erde] (1989–1991) zu präsentieren. Parantainen, der die Helsinki School in ihren Gründungsjahren entscheidend mit prägte, stellt auch weiterhin einen treibenden Motor der Schule dar. Ständig bestrebt, seine konzeptuellen Ansätze und Arbeitsmethoden voranzutreiben haben Parantainens produktive Prozesse im Laufe seiner nun über 20-jährigen Karriere bedeutende Transformationen erfahren. Einen roten Faden in seinem Werk bilden aber die Aspekte der Konzeptualisierung und Vorbereitung, denen im Rahmen des Produktionsprozesses eine hohe Stellung eingeräumt wird. Kritische Introspektion und präzise Methodik sind wesentliche Bestandteile dieses Prozesses, den Parantainen mit dem Schreiben eines Filmdrehbuchs vergleicht. Die Umsetzung des Werks stellt sich als eine Bühne heraus, auf der ein persönliches emotionales Anliegen, technische Genauigkeit und perfektes Timing in einen kraftvollen intimen Dialog miteinander treten; laut Parantainen gleichsam einer Form von Ringkampf. Als Bild ist der künstlerische Akt des Ringens besonders im Hinblick auf die ausgestellten Werke gültig. Die Landschaftsfotografien wurden ausschließlich bei Nacht aufgenommen und stellten somit eine gewisse Herausforderung für Parantainen und dessen „große persönliche Angst vor dem Dunklen“ dar. Mit Verweis auf die visuellen und konzeptuellen Traditionen der Land Art, oder Earth Art, beginnend in den 1960er Jahren in Nordamerika und Europa, folgte Parantainen der Idee, bestimmte natürliche Landschaften und Topografien zu isolieren und als Stätten der künstlerischen Produktion zu nutzen. Vertretern der Land Art wie Robert Smithson (1938–1973) und Michael Heizer (geb. 1944) war daran gelegen, eine Sozialkritik gegen das kommerzialisierte Galeriensystem zum Ausdruck bringen, weshalb sie die Stätten ihrer künstlerischen Produktion in abseitige geografische Gegenden verlagerten; in verödete, ‘unbändige’ Landschaften, entfernt des öffentlichen Ausstellungsraums. In Parantainens Arbeiten der hier gezeigten Serie findet die künstlerische Intervention in die finnische Landschaft auf eigentümliche Weise statt. Durchaus sind die Stätten entsprechend des Idioms bzw. Genres der Land Art ausgewählt und inszeniert. Der Arbeitsprozess sieht die bedachtsame Einbindung verschiedener organischer Medien vor, die von angezündeten Feuerfackeln über Flüssigkeiten wie Milch bis hin zu pulverigem Material wie Kalkstein reichen. Im Unterschied zu traditionellen Ansätzen hingegen werden Parantainens Landschaften in fotografischer Form visuell eingefangen und reproduziert, wodurch der ansonsten standortsgebundenen Lage der physischen Landschaft ein neuer Aspekt von Mobilität hinzugefügt wird. Jyrki Parantainen, geboren 1962 in Tampere, Finnland, arbeitet und lebt in Helsinki. 1992 erlangte er seinen Abschluss an der University of Art and Design, Helsinki (heute Aalto University School of Arts, Design and Architecture), wo er heute als Professor lehrt. Weitere Informationen über die Ausstellung finden Sie hier: http://gallerytaikpersons.com/exhibitions/upcoming/

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2014-01-10

Künstler: Aino Kannisto

Thema: Gallery Taik Persons ist hocherfreut, mit der Ausstellung "Hotel Bogota" bisher ungezeigte Werke aus der gleichnamigen Serie der Künstlerin Aino Kannisto im Rahmen des 6. Europäischen Monats der Fotografie in Berlin zu präsentieren. 2012 wurde Kannisto von dem damaligen Hotelmanager Joachim Rissmann eingeladen, in dessen besonders in Künstlerkreisen geliebten Berliner Hotel Bogota, das Ende 2013 seine Pforten in der Schlüterstraße 45 schließen musste, zu wohnen und zu arbeiten. Ihre Werkserie entstand über den Zeitraum eines Jahres hinweg im Zuge von insgesamt fünf jeweils ein- bis zweiwöchigen Aufenthalten. Bereits in dem Moment ihrer ersten Ankunft wusste Kannisto, dass dieser Ort für sie zu einem künstlerischen Pilgerort werden würde. Die kaleidoskopische Vielfalt verschiedener Räume, Nischen und Ansichten stellte eine unerschöpfliche Quelle der Inspiration für ihre fotografische Arbeit dar. Die Arbeitsphase der Ideenfindung nutzte Kannisto als Gelegenheit, um die Atmosphäre des Ortes bewusst einzuatmen und dadurch ihre kreativen Möglichkeiten der Visualisierung innerer emotionaler Landschaften auszuweiten, welche in ihrer tiefsten Bedeutung als Selbstporträts definiert werden können, wie sie selbst sagt.

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2014-05-21

Künstler: Santeri Tuori

Thema: Gallery Taik Persons is thrilled to present Santeri Tuori’s first solo exhibition in Berlin. The show exhibits photographs from the series Forest Prints (2011) and Sky Prints (2011– 12/2014), as well as videos from the Forest series (2009). Santeri Tuori is one of Finland’s leading contemporary visual artists. As an exponent of the Helsinki School, he has become well known for his innovations in merging the media of photography and video art. The combination of still and moving images in Tuori’s works weaves together multiply layered com- positions that present more than the mere sum of their productive parts. While the subjects of his series have various origins in classical genres of human portraiture (e.g. Bogeyman [2001/2004], 35 Minute Smile [2002], Karlotta [2003/2004]), traditions of landscape painting (as with the works now on display), or in more abstracted, minimalist depictions of nature and natural environment (e.g. Sea [2004], Waterfall [2006]), all have in common that space is never organized according to the straightforward linear logic of temporal order and movement habitual to our practices of seeing – not only in viewing nature, but also art. In Tuori’s Sky Prints, for example, our gaze is directed towards the autonomous theme of the sky, which is unframed from its usual context of the ‘total landscape’. Tuori’s video works consist of single photographs and moving image segments of the same landscape motif. Both sets of images are superimposed onto one another. The final video sequence is projected onto a photographic print; sometimes this is done via rear-screen projection, so that the technical devices remain invisible to the viewer, effectuating the photographic still to ‘awaken’ to life through the motion of the videotape. In another method, the still photograph is vice versa incorporated into the moving image with an editing program; both are combined in a single video file. Aspects of technical and creative production go hand in hand with each other, Tuori explains: “My works evolve very much with the working process. I might have a starting point for a work, but many times, no idea how the final work will look like [...].”. In any case, the melding of color video with black-and-white photography alters significantly the way the image will look. Though the final works can still be discerned in their elements as videos and photographs, they bring forth something new, a third image; one that in its surreal quality is perhaps most suitably compared with painting. In Tuori’s Forest video works, which are edited in a continuous loop, the techniques of projection, blend- ing, and fragmentation question the conventional representational truths often established through the fabric of photographs and films. Instead, there emerges from them a transient, subtly flickering image of the landscape, which slowly unfolds its billowing seasons of change along a very own, complex struc- ture of time. Under the subdued light of a visually stratified picture space, an asynchronous, somehow disconcerting story is quietly narrated. As viewers we receive the chance to inhabit and, in turn, be enlivened by the myriad expansions and compressions of presence and place, and to escape, at least for a prolonged moment of a work’s duration, the safe and reliable home of common clock time as we know it. Gently consoling is the continual soundscape of gusting wind and rushing water that surrounds and accompanies our lonesome journey; and yet, uncanny, too – conjuring the remote pasts and distant fu- tures that will never become known to us. Santeri Tuori, born 1970 in Espoo, Finland, lives and works in Helsinki, Finland. He received a Master of Law degree from the University of Helsinki in 1999, after which he obtained Bachelor and Master of Arts degrees in Photography in 2000 and 2003, respectively, at the University of Arts, Design and Architecture Helsinki. Solo and group exhibitions since 1997 have continuously shown his works in numerous countries in Europe, North and South America, Russia, East Asia, and Africa. His works are included a.o. in the collections of the Espoo Museum of Modern Art, the Finnish Museum of Photography, the FRAC Haute-Normandie, the Malmoe Art Museum, and the Museum of Contemporary Art Kiasma, as well as numerous private collections worldwide. Caption: Santeri Tuori, Sky#15, 
2011 – 2014, Pigment print, 205 x 170 cm
, Edition of 6 
© Santeri Tuori, courtesy of Gallery Taik Persons

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2014-04-26

Künstler: Pertti Kekarainen

Thema: Gallery Taik Persons is delighted to announce the first solo exhibition in Berlin by Finnish artist Pertti Kekarainen. Pertti Kekarainen’s series TILA has been evolving over the course of the past ten years and consists of some 130 works in total. The extensive scope conveys the inexhaustibility of meanings that adheres to the Finnish word tila after which the series is named. In its primary sense, it describes an architectural space, a room, or an interior space inside of an object; moreover a space or distance between different objects. At the same time, tila refers to a conditional state of a phenomenon as well as certain state of mind. Its connotations reach into various life spheres of social, cultural, and political significance. 

 Testifying to his initial training as a sculptor, the exhibition TILA/Spatial Changes illustrates Kekarainen’s objective to carve out spatial depths by means of overlapping semi-transparent surfaces, and incorporating graphic elements such as lines, blurred dots, and circular or rectangular ‘holes’ (in the sense of looking holes or points through which to enter the space which reveals itself behind), as well as effects of color, reflection, and shadow. As he explores the maze-like arrangements of layered planes and spatial compartments, the recipient’s fragmented perspective is continuously shifting. At times distorting and disorienting, his eye moves in and out of focus, and a multitude of “pictures in the picture” is created. 

 Pertti Kekarainen, born in 1965 in Oulu, Finland, lives and works in Helsinki, Finland. He is a long- time influential exponent of The Helsinki School as well as member of the Association of Finnish Sculptors and the Union of Artist Photographers. Kekarainen was educated at the University of Art and Design Helsinki (now Aalto University – School of Arts, Design and Architecture) (1984–85), the Academy of Fine Arts, Helsinki (1985–89), and the Vrije Academie van Beeldenden Kunsten, Den Haag, Netherlands (1989). Since the 1990s, he has been continuously exhibiting his works, which are held in numerous international collections, in both solo and group exhibitions worldwide. Caption: Pertti Kekarainen, TILA (Spatial Changes #5), 2014. Pigment ink print on aluminum, framed, 57.5 x 44 cm, Edition of 10 © Pertti Kekarainen, courtesy of Gallery Taik Persons

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2014-03-21

Künstler: Joakim Eskildsen, Olafur Eliasson, Adam Jeppesen


Thema: Gallery Taik Persons is delighted to announce a collaborative exhibition with Gallery Niels Borch Jensen featuring the works of three Danish artists: Joakim Eskildsen, Olafur Eliasson and Adam Jeppesen.

 Eskildsen, Eliasson and Jeppesen each present photographic perspectives of expansive nature, which when viewed in dialogue with one-another reveal the malleability of our perceptions. While their techniques, visual foci and final structures differ, the artists’ works collectively capture the dynamism of the nature to which they pay tribute. The varying artistic executions and presentations of the landscapes in the exhibition create an awareness of how deeply personal, and variable, our modes of seeing are. The artists photograph the realities they encounter without staging or manipulating, and yet the outcome is nevertheless an interpretation, an insight into their sensibilities.

 Joakim Eskildsen was born in 1971 in Copenhagen, Denmark. He trained with Royal Court photographer Mrs. Rigmor Mydtskov and gained his MA from the University of Art and Design Helsinki. He is represented in public and private collections including The National Museum of Photography, Denmark, The Museum of Contemporary Art KIASMA, Finland, Fotomuseum Wintherthur, Switzerland, and The Museum of Fine Arts in Houston. He has published several monographs : Nordic Signs (1995), Bluetide (1997), iChickenMoon (1999), and The Roma Journeys (2007, Steidl, introduction by Günther Grass). Steidl will publish American Realities and Home Works in the near future. The Danish National Museum of Photography will present a retrospective of Eskildsen‘s works in 2015. Eskildsen lives and works in Berlin. Caption: Joakim Eskildsen, Fisherman, 1993. 
Pigment print on archival paper, 108 x 131 cm
, Edition of 7 
© Joakim Eskildsen, courtesy of Gallery Taik Persons

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2013-10-26

Künstler: Mikko Rikala

Thema: Gallery Taik Persons ist hocherfreut, Mikko Rikalas erste Einzelausstellung mit dem Titel Towards Nothing in Berlin zu präsentieren. „Was sind die Möglichkeiten des Menschen, die Welt über den rationalen Verstand hinaus zu betracheten und begreifen?“ Dies ist die essenzielle Frage, die Mikko Rikala durch seine fotografische Arbeit zu vergegenwärtigen ersucht. Im Wesentlichen eine Frage epistemologischer Natur, untersucht Rikala das Spannungsfeld zwischen „Sehen“ – gleichzusetzen mit dem Bereich der Physik und seinen messbaren Größen als eine Form rationalen Wissens – und „Wahrnehmen“ – ein Bewusstseinsmoment subjektiver Erfahrung, das eine Form potenziell irrationalen Wissens präsentiert. Die Logik des Irrationalen beruht auf seiner Annahme eines verwobenen Verhältnisses von „rationalen Experimenten“, welche „die Entdeckung von etwas Irrationalem zum Resultat haben können“. Rikalas äußerster Anreiz besteht darin, die menschlichen Limitationen der Vernunft und des Intellektes zu transzendieren, und im Gegenzug Dasjenige zu ersinnen und fassbar zu machen, was wir diesseitig als das Undenkbare, Unvorstellbare des inkommensurablen Raumes empfinden. Neben konzeptuellen und minimalistischen Künstlern wie On Kawara und Sol DeWitt nennt Rikala die Philosophie Ostasiens als eine informative und prägende Quelle seiner Arbeiten. Durch Methoden „meditativer Repetition“ und Gestaltung sowie des Arrangierens und Dekonstruierens stellt seine Arbeit die prozesshaften, relationalen Bewegungen linearer und zyklischer Zeitlichkeit einander gegenüber und bricht diese systematisch auf. Strukturen des Zerfalls und der Auflösung als Indikatoren des unabwendbaren, progressiven Verlaufs der Zeit sowie Phänomene des Übergangs mit wiederkehrendem, selbsterneuerndem Charakter als Signifikanten des kreisförmigen und interstitiellen Verlaufs der Zeit stellen gleichermaßen elementare Themen in Rikalas Arbeiten dar.

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2013-07-27

Künstler: Aixa Li, Hwanhee Kim, Ji Hyun Kwon.

Thema: From the pressrelease: Aixia Li | Hwanhee Kim | Ji Hyun Kwon Opening Thursday, June 6, 2013, 6–9 pm Exhibition from June 6 to July 27, 2013 Gallery Taik Persons is thrilled to present a group exhibition of the young artists Aixia Li, Hwanhee Kim, and Ji Hyun Kwon, whose works present three different approaches to the cultural connotations of language and image. Guilt is the subject of interrogation and contemplation in Ji Hyun Kwon’s works. Her arresting portraits of The Guilty show individuals of different cultural and geographical background, who have written onto their faces the reasons for their personal feelings of guilt. Encoded in their respective mother tongue, “guilt” is revealed in its culturally specific as well as its universal complexity. Kwon’s interest in the subject is not only indebted to her past studies in criminal law before turning to photography. Nurtured by entrenched feelings of human compassion and moral consciousness, her profound sense of social duty, responsibility, and obligation in life is informed by an Aristotelian understanding of the human being as a communal being who may find his ultimate self-fulfillment as a constitutive element of society. In her engagement with art, the “eternal sense of guilt” is not only what “pushes [her] heart from the deepest inside”, it is what Kwon achieves to bring to the visible surface of her portrayed subjects. Finding that we are not alone with the burdens of what we believe to be our wrongdoings, these portraits allow us, cautiously and yet straightforwardly, to return their gaze. Hwanhee Kim's interest lies in the physicality of the artwork and the material structures, conditions, and implications of its form. She states her practice as engaged with the following hypothesis: The frame is the body of the image. Meaning the formats, functions, and parameters of size or aspect ratio through which paintings, photographs, and moving images take on their bodily existence and operate by, Kim believes that this physical output presents essential defining factors in shaping the way we see and evaluate such works as aesthetic objects of art. Their production, reception, and consumption over time undergoing transformative processes of editing, selecting, and reassembling, Kim seeks to carve out the relationality that exists between images and the language of their architecture. Among the exhibited works are her small-scale sculptures, which consist of amassed layers of photographic prints cut, arranged, and piled into three-dimensional geometrical shapes. Also shown are Kim’s frame-sculptures, likewise assemblies of personal photographs. While here, the original standard format of the prints has not been altered, the actual picture has been cut out entirely, leaving a malleable frame of empty space where once had been perceived an image of the past. Through her dealing with the historical phenomena of foot binding and calligraphy writing in China, Aixia Li negotiates culturally particular practices with regard to their entangled processes of cross-cultural translation. The Chinese character chan 缠 [“to bind”, “to weave”, “to tangle”] presents the visual key to Li’s work in which she explores the subject through three different approaches: Thirteen wooden light boxes showing one of the sequential brush strokes constituting the character chan when switched off, and, when switched on, revealing the portraits of some of the last women whose feet had been bound, form the first. The portraits are accompanied by a series of wooden boxes containing the personal biographies of the depicted women. In her third approach, Li overlays terms associated with aspects of foot binding in a series of four sets of collage-like paper cutouts, each set consisting of one Chinese- and one English-language version of the concurrent terms. Li’s various methods of visualizing the ‘unbinding’ of the character chan result in dialectical tensions: Just as we begin to believe that we can identify the facial expressions and gazes of the portrayed subjects, or decipher some of the words written in ink, they merge, or vanish, or chang For the jpg: Aixia Li Chan, 2012 Oriental paper with wooden light box, 24 x 30 cm (detail)

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2013-04-20

Künstler: Tiina Itkonen

Thema: Gallery TAIK is thrilled to showcase works from the Finnish photographer Tiina Itkonen for the exhibition opening on February 15, 2013. The title of the exhibition refers to the artist’s search for her own “Ultima Thule”, a term used to describe the concept of a place outside of the “borders of the known world”, specifically in the Far North. Tiina Itkonen’s fascination with the topography and culture of Greenland began before she even visited the country in the mid 1990s. Since that time, the photographer has returned for visits on numerous occasions, giving her substantial time to record Greenland’s other-worldly landscapes and the native Inuit people who inhabit them. For the works shown in this exhibition, the artist revisited her archive of unpublished photographs, and reassessed and edited them. Itkonen’s photographs provide both documentary evidence for, and stir up interest about one of the coldest places on the planet. For one, questions concerning the environmental changes caused by global warming resurface in our collective consciousness. Moreover, the works also provide for a captivating, all-encompassing viewing. With the uninterrupted style of the panoramic camera, icebergs seem to float off the horizontal photograph onto the space outside of its edges and the calm, quiet atmosphere becomes a universal experience. Tiina Itkonen was born 1968 in Helsinki, Finland. In 2002 she graduated with a Master of Arts from the University of Art and Design Helsinki (renamed Aalto University School of Arts, Design and Architecture in 2011). Her work has been shown in numerous international group and solo exhibitions: amongst others at festivals and venues such as the 54th Biennale de Venezia, 3rd Daegu Photo Biennale, 17th Biennale of Sydney, Danish National Museum of Photography, Shiseido Gallery Tokyo, New York Photo Festival, Foam Fotografiemuseum Amsterdam, Kunstmuseum Wolfsburg, and Kulturhuset Stockholm. Itkonen has been awarded with the William Thuring Prize and the Young Photographer of the Year Award. Her works are included in collections such as the Moderna Museet (SE), DZ-Bank Collection (DE), Statoil Collection (NO), Helsinki Art Museum (FI), as well as numerous private collections throughout Europe and the USA amongst others. Caption: Tiina Itkonen, "Sermermiut 2", 2007/2012, pigment print mounted on acrylic, 70 x 200 cm and 50 x 140 cm

Ort: Gallery Taik Persons bis: 2012-06-23

Künstler: Kannisto, Sanna

Thema: Gallery TAIK freut sich die finnische Künstlerin Sanna Kannisto mit ihrer Einzelausstellung „Close Observer“ in Berlin präsentieren zu können. In Verbindung mit Kannistos umfassender Monografie „Fieldwork“, die 2011 bei Aperture erschienen ist, zeigt die Ausstellung einen Überblick über ihr bisheriges Werk. Präsentiert werden neben ausgewählten Arbeiten der Serien „Close Observer“ (2008-2010) und „Field Studios“ (2000-2010), die einige ihrer neuesten Fotografien zeigen, verschiedene Werke der Serien „Act of Flying“ (2006) sowie „Private Collection“ (2003-2006). Die Ausstellung wird am 27. April 2012 in Anwesenheit der Künstlerin eröffnet. Weitere Informationen finden Sie unter: www.helsinkischool.fi Werkangaben: Sanna Kannisto Close Obbserver, 2010 C-print auf Aluminum, gerahmt 130 x 158 cm Copyright the artist, Courtesy Gallery TAIK