Ort: Cruise & Callas bis: 2016-02-27
Künstler: Britta Lumer
Thema:
Ort: Cruise & Callas bis: 2015-12-19
Künstler: Catherine Lorent
Thema:
Ort: Cruise & Callas bis: 2015-10-31
Künstler: Dominik Steiner
Thema: Cruise & Callas are proud to present a solo exhibition of the work of contemporary painter Dominik Steiner
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-12-13
Künstler: Chris Hammerlein
Thema:
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-12-13
Künstler: Chris Hammerlein
Thema: For his second exhibition at Cruise & Callas the American artist Chris Hammerlein wants to convey what led him originally to be an artist. His use of clay as the material of choice for the sculptures is a reference to artistic influences throughout the history of mankind ranging from the Hellenistic culture to Wilhelm Lehmbruch. Like his predecessors Chris Hammerlein reports on his world by forming animals, waves and crumbling buildings.
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-10-25
Künstler: Anneke Eussen
Thema: english version below Anneke Eussen - Circle lines Eröffnung am 12. September 2014 ab 19 Uhr Ausstellung vom 13. September bis 25. Oktober 2014 Mittwoch - Samstag 12 - 18 Uhr Anneke Eussen zeigt in ihrer Einzelausstellung „Circle lines“ bei Cruise & Callas neue Objekte und Zeichnungen, die nicht nur durch den für die Künstlerin typischen Purismus in der Formsprache faszinieren, sondern auch durch die aus ihnen resultierenden Gedanken zur Definition zeitgenössischer Kunstproduktion selbst. Das Werk der 1978 geborenen Niederländerin kreist seit jeher um Identifikation, um deren Definition und die Umstände deren Herausbildung. Während in den Papier- und Objektarbeiten die Aufmerksamkeit auf den existentiellen Versatzstücken der Subjektbildung liegt, untersuchte Eussen in ihren jüngeren Rauminstallationen zeitgeschichtliche Phänomene, die der Künstlerin insbesondere in Städtebau und Architektur begegneten. In „Circle lines“ finden diese beiden Ebenen nun zueinander. Bei der Umsetzung geht die Künstlerin gewohnt behutsam vor, die Leichtigkeit ihrer ästhetischen Sprache entspricht dem Umgang, zu dem ein Schmetterlingsforscher gezwungen ist, um seinen fragilen Untersuchungsgegenstand nicht zu beschädigen. In ihrer Arbeit „You don´t understand me #2“ setzt Eussen zwei Kleiderhaken nebeneinander, beide Gegenstände bringen offensichtlich eine Geschichte mit. Sie ähneln einander und sind doch nicht gleich, sie erscheinen als zweieiiger Zwilling. Aus diesem Spannungsfeld entwickelt sich in Eussens Objekten Identität und Fragen scheinen auf: Was genau macht die Präsenz bestimmter Dinge in unserem Umfeld aus? Was wurde diesen weggenommen, welche Informationen und Beziehungen sind verloren gegangen? Und welche Energie erfahren sie nun, in einen neuen Zusammenhang gesetzt? Die Künstlerin geht in der Ausstellung aber noch einen Schritt weiter: Aus dem, was Zufall, Absicht und Geschichte hinterlassen haben, entwickelt sie nicht nur eine „Persönlichkeit“ eines Gegenstandes, in konsequenter Fortsetzung ihrer Methode zeichnen sich in ihren neuesten Werken auch die Spuren der von ihr vorgenommenen künstlerischen Prozesse selbst ab. Die Voraussetzung hierfür ist ein Innehalten im Arbeiten, ein Moment der plötzlichen Bewusstwerdung einer unbewusst und möglicherweise nachlässig vorgenommenen Handlung. Und, im nächsten Schritt, ein bewusstes Verfolgen oder Herausstellen genau dieser Aktion. Wieviel tragen solche zufälligen Handlungen und deren Ergebnisse eigentlich zu Form, Erscheinung und Wert dessen bei, was uns umgibt? So trifft Anneke Eussen mit ihren neuesten Arbeiten direkt ins Herz der Frage nach künstlerischer Produktion: Im Fokus steht zum einen der Gegenstand, den Eussen aus dem Alltag herauslöst um ihn zum energiegeladenen Objekt zu machen. Zugleich isoliert die Künstlerin aber auch den Charakter dessen, was Kunst ausmacht: das nicht wiederholbare, einzigartige Zusammenspiel und ein sich gegenseitiges Bedingen von durchdachten und zufälligen Aktionen. Anneke Eussen, *1978 in den Niederlanden, studierte am Higher Institute for Fine Arts, HISK in Antwerpen und an der Akademie für Bildende Künste in Maastricht. Zuletzt zeigt sie mit „As It Is“ eine Einzelausstellung in ihrer Galerie Tatjana Pieters in Gent, Anfang 2014 präsentierte sie neben neuen Arbeiten ein Künstlerbuch in der Institution Zebrastraat in Gent. Weitere Einzelausstellungen hatte Eussen in der Highlight Gallery, San Francisco, in der Berliner LSD Galerie und 2007 im Bildmuseet, Umeå (SE). Eussen nahm an Gruppenausstellungen u.a. in der Jan Van Eyck Academie, Maastricht, bei CC De Bond, Bruges (BE), The Wand, Berlin und Ainsi Building, Maastricht teil. Ihre Arbeiten sind in diversen privaten und öffentlichen Sammlungen in Europa vertreten. 2009 war sie Gastprofessorin der Kuvataideakatemia in Helsinki. ______________________________________________________________________________________ english version Anneke Eussen - Circle lines Opening September 12, 2014 from 7 pm Exhibition from September 13 until October 25, 2014 Wed - Sat 12 - 6 pm During the abc art berlin contemporary Gallery Night on September 17 open 7 - 10 pm In her solo-exhibition “Circle lines“ at Cruise & Callas Anneke Eussen shows new objects and drawings, which are captivating not only in the purism of form typical for the artist. They also trigger challenging thoughts on the definition of contemporary art production itself. The body of work of the 1978 born Dutch artist has always been revolving around identification, the definition of it and the circumstances of its development. While the paper works and objects focus on existential components of subject formation, Eussen’s more recent spatial installations explore contemporary historical phenomena, which the artist particularly came across in urban structures and architecture. In “Circle lines” these two layers now come together. The implementation takes place very cautiously, as usual with the artist: the lightness of the aesthetic language corresponds to the handling of a lepidopterist with his fragile object of investigation. In her work “You don’t understand me #2” Eussen places two clothes-hooks next to each other, with both objects clearly bringing in their own history. They resemble each other and yet they are not the same, they appear as fraternal twins. In Eussen’s objects identity arises from this conflicting relation and questions like the following appear: What exactly constitutes the presence of things in our environment? What has been taken away from them, which information and relation has got lost? And which energy do they undergo now put in this new context? The artist goes one step further in the exhibition though: From what chance, intention and history have left, she develops not only a “personality” of an object, but in a consequent continuation of her method traces of her artistic processes become central in her most recent works. The condition therefor is a reflective pause in working, a moment of a sudden realization of an unconscious or of a potentially inattentive act - and, in a next step, to consciously follow and highlight exactly this. How much do such concurrent activities and their results actually contribute to form, appearance and value of the things, that surround us? That way, Anneke Eussen aims with her newest works directly at the heart of the question of artistic production: The focus is on one hand on the object, which Eussen separates from its everyday life to energize it. On the other hand, the artist isolates the character that constitutes art: the unrepeatable, unique interaction and a mutually reinforcing dependence of thought-out and coincidental actions. Anneke Eussen (born 1978 in the Netherlands) studied at Higher Institute for Fine Arts, HISK in Antwerp and at the Academy of Fine Arts in Maastricht. Most recently she had a solo-show called “As It Is” at Tatjana Pieters Gallery in Ghent, in the beginning of 2014 she presented besides newest works an artist book at Institution Zebrastaat in Ghent. Further solo-shows have been at Highlight Gallery, San Francisco, at LSD Galerie, Berlin and 2007 at Bildmuseet, Umeå (SE). Eussen took part in group-shows inter alia at Jan Van Eyck Academie, Maastricht, at CC De Bond, Bruges (BE), The Wand, Berlin and Ainsi Building, Maastricht. Her works are part of several private and public collections throughout Europe. In 2009, she has been a visiting professor at Kuvataideakatemia in Helsinki.
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-08-15
Künstler: Nicolas Bakowski, Giuseppe Curto, Oscar de Franco, Dina, Giorgio Dorigo, Leon Eisermann, Selma Devrim Fener, Okka Hungerbühler, Rainer Menke, Mary-Audrey Ramirez, Jakob Schmitt, Esther Sibiude, Eva Vuillemin, Thomas Zipp
Thema: curated by Veit Loers
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-06-19
Künstler: Frauke Boggach & Carsten Fock
Thema:
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-06-14
Künstler: Stefan Rinck, Marion Andrieu, Marcus Bastel, Andreas Blank, Frauke Boggasch, Christina Bunk, Rick Buckley, Barbara Fourneret, Frank Frede, Maike Gräf, Daniel Grüttner, Chris Hammerlein, Carl Hanni, Uwe Henneken, Felix Höfner, John Isaacs, Susanne Jung, Dionisis Kavallieratos, Ingrid Klausner, Jean-Yves Klein, Luzie Kork, Caro Suerkemper, Michael Trischberger, Gabriel Vormstein, Martin Wellmer, Anna-Lena Wenzel, Phillip Zaiser.
Thema: Stefan Rinck A Sunny Place for Shady People Ausstellung vom 1. März bis 12. April 2014 Mittwoch - Samstag 12 - 18 Uhr Aus dem Fundus der botanischen Semantik Eröffnung am 06. Juni 2014 ab 19 Uhr In seiner dritten Einzelausstellung bei Cruise & Callas zeigt Stefan Rinck neue Steinskulpturen zu einer narrativen Installation formiert. Unter dem Titel „A Sunny Place for Shady People“ zeigt der in Berlin lebende Künstler Skulpturen aus schwarzem Diabas und weißem Marmor, die aufgereiht entlang einer Spirale aus Steinsplittern stehen. Eine kleine Figur, der „Homunculus“, steht in deren Zentrum und scheint sich von dort aus auf einen exemplarischen Lebensweg zu begeben. Der Begriff Homunkulus bezeichnet einen künstlich erschaffenen Menschen. In Rincks Ausstellung erscheint er nicht nur als reale Figur, sondern auch als eine an ein Fenster der Galerie projizierte Computeranimation. Diese „präexistente“ Form bewegt sich zwischen zwei Dimensionen hin- und her und entscheidet schließlich, so der Künstler, sich „in der realen Menschenwelt zu materialisieren“. Entsprechend realisierte Rinck seine Homunkulusfigur ausgehend vom digitalen Entwurf als 3d-Print in Auflage. Der Gegensatz von beseelter und unbeseelter Materie findet sich auch in den Steingebilden der Ausstellung wieder: Die zu Charakteren gewordenen Skulpturen stehen zwischen dem buchstäblichen Abfall, der bei ihrer Herstellung entsteht, den Steinsplittern, die der Ausstellung ihre kompositorische und narrative Grundstruktur geben. In den Skulpturen greift Rinck wie so oft Motive aus literarischen Vorlagen auf, hier von der Antike über Shakespeare bis Bulgakow, und verwebt diese mit Elementen der Popkultur. Tradierte Thematiken und Topoi wie Liebe und Tod, Religion und Mystik zeigt Rinck dabei als zeitübergreifende Grundkomponenten des Lebens. Einen Hinweis darauf, dass diese nicht nur für den ganz eigenen Weg des Homunkulus oder für das menschliche Leben überhaupt existenziell sind, versteckt Rinck im Motiv des Kaktus, der mehrmals an entscheidender Stelle in der Ausstellung auftaucht. Für Rinck ist er eine „Metapher für die Selbsthistorisierung der Postmoderne“: wie der Kaktus seine Stacheln einsetzt, um seine Existenz zu schützen, so gewinnt die zeitgenössische Kunst im Rückgriff auf tradierte Konzepte ihre Legitimation. Für den 6. Juni hat Stefan Rinck befreundete Künstler eingeladen, mit einem eigenen Kaktus zum künstlerischen Diskurs der Ausstellung beizutragen. Zu den teilnehmenden Künstlern der Gruppenausstellung mit dem Titel „Aus dem Fundus der botanischen Semantik“ gehören: Marion Andrieu, Marcus Bastel, Andreas Blank, Frauke Boggasch, Christina Bunk, Rick Buckley, Barbara Fourneret, Frank Frede, Maike Gräf, Daniel Grüttner, Chris Hammerlein, Carl Hanni, Uwe Henneken, Felix Höfner, John Isaacs, Susanne Jung, Dionisis Kavallieratos, Ingrid Klausner, Jean-Yves Klein, Luzie Kork, Caro Suerkemper, Michael Trischberger, Gabriel Vormstein, Martin Wellmer, Anna-Lena Wenzel und Phillip Zaiser.
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-06-14
Künstler: Stefan Rinck
Thema: “Stefan Rinck will show his interest in overcoming ontological, epistemological and religious dualism through transcendency in his third solo exhibition “A Sunny Place for Shady People” at Cruise & Callas. He will combine black and white marble sculptures, a cactus out of wood with a 3D-projection and abstract fresco paintings.”
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-04-12
Künstler: Yasmin Müller
Thema: Ciao, Julio! von Christian Malycha Normalerweise ist das doch zum Davonlaufen. Man hört von einer Ausstellung zu „Maler und Modell“ oder „Künstlern und ihren Musen“, hört, wie sehr irgendwer ein bestimmtes Modell vergöttert oder missbraucht, verklärt oder ausgebeutet hat. Nur ist es das? Nicht, dass es diese Probleme nicht gäbe, da ist gewiss mehr dran, als einem lieb sein kann, nur die didaktische Einseitigkeit in der Darstellung, also inspirierte Huldigung und heile Atelierwelt einerseits und Sexismus, Chauvinismus und geschlechtliche Objektivierung andererseits, greift meist viel zu kurz. Vor allem, weil es mittlerweile eigentlich klar sein sollte, dass, wenn eine Person gemalt oder porträtiert wird, diese auf dem Bild nie sie selbst ist, sondern ein Bildding unter vielen und dass, so jenes Bild Charakter hat, dies an anderen Faktoren, bildnerischen, hängt, nicht unbedingt am Vorbildcharakter des Modells. Und was macht man mit ‚Porträts‘ von Stoffen, Tischdecken, Lampen, Schalen, Früchten, Müllcontainern, Sofas, Landschaften? Gilt da die sexualisierte Lesart auch? Klaro. Kann man mit Blick auf den Fetischismus alles auf der geschlechtlichen Ebene verstehen. Nur bleiben die Werke dann immer Psychogramme einer Künstlerin oder eines Künstlers und selten bei sich. Lebt man dazu noch in einer Gegenwart, in der sich Rollenzuschreibungen, Verhaltenscodizes und Geschlechtserkennungsmerkmale auflösen, wird es umso diffiziler, zwischen einem eindeutig männlichen, weiblichen, männlich-weiblichen, weiblich-männlichen oder ganz anderem Blick zu unterscheiden. Demgegenüber hat Yasmin im vergangenen Jahr begonnen, mit Zora, einer engen Freundin, als Modell zu arbeiten, die sie kurzerhand und als Arbeitshypothese zu ihrer Muse erklärte. Nur was heißt das heute, in mythenlos-aufgeklärter Zeit, bisweilen zwar rauschhaft, doch fern von allem poetischen Furor, fern von göttlicher Eingebung oder klassischen ‚Musengeschenken‘? Gerade, wenn die bildende Kunst ohnehin mit Musen nichts zu tun hat; zumindest damals nicht in Griechenland, als die neun Damen ihre Schutzbefohlenen (Sternengucker, ein paar Flötenspieler und viele, viele Dichter) zugeteilt bekamen. Nimmt man dagegen die erst viel später in der Renaissance erfundenen ‚Kunstmusen‘, stellt man gegen jede Alltagsmeinung fest, dass dies zumeist die Ehefrauen oder wenigstens die Langzeitgeliebten waren, so gut wie nie verruchte Mätressen oder mehr bis minder romantisch aufgelesene One-Night-Stands. Dafür sind derartige Beziehungen zu fragil, die künstlerische Arbeit ist es und braucht Nähe, Vertrautheit und zugleich doch die Distanz eines Gegenübers. Man kann sagen, dass eine Muse Behelf, Vorwand oder Mittel zum Zweck ist, doch vielmehr ist sie der notwendige Gegenpol, um einen künstlerischen Prozess in Gang zu bringen, ist Katalysator, trigger usf. Germaine Greer hat dazu einmal erzählt, dass eine Muse selbstverständlich mit der oder dem Musengeküssten ‚verkehrt‘. Allerdings penetriert hierbei die Muse (die Vorstellungskraft) und der Künstler trägt die gemeinsame Schöpfung aus. Also eine Paarbeziehung und so gut wie keine Unterwerfung oder Unterwürfigkeit. Sex spielt dabei keine zu große Rolle, Erotik mitunter. Denn jede Begegnung, aus der gemeinsam etwas geschaffen wird, ist auf die eine oder andere Weise erotisch aufgeladen. Sich bewusst in eine solche Situation zu begeben, hat Yasmin gereizt, die Spannung in der Spiegelbeziehung zum Gegenüber – mit allen Projektionen, die man der jeweils Anderen überstreift oder aufbürdet. Und als Produktionsgemeinschaft wenden Yasmin / Zora nun Theweleits male-couple in ein sich wechselseitig befeuerndes female-couple. Denn notwendigerweise verschiebt der so bewusst und sichtbar gemachte weiblich-weibliche Austausch die Perspektive auf die Bedingungen künstlerischer Tätigkeit maßgeblich: Wer tut was, mit wem, wozu? Ausgangspunkt war eine Serie von Fotografien, in denen Yasmin Zoras Körper nach Belieben hindrapierte oder übermalte und gleichermaßen den physischen Widerstand oder Eigenwillen des ‚Materials‘ akzeptierte. Diese Fotos waren die Recherche zum eigenen Rollenverständnis und der Versuch, der gemeinsamen Arbeit eine Form zu geben. Was Yasmin – beinahe in herrischer Geste – nicht davon abhielt, diese grundlegenden Fotos für die tatsächliche Ausstellung zu verwerfen. Die ‚Verschwendung‘ der gemeinsamen Arbeit ist ebenso Teil der gemeinsamen Arbeit. Bereicherung wie Benutzen beruhen auf Gegenseitigkeit, wogegen nichts einzuwenden ist, solange keine Seite dabei aufgebraucht, verzehrt oder zerrieben wird. Geben und Nehmen sind eher Zeichen für Souveränität als für Ungleichgewicht und die Subjekt-Objekt-Relation ist dabei zirkulär, wenn sie nicht vollends hinfällig wird. Entstanden sind aus diesem couple, dieser Kopplung Yasmin / Zora fünf Stahlplastiken, die nun in der Ausstellung stehen. Wodurch diese ziemlich hart und entschieden geworden ist. Es sind Ableitungen von Stühlen, Hockern, einem Divan. Aber eben doch keine Möbel. Nur was dann? Es braucht ein wenig, bis man inmitten der Streben einzelne, ineinander verschränkte Buchstaben entdeckt. Mal nur ein Y, mal eine Z-artige Form, dann YM und ZY – Initialen. Sie scheinen wie Logos oder Brandings, doch sind sie dem plastischen Ganzen vollkommen integriert, feste Bestand- und Bauteile, nicht bloß appliziert. Yasmin / Zora ist den Plastiken unmittelbar eingeschrieben, womit diese weit mehr als Platzhalter für die beiden darstellen wie etwa Vincents und Pauls Stühle, sondern zu regelrechten Verkörperungen werden. Vielleicht kann man die Plastiken sogar Figuren nennen, weder im sprachlichen noch im theatralischen, sondern vielmehr im choreografischen Sinn. Körper nicht unbewegt und statisch, sondern in Bewegung, aktiv und sich verausgabend in situativ wechselnden Konstellationen, in Nähe, Ferne, Ab- und Zuneigung. Selbst Möbelrücken ist Beziehungsarbeit, denn praktisch äußert sich darin zuletzt mehr Wissen um die Problematik, als man es motivisch nachahmen oder theoretisch analysieren könnte. Und was da sonst noch an Wiener Werkstätten, David Smith, Kippenbergers Happy End, Franz West, Architektur- und Designgeschichte miteingeflossen ist, mag jede und jeder für sich entscheiden – manches findet man vor, manches schafft man selbst und zwei Stühle können verdammt erotisch aufgeladen sein. Dass sich Yasmin der klassischen Männerdomäne Metallwerkstatt bemächtigt und die Plastiken eigenhändig geschweißt hat, ist als Bonus ein charmanter Seitenhieb auf das nach wie vor bestehende Image vom toughvirilen Bildhauer wie auf die Generation von pseudoindustrialisierten Trademark-Künstlern, die nur noch fremdbauen lassen. Aber sei’s drum. Geht das so weiter, kämmt sie den Stahl bald so sanft wie fallendes Haar – mit ein paar Dornen drin.
Ort: Cruise & Callas bis: 2014-02-22
Künstler: Salome Ghazanfari & Felix Oehmann
Thema: english version below Eröffnung am 17. Januar 2014 ab 19 Uhr Finissage am 21. Februar 2014 ab 19 Uhr Ausstellung vom 18. Januar bis 22. Februar 2014 Mittwoch - Samstag 12 - 18 Uhr Cruise & Callas startet mit einer Doppelausstellung in das neue Jahr: Salome Ghazanfari, Jahrgang 1982, zeigt Wandarbeiten, Felix Oehmann, Jahrgang 1985, Skulpturen. Wir stellten beiden Künstlern einige Fragen. Wo findet du das Material für deine Arbeit? S: Ich finde mein Material vorwiegend draußen, auf der Straße. Deswegen interessiert mich die Ästhetik von Billboards und Plakaten. Sie sind die hierarchielose und vereinfachte Form von Schrift- und Bildsprache. Meine Shots sind poppig, flach und bewegen sich formal an der Oberfläche – sie benutzen eine allgemein verständliche Form und sind ein Konzentrat des Komplexen. Ich setze mich bewusst realen Erfahrungen aus, denn nur direkter Kontakt und die Risikobereitschaft zu echter Nähe produzieren das Maß an Authentizität, an dem ich interessiert bin. Meine Arbeiten sind keine Fotos im klassischen Sinn, sondern Beweise von Realitäten, die in Echtzeit stattgefunden haben. Formal führe ich dieses Erlebnis durch eine plastische Umsetzung an der Wand wieder zurück in den Raum. F: Ich bevorzuge Materialien, die fragil und weich sind, und möchte dann in der Konstruktion eine höchstmögliche Transparenz erreichen. Indem ich den Zusammenbruch des Aufgerichteten riskiere, zelebriere ich Verlust und Verschwinden. An diesem Punkt entsteht für mich formal und narrativ eine Art Dauerschleife, die einem Refrain nahe kommt und der Skulptur Autonomie verleiht. Ich halte einen gelungenen Refrain für eine hohe Form der Mitteilung. Er hat die Möglichkeit, wie eine große Umarmung zu wirken und Distanz abzuschaffen. In ihm liegen die Sehnsucht und ihre Überwindung dicht beieinander. Darin liegt eine zeitlose Kraft. Was ist für dich besonders wichtig, wenn du eine Arbeit machst? S: Es ist mir wichtig, dass meine Arbeit zu einer Institution in der Gesellschaft wird, die Zugehörigkeit schafft. Bei der Aufstellung einer Feuertonne im Görlitzer Park z.B. versuche ich primär Energie freizusetzen – die Tonne wird zur Sozialtonne, zum Sockel für echte Outsider. Ich gebe Objekten und Personen eine Sprache, ein Bild, das aus meiner Sicht ihre Essenz wiedergibt. Meine Arbeit soll Bewusstsein und Erkenntnis schaffen, zu einer Love-Machine werden. In diesem Sinne nehme ich auch die Hinterlassenschaft von Michael Jackson ernst, wenn er sagt: „Heal the world, make it a better place“. F: Mich interessiert hohe Gegensätzlichkeit. Ich erzeuge künstliche Distanzen, um am Ort der Skulptur die Frage nach Überwindung von Distanz zu stellen. Die Skulptur ist Ort der Kollision: zwischen hier und dort, Welt und Individuum, Geschichte und Gegenwart. Sie ist Ort der Übertragung von Energie zwischen dem Einzelnen und dem Anderen und muss, um diese Chance überhaupt bieten zu können, selbst höchstmöglich energiegeladen sein. Deswegen sind mir Schnelligkeit, Direktheit und Improvisiertheit wichtig. Deutliche Zeichen wie Herzen, Lippen, Zahlen oder Smileys fungieren für mich als Krücke zur Abschaffung von Distanz. Sie existieren kontextunabhängig, sind generell verständlich und ermöglichen eine Begegnung auf Augenhöhe zwischen mir, Skulptur und Betrachter. Ihr arbeitet seit Jahren autark Seite an Seite. Was verbindet euch unter dem Titel „United Colors“? S: Felix und ich sind uns für nix zu schade und stürzen uns ohne Airbag voll in die Welt hinein. Und das was Reibung hat, bleibt am Ende hängen. United Colors bedeutet für mich Freiheit, Zugehörigkeit und Verständigung. Wenn alles verschmilzt, dann verschwindet alles, was reizvoll ist. Insofern: Promote Diversity! F: United Colors klingt positiv großzügig und optimistisch in die Zukunft gewandt. Salome und mich verbindet die Suche nach Extremen und die Hingabe zum Besonderen. Wir teilen eine ähnliche (Risiko-)Bereitschaft, uns den Dingen auszuliefern und sie in dieser Intensität auch zurückzugeben. _____ Opening January 17, 2014 from 7 pm Closing Party February 21, 2014 from 7 pm From January 18 until February 22, 2014 Wed - Sat 12 - 6 pm Cruise & Callas starts the new year with a double exhibition: Salome Ghazanfari, born 1982, shows wall works, and Felix Oehmann, born 1985, shows sculptures. We asked the artists a few questions. Where do you find the material for your work? S: I find my material mainly outside, on the streets. That‘s why I‘m interested in the aesthetics of billboards and posters. They are the non-hierarchical and simplified form of written and imagery language. My shots are pop, flat and formally move on the surface - they use a generally comprehensible form and they concentrate complexity. I deliberately expose myself to real experiences, because the authenticity, in which I’m interested, is only produced by direct contact and in risking real closeness. My works aren’t photographs in the classical sense, but evidence of realities that I experienced in realtime. Formally, I bring this experience back into the space by bringing the works plastically on the wall. F: I prefer materials that are fragile and soft and then try to gain the greatest possible transparency in the construction. In risking the collapse of the sculpture’s upright posture I celebrate loss and disappearance. At this point, a formal and narrative loop emerges, which is similar to a chorus and which gives autonomy to the sculpture. I think a successful chorus is a high form of communication. It’s possible for the chorus to act as a big embrace and to reduce distance. In it, desire and overcoming desire lie close together. This is a timeless power. What is important for you when doing a work? S: It‘s important for me that my work becomes an institution in society that creates affiliation. By positioning a burning barrel in Görlitzer Park for example, I try to liberate energy - the barrel becomes some kind of social barrel, a plinth for real outsiders. I provide objects and persons with a language, an image, which depicts their essence from my perspective. My work shall create an awareness and an insight, growing to a love machine. In this sense, I take Michael Jacksons legacy seriously when he says: „Heal the world, make it a better place“. F: I’m interested in a high dichotomy. I produce artificial distances. At the sculptures own place I want to raise the question, how it can overcome these distances. Sculpture is the place of collision: between here and there, world and individual, history and presence. It is the place of transferring energy between the individual and another and has, to actually offer this opportunity, to be in itself full of energy as high as possible. That’s why rapidity, directness and a sense of being improvised are important for me. Clear signs like hearts, lips, numbers or smileys function as a remedy to abolish distance. They exist independent of a context, are generally comprehensible and enable an encounter between me, sculpture and viewer on the same level. You work for years autarkical side by side: What connects you both and the title “United Colors”? S: Felix and me are showing no restraint, jumping into the world without an airbag. And anything with friction gets caught at the end. For me, United Colors means freedom, affiliation and communication. If everything melts together, all the appealing disappears. Insofar: Promote Diversity! F: United Colors sounds generously positive, facing future optimistically. Salome and me unites our search for extremes and our dedication for the special. We share a similar risk to surrender us to the things happening and to give this back in its full intensity!
Ort: Cruise & Callas bis: 2013-12-21
Künstler: Annabelle Craven-Jones
Thema: internet digital livestream performance new media conceptual concept installation drawing
Ort: Cruise & Callas bis: 2013-09-20
Künstler: Sibylla Dumke
Thema: Edition Release on September 20 from 4 to 6 pm In ihrer dritten Einzelausstellung bei Cruise & Callas erweitert Sibylla Dumke ihren eingeschlagenen Weg um eine wichtige Dimension. Ausgangspunkt ist zunächst eine Auswahl von Arbeiten auf Papier, die charakterisiert sind durch vielfältig und sorgfältig sich abzeichnende Geflechte, Lineaturen oder Kaligraphien. Viele der Zeichnungen kennzeichnen unprätentiös entwickelte, regelmäßige und unregelmäßige Muster, schriftartige Ornamente, aber auch Spiegelungen und Verdopplungen. Dumkes Arbeiten erscheinen jedoch nicht allein und isoliert, sondern sind eingebunden oder umgeben von Natur; eine Natur, die nur auf den ersten Blick aus Gestrüpp und totem Geäst zu bestehen scheint. Der Künstlerin geht es nicht um inszenierte Realitäts-Artefakte oder Ready-Mades. Ebenso ist der Bezug zwischen den Natur-Gegenständen und Dumkes Zeichnungen kein willkürlich hergestellter oder additiver, der nach einer inszenierten Vervollkommnung strebt, sondern dieser Bezug erscheint als eine Konsequenz der künstlerischen Entwicklung. Beobachtet man Dumkes künstlerische Praxis so fällt auf, dass die Künstlerin ihr Raumverständnis kontinuierlich verändert und erweitert hat. In einer kleinformatigen Malerei von 2012, die in der Ausstellung zu sehen ist, wird ein entscheidender Schritt sichtbar: Anknüpfend an das bereits früher präsente Motiv der Augen bilden sich hierbei nicht nur punktuelle Einschnürungen, die Fokus und Bruchstelle bezeichnen, sondern der Akt des Einschnürens um diese Licht-Öffnungen oder Licht-Punkte wurde plötzlich ebenso sichtbar und spürbar, als tatsächliche schrundige Verdichtung, als wellenförmig bis spiral-artig aufgeworfenes Material. Lag der Akzent der Künstlerin in den zuvor entstandenen Zeichnungen noch auf der Gleichwertigkeit von Linie und Umraum, verschiebt sich nun das Interesse zu den entäußerten Energien und Kräften, die in der Umgebung, in einem ´Drumherum´ wirken. Diese Kräfte an sich darzustellen und eine Zuspitzung auf ein Konzentrat zunächst außer Acht zu lassen, war dann eine aus dieser Erfahrung resultierende, konsequente Fortführung. Tuschezeichnungen entstanden, die ein ´entspanntes´, vielgestaltiges, aber auch präzise ausformuliertes Wuchern von Lineaturen zeigen, von organisch sich schlängelnden Fäden, die auch auf Pergamentpapier-Bögen ausgeführt wurden, um so Hintergründe und Raum zwanglos mit ins Bild zu bringen. Das entdeckte, erkannte und aufgelesene Geäst ergibt sich dann als ein weiterer, sich aufdrängender Schritt. Das Natur-Produkt erscheint als Äquivalent zur künstlerischen Formung, zum zeichnerischen Ausschreiten von Wegen, die mehr oder weniger geradlinig verlaufen, sich verzweigen, gelegentlich Volumen bilden und gar Figurationen andeuten. Sibylla Dumke nimmt sich dieser Fundstücke an, unterzieht sie einer sorgfältigen Justierung und Präzisierung. Sie wählt durch langes Betrachten adäquate Objekte aus, schält die Rinden ab, glättet und färbt das Geäst schließlich mit Zeichentusche. Diese Arbeitsschritte bewegen und lösen die arbiträren Fundsachen aus ihrer naturhaften Identität und nähern sie bewusst ihren Papierarbeiten an. Aus den transformierten Ästen entwickelt Sibylla Dumke dreidimensionale Zeichnungen, vielgestaltige Wand-Tableaus oder horizontal gereihte Einzelelemente, die eine kalligrafische Schriftsetzung suggerieren. Das ´Nur-Naturhafte´ wird von ihr noch ein weiteres Mal erweitert. Dumke gestaltet Artefakte aus verschiedenen, mit Fäden und Draht verbundenen Ästen, die durch schwarze Lackierungen eine fast künstliche Anmutung erhalten. Hinzugefügt zu diesen mobilé-artigen Konstrukten werden Fundstücke, die diesmal nicht der Natur, sondern dem Stadtraum entstammen: kleine Plastikteile wie Löffel, Reflektoren und Fragmente erzählen nicht nur von funktionellen Elementen, oder Zivilisationsmüll, sondern dokumentieren in einer neutraleren Weise den menschenentwickelten Formen-Kanon, den die Künstlerin den Naturformen zur Seite stellt bzw. mit diesen verwoben hat. Mensch und Natur werden damit in grundsätzlicher Weise als ein dynamischer, aufeinander bezogener, sich spiegelnder Parallel-Prozess behauptet (das Eine sieht und erkennt sich im Anderen), während sich eine dichte, aber gleichzeitig zwanglose Fülle des rätselhaften Entstehens und Wachsens der Dinge zeigt.(Autor: Thomas Groetz)
Ort: Cruise & Callas bis: 2013-10-26
Künstler: Sibylla Dumke
Thema: In ihrer dritten Einzelausstellung bei Cruise & Callas erweitert Sibylla Dumke ihren eingeschlagenen Weg um eine wichtige Dimension. Ausgangspunkt ist zunächst eine Auswahl von Arbeiten auf Papier, die charakterisiert sind durch vielfältig und sorgfältig sich abzeichnende Geflechte, Lineaturen oder Kaligraphien. Viele der Zeichnungen kennzeichnen unprätentiös entwickelte, regelmäßige und unregelmäßige Muster, schriftartige Ornamente, aber auch Spiegelungen und Verdopplungen. Dumkes Arbeiten erscheinen jedoch nicht allein und isoliert, sondern sind eingebunden oder umgeben von Natur; eine Natur, die nur auf den ersten Blick aus Gestrüpp und totem Geäst zu bestehen scheint. Der Künstlerin geht es nicht um inszenierte Realitäts-Artefakte oder Ready-Mades. Ebenso ist der Bezug zwischen den Natur-Gegenständen und Dumkes Zeichnungen kein willkürlich hergestellter oder additiver, der nach einer inszenierten Vervollkommnung strebt, sondern dieser Bezug erscheint als eine Konsequenz der künstlerischen Entwicklung. Beobachtet man Dumkes künstlerische Praxis so fällt auf, dass die Künstlerin ihr Raumverständnis kontinuierlich verändert und erweitert hat. In einer kleinformatigen Malerei von 2012, die in der Ausstellung zu sehen ist, wird ein entscheidender Schritt sichtbar: Anknüpfend an das bereits früher präsente Motiv der Augen bilden sich hierbei nicht nur punktuelle Einschnürungen, die Fokus und Bruchstelle bezeichnen, sondern der Akt des Einschnürens um diese Licht-Öffnungen oder Licht-Punkte wurde plötzlich ebenso sichtbar und spürbar, als tatsächliche schrundige Verdichtung, als wellenförmig bis spiral-artig aufgeworfenes Material. Lag der Akzent der Künstlerin in den zuvor entstandenen Zeichnungen noch auf der Gleichwertigkeit von Linie und Umraum, verschiebt sich nun das Interesse zu den entäußerten Energien und Kräften, die in der Umgebung, in einem ´Drumherum´ wirken. Diese Kräfte an sich darzustellen und eine Zuspitzung auf ein Konzentrat zunächst außer Acht zu lassen, war dann eine aus dieser Erfahrung resultierende, konsequente Fortführung. Tuschezeichnungen entstanden, die ein ´entspanntes´, vielgestaltiges, aber auch präzise ausformuliertes Wuchern von Lineaturen zeigen, von organisch sich schlängelnden Fäden, die auch auf Pergamentpapier-Bögen ausgeführt wurden, um so Hintergründe und Raum zwanglos mit ins Bild zu bringen. Das entdeckte, erkannte und aufgelesene Geäst ergibt sich dann als ein weiterer, sich aufdrängender Schritt. Das Natur-Produkt erscheint als Äquivalent zur künstlerischen Formung, zum zeichnerischen Ausschreiten von Wegen, die mehr oder weniger geradlinig verlaufen, sich verzweigen, gelegentlich Volumen bilden und gar Figurationen andeuten. Sibylla Dumke nimmt sich dieser Fundstücke an, unterzieht sie einer sorgfältigen Justierung und Präzisierung. Sie wählt durch langes Betrachten adäquate Objekte aus, schält die Rinden ab, glättet und färbt das Geäst schließlich mit Zeichentusche. Diese Arbeitsschritte bewegen und lösen die arbiträren Fundsachen aus ihrer naturhaften Identität und nähern sie bewusst ihren Papierarbeiten an. Aus den transformierten Ästen entwickelt Sibylla Dumke dreidimensionale Zeichnungen, vielgestaltige Wand-Tableaus oder horizontal gereihte Einzelelemente, die eine kalligrafische Schriftsetzung suggerieren. Das ´Nur-Naturhafte´ wird von ihr noch ein weiteres Mal erweitert. Dumke gestaltet Artefakte aus verschiedenen, mit Fäden und Draht verbundenen Ästen, die durch schwarze Lackierungen eine fast künstliche Anmutung erhalten. Hinzugefügt zu diesen mobilé-artigen Konstrukten werden Fundstücke, die diesmal nicht der Natur, sondern dem Stadtraum entstammen: kleine Plastikteile wie Löffel, Reflektoren und Fragmente erzählen nicht nur von funktionellen Elementen, oder Zivilisationsmüll, sondern dokumentieren in einer neutraleren Weise den menschenentwickelten Formen-Kanon, den die Künstlerin den Naturformen zur Seite stellt bzw. mit diesen verwoben hat. Mensch und Natur werden damit in grundsätzlicher Weise als ein dynamischer, aufeinander bezogener, sich spiegelnder Parallel-Prozess behauptet (das Eine sieht und erkennt sich im Anderen), während sich eine dichte, aber gleichzeitig zwanglose Fülle des rätselhaften Entstehens und Wachsens der Dinge zeigt. Edition Release on September 20 from 4 to 6 pm (Autor: Thomas Groetz)
Ort: Cruise & Callas bis: 2013-06-29
Künstler: Frauke Boggasch, Gaelle Boucand, Annabelle Craven-Jones, Brock Enright, Annette Frick, Birgit and Wilhelm Hein, Alexandra Hopf, Grace Kim, Susanne Kohler, Kurt Kren, Peter Roehr, Markus Selg, Martin Sulzer/Endre Aalrust
Thema: Sat, June 22, from 4pm to 8pm
Annabelle Craven-Jones (*1977 in Gloucerstershire, UK)
PRESENCE OF MIND (IMAGING), 2011
AM ALIVE (INTERFACE), 2011
RE: I AM ALIVE (INTERFACE), 2012
Sun, June 23, from 4pm to 8pm
Annabelle Craven-Jones
from a question on leaving, 2007
Mon, June 24, from 4pm to 8pm
Annabelle Craven-Jones
from a question on disappearance, 2009
unpack
Ort: Cruise & Callas bis: 2013-06-21
Künstler: Ralf Dereich
Thema: Ralf Dereich: Freel 27. April bis 21. Juni 2013, Cruise & Callas, Berlin Keine Schönheit ohne Gefahr von Daniela Stöppel Es ist ja doch interessant: Da haben wir nun gut hundert Jahre abstrakter Malerei hinter uns, die – weltanschaulich – nicht gerade unproblematisch waren, und dennoch blüht aktuell erneut eine künstlerische Praxis, die man getrost als „reinmalerisch“ bezeichnen könnte. Nur kurz zur Erinnerung: Heute üben die frühen Abstraktionen von Kandinsky, Mondrian, Malewitsch, af Klint, Doesburg und vielen anderen aufgrund ihrer spirituellen, esoterischen oder gar spiritistischen Ideen zwar immer noch eine große Faszination aus, sind aber aufgrund der ihnen inhärenten Metaphysik für das Projekt der Aufklärung mehr oder weniger unbrauchbar geworden; auch Tachismus und Informel der Nachkriegszeit wurden – vor allem wegen ihres universalen Anspruchs auf Unmittelbarkeit und Authentizität – zurecht in Frage gestellt; ebenfalls diskreditiert erscheint der amerikanische Expressionismus, den die jüngere kunsthistorische Forschung als vom politischen Westen vereinnahmt und instrumentiert entlarvt hat; (zumal uns das Exzessiv-Genialische von Pollock oder de Kooning mit seinem aufdringlichen Existenzialismus eher auf die Nerven geht, als dass wir in Alkoholwahn und Drogenrausch noch ein nachahmenswertes (Künstler-)Lebensmodell sehen würden.) Nicht zuletzt an Greenbergs modernistischer Theorie, die allein in der Reduktion auf die malereispezifi schen Eigenschaften Fläche und Farbe die Legitimation der Malerei sehen konnte, hat man sich, besonders ab den späten Sechziger Jahren leidlich abgearbeitet und ihrem Formalismus dann bekanntlich ein neues postmodernes Interesse an Inhalten, Kontexten und Codes entgegengesetzt. Was reizt also eine jüngere Künstlergeneration, zu denen ich auch Anselm Reyle, Marieta Chirulescu, Sergej Jensen u.a. zählen würde, sich bewusst wieder den rein formalen Aspekten von Malerei zuzuwenden und in welchem Verhältnis stehen sie zum problematischen Erbe der Abstraktion? Wo liegt ihr kritisches Potential und wie geht dieses mit einer Ästhetik des Schönen – das all zu leicht mit der Harmlosigkeit des Dekorativen verwechselt wird – zusammen? An Ralf Dereichs jüngeren Bildern lässt sich dies exemplifizieren: So spricht er, wenn er über seine Malerei redet, von „Gespür“, von einem Reagieren auf das Bild, und davon, alle expliziten Inhalte abstreifen zu wollen, um in eine Art intuitiven Dialog zwischen Maler und Bild einzutreten. Sein Ziel ist das Bild, das nicht gewollt und dem nichts aufgezwungen wird, sondern das aus einer spontanen, aber zugleich kontrollierten Geste heraus entsteht, das „mit einem Strich fertig sein könnte“. Auf dieser gedanklichen Grundlage entstehen große, querformatige Bilder, die sich durch einen lockeren und offenen, teils lasierenden, teils cremig mit den Fingern geschmierten, an manchen Stellen akzentuiert-linearen, fast kalligrafischen Farbauftrag auszeichnen. Die Farbpalette tendiert ins Pastellige, sanft gebrochene Farbtöne überwiegen. In den jüngsten Bildern scheint der mit dünnen Farblasuren wolkig in mehreren Schichten eingefärbte Leinwandgrund durch, wodurch sich ein Eindruck von schwebender Offen- und Unabgeschlossenheit einstellt. Gerade in dieser Balance liegt das Interessante dieser Bilder, indem das labile Gleichgewicht einen Augenblick des Innehaltens, einen zerbrechlichen Zustand von Harmonie herstellt, der sich jeden Moment wieder verfl üchtigen oder in sich zusammenfallen könnte. Das klingt natürlich irgendwie gefährlich nach neoromantischer Einfühlung, nach innerem, erspürten Klang, Kandinsky und Matisse, nach Begriffen und Konzepten also, die längst abgegriffen sind und allenfalls klischeehafte Vorstellungen von Malerei reproduzieren. Nach interesselosem Wohlgefallen am formalen Spiel oder der „inspiriert“-vergeistigten gestischen Abstraktion des Informel. Es wäre aber ein Missverständnis, sich Dereichs Bilder so annähern zu wollen. Vielmehr geht es in ihnen um eine sehr gezielte und durchaus kalkulierte Form von „medialer Refl exion“, welche sich eben das rein Malerische, also das Phänomen der Farbe auf der Fläche, als Gegenstand der Untersuchung und Analyse gewählt hat. Denn auch die Form, die ohne eine bestimmte Bedeutung zu haben gesetzt wird, interagiert und wirkt; sie tut etwas auf der Leinwand, sie ist präsent und löst Dinge aus. Diese Autonomie hat viele Vertreter gerade der abstrakten Malerei verführt, Form und Farbe als absolut und transzendental angelegt zu begreifen – als kosmischen Klang, als zeitlose Chiffre oder universale Harmonie. Davon ist Dereich weit entfernt. Zwar wird in seinen Bildern durchaus eine Ästhetik des Schönen zelebriert, aber nicht des Allgemeingültigen. Sie sind eher Versuch, bleiben Annäherung und Test, gleichsam selbst erstaunt über die eigene formale Wirkung. Aber gerade wegen dieses ephemeren Charakters werden seine Bilder zur ernsten Angelegenheit – denn: „Keine Schönheit ohne Gefahr“; im Annähern und Verwerfen, im gefährdeten Moment zwischen Aufhören und Weitermachen liegt hier der Erkenntnisanspruch. Vielleicht könnte ein solcher Zugang ja sogar helfen, den Abstraktionen von Kandinsky oder Matisse wieder neu etwas abzugewinnen: Abstraktion weniger als Einfühlung, denn als Refl exion und Erforschung der reinen Oberfläche. Cruise & Callas, Köpenicker Str 187/188, 10997 Berlin. office@cruisecallas.com. www.cruisecallas.com Mittwoch bis Samstag 12 - 18 Uhr.
Ort: Cruise & Callas bis: 2013-04-13
Künstler: Aleksander Cigale
Thema: Pressetext von Gunter Reski Ein Ausgangspunkt der Ausstellung von Aleksander Cigale ist ein kleines rundes Ding, das zwischen gitterartig bespannten Schlaginstrumenten hin- und hergescheucht wird. Die besagte Dinglichkeit nennt sich Tennisball. Als heimlicher Protagonist der Ausstellung „Bindende Bewegung“ erscheint der Gegenstand selbst eher wenig involviert in das Bildgeschehen vieler Exponate, für die er wahrscheinlich zu Beginn einer Entscheidungskette ausschlaggebend war. Er glänzt starkfarbig wortwörtlich mit punktueller Anwesenheit und thematischer Abwesenheit. Genau das macht die Vorgehensweise von Aleksander Cigale irritierend und interessant. Form und Inhalt sind eines der schlimmsten Zwangsbegriffspärchen nicht nur in der Kunstgeschichte, und besonders im Falle der Malerei scheint es schlichtweg unmöglich, sich (idiotischerweise) nicht für eine der beiden Seiten entscheiden zu müssen. Kollege, auf welcher Seite stehst du? Formalismus oder Inhaltismus, und fertig ist der vorformatierte Freundeskreis. Mit dieser Entweder-Oder-Falle – Luxusposter oder Contentwaffel – haben Aleksander Cigales Bilder nichts zu tun. Das riecht schon fast nach Befreiungsschlag. Sie kommen von irgendwo anders her. Es könnte eben mit dem bedeutungsresistenten Hebel oder der Setzung zur Ausstellung zu tun haben – wie hier eben ein besagter Tennisball. Entscheidend sind die daraus folgenden Ableitungen und Entscheidungsketten. Wie beim Satzbau sind erstes und letztes Wort nicht immer die allerwichtigsten. Angesichts der großformatigen Bilder kann man gut von untypischer Landschaftsmalerei reden, die neben der kleinen runden Form auch vielen rechten Winkeln Spannungsmomente schenkt. In allen Bildern der Ausstellung wird dem Himmel jeweils viel Platz auf der Bildfl äche gewidmet. In drei Großformaten („Wintberge I - III“) sind ursprünglich Zinnen das Hauptmotiv. Jedenfalls bedeutete „Wint“ vor Urzeiten einmal selbiges Ritterburgenmerkmal. Hier überlagern sich einige Erkennungsgewohnheiten angesichts dunkler symmetrischer Quader. Zum einen scheint hier das fi nale Schwarze Quadrat als ultimatives Klischee jeder Avantgardemalerei durch, weiter ist eine Assoziation mit Computerspielen wie SuperMario ebenso nahe liegend. Diese simultanen Bedeutungslayer funktionieren merkwürdig in bedeutungsoffener und befreiender Indifferenz. Weder kommentiert oder dominiert die eine Konnotierung die andere. Die selten verwendete Maltechnik der Enkaustik ist ausschlaggebend für eine wenig malereilastige Bildoberfl äche. Bedingt durch erhitztes Bienenwachs werden die Pigmente gewissermaßen mit eingeschmolzen. Der Farbauftrag kreiert ein quasi eingeschweißtes oder geheimnisvoll eingebettetes Bildgeschehen unter der Oberfl äche. In den Bildern „Bindende Bewegung“ und „Wo bleibt deine Puste, wenn du nicht pustest“ kommt so eine brachiale Farbenpracht zur Geltung, die fälschlich eine Lichtquelle hinter dem Bild vermuten lässt. Im erstgenannten Bild spielt sich eine vergleichsweise deutliche Narration ab: Ein kurvig gewachsener junger Baum wird durch einen Stützpfahl per Strick vor weiterem serpentinenartigen Wuchs geschützt beziehungsweise domestiziert, wie immer man will. Das Setting ist in prächtig bonbonartiges Farbglühen getaucht, was der sich anbahnenden Statik eine absurde Dramatik verleiht. Per Leuchtkraft werden essentielle Dinge wie Strick, Ball oder Steinquader nahezu immaterialisiert. Nicht nur zur atmosphärischen Unterfütterung versucht im Gewölbe der Galerie eine Ballwurfmaschine mit ihren Filzgeschossen permanent eine Schlagzeugtrommel zu treffen. Der Titel der Installation „Hicks Boson Beschleuniger“1 veranschaulicht nochmals das verblüffende Signifi kanten-Pingpong, das Aleksander Cigale mit seinen verzwickten/subtilen Formanalogien betreibt. __________________ 1 Der Titel der Arbeit bezieht sich auf das Higgs-Boson oder Higgs-Teilchen, benannt nach dem Physiker Peter Higgs. Das allgegenwärtige Higgs-Feld gilt als einer der Bausteine des Standardmodells der Teilchenphysik. Higgs‘ Theorie zufolge entspräche das (bis heute nicht nachgewiesene) Higgs-Boson einer quantenmechanischen Anregung des Higgs-Feldes, die sich als Teilchen äußert. Bildhaft ausgedrückt entspricht das Higgs-Feld einer Violinsaite, einem schwingungsfähigen System mit Grundzustand und Vibrationen. Das Higgs-Boson entspricht in diesem Bild dem Vibrationsmuster der Saite, die durch bestimmte Energiezufuhr in charakteristische Schwingung versetzt wurde. (Quelle: Wikipedia)
Ort: Cruise & Callas bis: 2013-03-02
Künstler: Bertold Stallmach
Thema: Bertold Stallmach setzt sich in seiner Arbeit mit den Bedingungen des menschlichen Daseins in seiner materiellen und sozialen Dimension auseinander. In seiner Einzelausstellung bei Cruise & Callas zeigt der 1984 in Quthing, Lesotho, geborene Künstler unter anderem seine Skulptur „Warten auf den 9 Uhr Witz“, die den Mechanismen und Funktionen des menschlichen Körpers die Interaktion einer kollektiven Intelligenzform einverleibt. Der Blick der großen, auf dem Boden ausgestreckt liegenden Figur ist nach vorne gerichtet, ihr Mund ist geöffnet. Auf den Gelenken und den lebenswichtigen Organen ihres Körpers befinden sich Vasen mit Kuben aus Plexiglas, die von Ameisen bevölkert sind. Losgelöst von den Vorgängen im Ameisenstaat beobachtet das geistige Zentrum der Figur seinen organischen Körper. Dem drohenden Verfall – die einzelnen Organe und Gelenke können entnommen und separat verkauft werden – begegnet sie, indem sie alle 20 Minuten einen Witz erzählt. Der Beziehung zwischen Geist und Körper der Figur stellt Stallmach die Prozesse und die Funktionsweise der kollektiven Intelligenz der Ameisen gegenüber. Diese Parallelität nimmt der Künstler auch in seinem Animationsfilm „Hugo and the war fart“ wieder auf. Anhand der individualisierten Ameise Hugo schildert der Film die kollektiven Abläufe und Entscheidungen, die in einem Ameisenhaufen getroffen werden. Als einzelne Teile agieren die Ameisen mit eingeschränkter Unabhängigkeit und erfüllen ihre jeweiligen Aufgaben zielgerichtet, aber erst durch die Gesamtsumme ihrer Bewegungen ergibt sich ein funktionierendes Ganzes. Diesem organischen Prinzip setzt der Künstler das Zusammenspiel der Zellen im menschlichen Körper gegenüber. So lassen sich auch hier die Vorgänge und Entscheidungen auf materialistische Gesetzmäßigkeiten zurückführen. Die Antwort auf die Frage aber, welche Instanz letztlich die geistige Verantwortung trägt und welchen Stellenwert die immaterielle Idee besitzt, bleibt offen. In dem Animationsfilms „Der Rattenkönig“ widmet sich Stallmach weniger den materiellen Mechanismen, im Fokus steht hier das soziale System, in das der Mensch eingebettet ist. Der Blick des Zuschauers folgt dem Unglück von sieben Knetfiguren. Fünf an den Schwänzen zusammengewachsene Ratten, ein Phänomen, das in der Biologie als „Rattenkönig“ bezeichnet wird, verkörpern als eine Art böses Omen die fünf Feinde der Protagonisten – Pech, Verzweiflung, widrige Umstände, Ohnmacht und die Respektlosigkeit der Mitmenschen. Sie heften sich an jene Filmfigur, die von dem meisten Unglück umgeben ist, und zwar solange, bis einem anderen mehr Unglück widerfährt. Nicht indem die Figuren ihre Situationen verbessern, sondern indem sie aktiv anderen mehr Schaden zufügen, befreien sie sich vom Rattenkönig.
Ort: Cruise & Callas bis: 2013-03-02
Künstler: Chris Hammerlein
Thema: Wohin wir auch blicken, begegnet uns Menschliches, Allzumenschliches in den Arbeiten des amerikanischen Künstlers Chris Hammerlein. Das ist wörtlich gemeint, als Kosmos, der sich beim Betrachten der Skulpturen und Zeichnungen des Künstlers eröffnet, als es sich auch auf das gleichnamige Werk Friedrich Nietzsches bezieht. Bei Cruise & Callas zeigt Hammerlein erstmals außerhalb des amerikanischen Kontinents in einer Einzelausstellung eine Auswahl seiner neuen Skulpturen. Zum einen sind figürliche, bunt kolorierte Arbeiten aus Ton wie „Christ“, die „Rhine Maidens“ oder „Angel Cypress“ zu sehen. Ihre erzählerische Dynamik wird zum Teil noch durch einen bühnen- oder dioramenhaften Aufbau verstärkt. Zum anderen finden sich abstrahierte, weiß glasierte Arbeiten – sind es Korallen, Gedärme oder Höhlenlabyrinthe? Was auch immer man in diesen Gebilden sehen mag, Leben und Sterben ist ihnen eingeschrieben. Nietzsches „Menschliches, Allzumenschliches“ gilt als erstes positivistisches Werk des Philosophen und markiert einen Moment der Loslösung Nietzsches von der Vergangenheit zugunsten eines „Freigeistes der Gegenwart“. Nun wird das „freie, furchtlose Schweben über Menschen, Sitten, Gesetzen“ erstrebenswert und das Entstehen von „Etwas aus seinem Gegensatz“ wird zum Normalfall. So ist Nietzsche zufolge auch der Künstler auf „unreines Denken“ angewiesen. Als kindliches, „zurückbleibendes“ Wesen vergegenwärtigt er das Vergangene in einem „Gedächtnissfest“. Die Unvoreingenommenheit des 1962 geborenen Hammerlein erinnert uns indessen weniger an die eines Kindes als vielmehr an die eines Buddhas, der mit Gleichmut und Wohlwollen auf das Grundlegende blickt – auf Leben und Sterben, Zeugung und Ausrottung, Gewalt und Begehren, Glauben und Hoffnung. Und ganz, ganz klein begegnet uns in diesen Wogen des Lebens auch das Alter-Ego des Künstlers: Der Minotaurus, das tragische Mischwesen aus Stier und Mensch, den das Dilemma seiner Väter in ein Leben im Labyrinth hineingeboren hat.