Evelyn Drewes Galerie

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2022-01-31

Künstler: Steffen Kern

Thema: Räume im Licht der Nacht und der Dämmerung, menschenleer, rätselhaft, geheimnisvoll. Man meint sie zu kennen, diese Orte und doch gehören sie nicht zum Gewohnten und Alltäglichen. - Sie sind perfekt. Ohne Spuren des Gebrauchs und ohne den Abdruck der Zeit werden sie zu Modellen, zu Prototypen unseres Vorstellungskosmos. Das kollektive Gedächtnis der westlichen Welt, ihr Traum von Effizienz und Makellosigkeit konstituieren den Bilderschatz, den die Kunst Steffen Kerns reflektiert. „Die Bild- und Filmproduktion der 50er und 60er Jahre spielte eine Schlüsselrolle in der TV-Medienrevolution der Nachkriegszeit. Die Ausstattung der meisten westlichen Haushalte mit Fernsehgeräten führte dazu, dass viele Menschen mit sehr ähnlichen oder den gleichen Bildern konfrontiert wurden, und läutete eine Globalisierung der Bilder ein.“, sagt er und erklärt damit auch, warum seine Bilder nicht von Fotografien ausgehen – oder zumindest nicht direkt. Die Flut der immergleichen Bilder, die uns in Filmen und Fotografien tagtäglich begegnen, sind nur der letzte Abglanz von Grundmodellen, die durch diese ständige Repetition abgeschliffen und einander angeglichen werden. Cathrin Klingsöhr-Leroy Die Ausstellung und Publikation wird durch die Neustart Kultur Initiative des Bundes von der Stiftung Kunstfonds gefördert.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2022-01-31

Künstler: Jonas Grubelnik

Thema: Jonas Grubelnik arbeitet in Schichten. Die Materialien, die er übereinanderlegt, distanzieren sich von den klassischen Malmitteln. Die optischen Eigenschaften, Materialität, Form und Farbe, werden neu gedacht. Sie erzählen ihre eigene Geschichte und integrieren in sich zeitliches und räumliches Empfinden. In Grubelniks Arbeiten treffen die Substanzen Lage für Lage aufeinander. Ihnen gehen oft umfang­rei­che Mate­ri­al­stu­dien voraus – Untersuchung von chemischen Eigenschaften oder kulturelle Zuschreibungen und Analogien. Es entsteht Konversation durch Kombinationen und kognitive Assoziation bei den Betrachtenden. Die einzelnen Werke wollen nicht kategorisiert werden, ob Malerei, Objekt oder Installation, spielt für diese keine Rolle. Sie wollen insbesondere von der Seite betrachtet werden. Der gewöhnliche Blick, die geübte Kunstbegegnung, wird gebrochen.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-11-24

Künstler: Lev Khesin

Thema: Fasziniert von dem Phänomen, dass aus Energie Materie entsteht, benennt Lev Khesin seine Einzelausstellung Genesis. Seine Begeisterung für den Ursprung aller Dinge findet sich in der Beschaffenheit seiner Arbeiten wieder, deren außergewöhnliche Materialität und Technik ihre Entstehungsgeschichte verhüllt. Form und Farbe fließen ineinander und verstärken die organische Anmutung, die Intensität der wechselnde Oberflächenbeschaffenheit lösen eine optische Vibration aus. Die Tiefe der Bilder, die sie durch vielfache Farbschichten erhalten, laden zu einem Eintauchen ein. Die Dynamik aus Energie und Moment erzeugt vor den Augen der Betrachtenden eine Farbexplosion.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-11-24

Künstler: Elisabeth Moch

Thema: Elisabeth Mochs Arbeiten spielen mit der Rolle der Volkskunst als auch der Häuslichkeit innerhalb einer digitalen, vernetzten und hyperkulturellen Welt. Glätte und Chaos, maschinelle Herstellung und Handwerk, Visionäres und Nostalgisches, als auch das Verhältnis des Individuums zur Gemeinschaft materialisieren sich in ihren Arbeiten. Im Umgang mit kunsthandwerklichen Techniken und Genres, wie dem Weben, Schnitzen und einer eigens entwickelten Form der Hinterglasmalerei, erschafft sie skulpturale Bildobjekte, inszeniert Räume und mischt dafür bewusst organische mit anorganischen Materialien. Im LAB zeigt die Künstlerin Bildobjekte, die sie mittels einer Hinterglasmalerei-ähnlichen Technik, wie in einem Monotypie-Verfahren, auf einer Glasplatte aufträgt und abformt. Hier trifft die technisch-männliche Konnotation des Materials Glasfaser, das industriell für den Schiffs- und Flugzeugbau, die Raumfahrt und Digitalisierung genutzt wird und einen Grundbaustein der modernen Vernetzung darstellt, auf klischeebedingt weiblich konnotierte, an Dekoration und Häuslichkeit erinnernde Symbolik.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-10-15

Künstler: Lukas Glinkowski

Thema: Hirofumi Fujiwaras in Ton vormodellierten Bronzefiguren stehen und sitzen im Raum der sie umgibt, in sich ruhend, ihre Körper wirken lebendig, ihre Gesichter delikat. Es ist sind seine ersten Bronzearbeiten und im Entwicklungsprozess war es Fujiwara besonders wichtig, in jeden Schritt involviert zu sein, um seinen Figuren genauso viel Liebe geben zu können wie seinen Kunststoffunikaten. Die hellgraue Patina der Bronzen hat Fujiwara jeweils selbst aufgetragen – ein malerisch anmutender Prozess, der jede der Figuren in Nuancen unterschiedlich aussehen lässt. Fujiwaras Skulpturen, Erde und Wind, sind Schwärmer; sie zeugen von einer romantischen Sehnsucht nach Unerreichbarem, sie bewegen sich zwischen den Welten. Ihr kontemplativer Blick ins Unbestimmte gerichtet, tragen sie Referenzen des japanischen wie auch europäisch-westlichen Kulturkreises in sich. Sie scheinen jugendlich und doch alterslos, androgyn und losgelöst von jeglichen Stereotypen – isoliert vom Diesseits, aber doch ganz im Moment, im So-Sein verankert. In unserer sich immer schneller bewegenden, stets nach Modifikation ausgerichteten Gesellschaft verkörpern Fujiwaras Erde und Wind zugleich Sehnsucht und Ideal. Miriam Schwarz

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-10-15

Künstler: Michael Peltzer

Thema: Michael Peltzer öffnet seinen Plattenkoffer und präsentiert seine neue Bilderserie. Die Schallplatten-Cover von Klassikern erstrahlen durch seine typische Technik in neuem Glanz und werden von ihm so in den Ikonenstatus erhoben. Bereits in jungen Jahren war der Künstler ein großer Fan von Vinyl, eine Leidenschaft und Faszination, die er so schnell nicht aufgegeben hat – bis heute sammelt er Schallplatten und mischt als DJ das Kölner Nachtleben auf. In seinen neuen Arbeiten präsentiert er einen kleinen Querschnitt durch die Popkultur – vier Jahrzehnte von den Beatles bis hin zu Dr. Dre – diese Hits dürfen in keinem Schallplattenladen fehlen. Die Verbindung der Leinwände zu ihrem Original bildet der Titel, der sich auf die Katalognummern der einzelnen Platten bezieht. Lets boogie!

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-09-15

Künstler: Enikő Márton

Thema: Die in Ungarn geborene Künstlerin Enikő Márton scheint durch Farblehren definierten Spektren überwinden zu wollen. Jeder Normierung stellt sie eine phantastische Welt von Beugungen und Brechungen entgegen. Doch sind es keine Farb-Explosionen, die dabei entstehen, sondern genau kalkulierte und räumlich strukturierte, zwischen Harmonie und Dissonanz gespannte Projektionen der eignen inneren Ahnungen und Hoffnungen, niemals zu trennen von der Erfahrung des ganz Unmittelbaren. Es geht ihr um die Darstellung von Gefühlen, die sich ihr selbst im Prozess des Malens direkt als offen und wandelbar darstellen. Sie erkennt im eigenen Bild widerstreitende Momente, die erst bewusst werden, weil sie sich selbst offenbaren. Das reicht bis zu dem Empfinden, dass die Arbeiten im Entstehen ein Interesse bekunden, sich ihr zu erklären. Solche Bilder, in denen wir eigene Konflikte erkennen und – von daher – sogar lösen können, lässt sie wie ein Raum erscheinen, in dem man sich trifft und findet. Diese vielleicht kühn erscheinende Herleitung wird verständlicher im warmherzigen Umgang der Künstlerin, denn diese spricht nicht nur davon, dass man heute mehr als je Heimat braucht und sucht, sondern scheint auch immer in ihrer Umgebung eine besondere Atmosphäre der Geborgenheit zu schaffen, mit sich selbst als Windrose, die Farben zu Düften faltet. Ralf Bartholomäus

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-09-15

Künstler: Marion Fink

Thema: Die in Ungarn geborene Künstlerin Enikő Márton scheint durch Farblehren definierten Spektren überwinden zu wollen. Jeder Normierung stellt sie eine phantastische Welt von Beugungen und Brechungen entgegen. Doch sind es keine Farb-Explosionen, die dabei entstehen, sondern genau kalkulierte und räumlich strukturierte, zwischen Harmonie und Dissonanz gespannte Projektionen der eignen inneren Ahnungen und Hoffnungen, niemals zu trennen von der Erfahrung des ganz Unmittelbaren. Es geht ihr um die Darstellung von Gefühlen, die sich ihr selbst im Prozess des Malens direkt als offen und wandelbar darstellen. Sie erkennt im eigenen Bild widerstreitende Momente, die erst bewusst werden, weil sie sich selbst offenbaren. Das reicht bis zu dem Empfinden, dass die Arbeiten im Entstehen ein Interesse bekunden, sich ihr zu erklären. Solche Bilder, in denen wir eigene Konflikte erkennen und – von daher – sogar lösen können, lässt sie wie ein Raum erscheinen, in dem man sich trifft und findet. Diese vielleicht kühn erscheinende Herleitung wird verständlicher im warmherzigen Umgang der Künstlerin, denn diese spricht nicht nur davon, dass man heute mehr als je Heimat braucht und sucht, sondern scheint auch immer in ihrer Umgebung eine besondere Atmosphäre der Geborgenheit zu schaffen, mit sich selbst als Windrose, die Farben zu Düften faltet. Ralf Bartholomäus

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-07-31

Künstler: Lukas Glinkowski

Thema: In seiner Einzelausstellung beschäftigt sich LUKAS GLINKOWSKI ausschließlich mit dem Spiegel als Material und Projektionsfläche. Präsentiert wird ein visuelles Mash-up:  plakative Zitate aus Musik, Kunstgeschichte, Comics und dem urbanen Raum finden sich auf dem ungewöhnlichen Bildträger wieder. Bei oberflächlicher Betrachtung könnten die grellen Farben im Kontrast mit dem glatten Material an die Überreste einer Berliner Party-Nacht erinnern. Der intensive Blick in den Spiegel und auf die Motive konfrontiert die Betrachtenden hingegen mit sich selbst und den Fragen des Lebens, die der Künstler in Wortfetzen und Symbolen auf dem reflektierenden Malgrund andeutet. Glinkowskis Kunst ist nah am Leben; sie schafft Raum für ein Spiel mit Seh- und Denkgewohnheiten. Auch, wenn sich mit jedem Werk eine eigene Idee des Künstlers verbindet, darf und soll doch jeder Sinnzusammenhang vom Betrachter ganz individuell für sich erschlossen werden. Der Katalog (Hatje Cantz Verlag) gibt einen ergänzenden Einblick in seine Bilderwelt. Das Projekt wurde durch die Förderungen Neustart Kultur und Stiftung Kunstfonds unterstützt.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-04-21

Künstler: Franziska Reinbothe

Thema: ska Reinbothe bleibt dicht am herkömmlichen "Tafelbild" und bricht - im Wortsinn - gleichzeitig mit diesem stark. Ihre Arbeiten werfen die Frage danach auf, was ein Bild ist. So interessiert Sie sich in der Malerei für die Rückseite eines Bildes und seine Ränder. Um diese sichtbar zu machen, staucht sie Leinwände zusammen, legt Keilrahmen frei oder verzichtet ganz auf sie. Sie dehnt, faltet, zerbricht, durchschneidet oder vernäht ihre Bilder nach Beendigung des Malprozesses. Die Umformung ist vollbracht und die Arbeit vollendet. Mit dem Titel precisly repaired spielt die Künstlerin augenzwinkernd auf ihre Bearbeitung der Materialien hin. Für sie sind die Arbeiten aus ihren ursprünglich starren, rechtwinkligen, flachen Erscheinungen befreit. Die Leinwände sind nicht, wie man auf den ersten Blick annehmen könnte, wild zusammengehämmert, sondern präzise repariert. Reinbothe konfrontiert Chaos mit Präzision und Zerstörung mit Reparatur.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-04-21

Künstler: Laura Sachs

Thema: Über die zweidimensionalen Grenzen der Leinwand hinausgehend, dehnt Laura Sachs den Malereibegriff und verbindet stoffliche Leichtigkeit mit industrieller Härte. Sie strapaziert die Materialen mit Staubpartikeln und Farbresten, verwendet die Leinwandrückseite als Bildmotiv und integriert dünne Metallschienen, die über den Rand des Bildträgers hinauslaufen. Als ehemalige Meisterschülerin von Gregor Schneider, demjenigen der den Raum als Sujet in der Kunst beim Wort nimmt, überträgt sie die räumliche Wahrnehmung in die Malerei. Durch ihre Technik des Farbauftrags nimmt die Künstlerin auf den Ort der Entstehung Bezug, mit ihren Stoff- und Metallelementen tritt ihre Malerei näher an den Betrachter heran und kreiert durch die kräftigen Linien neue Bildräume. Wie Teile eines schlichten Bilderrahmens bahnen sich die Leisten über die farbreduzierten Flächen und bieten so eine neue Interpretation geografischen Ausdrucks.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-03-12

Künstler: Johannes Kersting

Thema: Seit 15 Jahren beschäftigt sich Johannes Kersting mit der Fotografie und deren malerischem Potential. Nun schlägt das Pendel zurück und Kersting, der Malerei bei Hans-Peter Reuter studiert hat, widmet sich wieder ganz der Arbeit mit dem Pinsel. Dieser Turn lässt die Beschäftigung mit beiden Medien als sich gegenseitig befruchtendes Wechselspiel erscheinen. Es sind nun erstmalig neue Arbeiten aus dieser intensiven, durch den Lockdown befeuerten Befragung der Malerei zu sehen. Die gezeigten Arbeiten sind dabei inspiriert durch mehrere Projektreisen und Roadtrips durch die USA, deren romantisches Potential nicht zuletzt durch den Sehnsuchtsmotor aktuell eingeschränkter Reisefreiheit zusätzlich unterfüttert wird. Menschliche Relikte werden zu vergessenen, völlig überdrehten Skulpturen im Nirgendwo. Die Bilder changieren zwischen Abstraktion und Wirklichkeit. Urbane Szenen, Motelsigns, ihrer Bedeutung und jeglicher Schrift entledigt, zelebrieren die formale Exaltiertheit unseres Gestaltungswillens.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-03-12

Künstler: Sebastian Maas

Thema: Im lab I/2021 zeigen wir neue Arbeiten von Sebastian Maas, der seine außergewöhnlichen Technik, Malerei auf Plane, in Glaskästen präsentiert. Seine neue Serie portraitiert verschiedene Affenarten. Diese haben die Menschen ausfindig gemacht, beobachtet, beschrieben, untersucht, klassifiziert und katalogisiert. Alles braucht seine Ordnung - oder auch bekannt als Schubladendenken. Die Menschen suchen das Typische. Übersetzt man dies in die Kunst, stößt man beim Portrait auf Widerspruch. Hier zählt nur das Individuum und das Festhalten seiner einzigartigen Persona. Sebastian Maas kombiniert diese beiden menschlichen Eigenarten, das Typisieren und den Drang nach Individualität, und setzt sie in die Malerei um. Sein Ziel ist es jeden Affen, als einzigen Vertreter seiner Art, zu portraitieren und so Gruppe und Individuum zu vereinen.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2021-01-31

Künstler: David Borgmann, Lev Khesin, Penny Monogiou, Torsten Ruehle, Robert Sturmhoevel, Ekkehard Tischendorf

Thema: Ein intensives und herausforderndes Jahr 2020, sowohl für unsere Künstler*innen als auch für uns, ist fast geschafft. Mit der Ausstellung Nachts allein im Atelier #7 repräsentieren wir zum wiederholten Mal am Jahresende das breite Spektrum künstlerischer Positionen. Die Künstler*innen stellen ihre neusten Arbeiten vor und greifen spielerisch die Wechselwirkung von Kunst und Raum auf. Diesem Konzept nähern sie sich mit individuellen Strategien und Herangehensweisen; mit Malerei, Skulpturen, Lichtinstallationen. Der Diskurs um Materialität, Form, Bewegung und Licht spielt bei dieser Ausstellung ebenso eine entscheidende Rolle, wie der Raum selbst, denn so ist es doch der Galerieraum, der das ganze Jahr der Kunst als Instrumentarium dient. Nachts allein im Atelier #7 stellt diesen Raum, ins Zentrum und bietet den Künstlern die Möglichkeit, ihn als Atelier zu transformieren, sich grenzenlos auszutoben und innovative Konzepte für Wand und Raum zu verwirklichen. Gemeinsam mit ihnen und unseren Künstler*innen feiert die Galerie den Abschluss dieses komplexen Kunstjahres, in dem so vieles anders war. Wir freuen uns auf neue und vielversprechende Projekte im kommenden Jahr.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-11-22

Künstler: Kate Bellm, Oliver Blohm, Hans-Jürgen Burkard, Asja Caspari, Marieli Fröhlich, Ruediger Glatz, Esther Haase, Peter Hönnemann, Anatol Kotte, Bob Leinders, Bartosz Ludwinski, Jan-Holger Mauss, Andreas Mühe, GABO, Jesus Pastor, Walter Schels, Jacques Schumacher, Maša Stanic, Alfred Steffen, Karin Székessy, Ivo von Renner, Carsten Witte

Thema: Fotograf*innen aus fünf Jahrzehnten zeigen in der Evelyn Drewes | Galerie ihre Interpretationen von Erotik in der Fotokunst. Das Spektrum an künstlerischer, medialer und sexueller Darstellung wird in FSK ab 18 in einem interessanten Dialog gegenübergestellt. Das Ausstellungskonzept beinhaltet die Anonymisierung der Fotoarbeiten, sodass den Besucher*innen nicht ersichtlich ist, hinter welchen Bildern sich welche Künstler*innen verbergen. Auf diesem unüblichen Weg wird die Betrachtungsweise angeregt, insbesondere im Hinblick auf die Versuche der Zuordnung der Fotografien. Der Wandel der Erotikfotografie, besonders der Umgang mit nackter Haut, Schönheitsidealen, Humor, Reiz und Verführung wird in der Gruppenausstellung behandelt. FSK ab 18 weckt das Bewusstsein für die vielseitige, zum Teil komplexe Bedeutung der pornografischen Kunst. Die Ausstellung soll den Betrachter*innen eine intensive Begegnung ermöglichen, jenseits von Gender und sexueller Orientierung. Die Unterscheidung zur Pornografie ist oft weitgehend subjektiv; die erotische Fotografie steht immer im Spannungsfeld zwischen künstlerischer Freiheit, Ästhetik, Kitsch, Provokation und dem Verstoß gegen „die guten Sitten“. Die Grenzen sind fließend, dasselbe Foto lässt sich oft unterschiedlichen Kategorien zuordnen.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-10-20

Künstler: Robert Vellekoop

Thema: Leere Straßen, trübes Laternenlicht, der Blick aus dem Fenster – Robert Vellekoop arrangiert die Objekte in seinen Bildern wie Kulissen auf einer Bühne. In seinen Arbeiten widmet er sich abstrahierten Darstellungen urbaner Umgebungen und minimalistischer Stillleben. Straßen treffen auf schematische Landschaften, Lampen beleuchten mit diffusem Licht die fiktiven Szenerien. Die Elemente dieser Stillleben erinnern an schlichtes Bauhausdesign, wobei ihre Darstellungsweise die Bedeutung ihrer ursprünglichen Funktion als Alltagsgegenstand überhöhen. Der Ursprung von Vellekoops Arbeiten liegt in der Wahrnehmung seiner nächsten Umgebung, sowie der zeichnerischen Rekonstruktion aus dem Gedächtnis. Die Sujets seiner Arbeiten befinden sich in einem stetig wandelnden Prozess, den der Künstler ganz bewusst als ein Herantasten ohne starres Konzept versteht. Die Arrangements entziehen sich einer genauen Verortung, so wie Vellekoop als Maler, der sowohl auf abstrakte als auch gegenständlich Ausdrucksformen zurückgreift. Als Bildträger wählt der Künstler keine übliche Leinwand, sondern Tischlerplatten, die durch das aufwendige Auf- und Abtragen von Acrylfarben sowie immer wieder Abschleifen und Lasieren eine besondere Textur annehmen. Diese Verfahrensweise sorgt für eine ganz bestimmte Farbstruktur welche seinen Bildern etwas Zufälliges und Eigenständiges verleiht. Seine Skulpturen in der Funktion von Lampen korrespondieren mit den Motiven seiner Gemälde und bieten so die Möglichkeit, in Vellekoops rätselhafte Bildwelten einzutreten.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-10-20

Künstler: Moritz Neuhoff

Thema: In seinen großformatigen Bildern lotet Moritz Neuhoff ein weites Spektrum abstrakter Malerei aus. Wie in einem Experimentallabor bringt er sehr verschiedene Umgangsweisen mit Farbmaterial zur Aufführung und verschränkt sie in eigenartigen Konstellationen miteinander. Das geschieht auf eine souverän distanzierte Weise. Zwar scheinen die Impulse eines Körpers, die Virtuosität einer malerischen Hand, das Ungestüme eines emotionalen Gemüts die Bildwelt in ihrem Bewegungsdrive aufzubauen, zugleich aber ist ein abgeklärter Intellekt am Werk, der geheimnisvolle Regelsysteme aufbaut, sodass der Betrachter sich fragt, ob das bewegte malerische Leben gar nicht von Menschenhand, sondern von einer komplexen Maschine erzeugt worden ist. Was aus der Ferne wie eine gewaltige Aufwallung von Farbmaterial wirkt, ist aus der Nähe betrachtet flach, fast nur eine zarte Färbung der Leinwand. Alles Haptische erweist sich als Illusion komplexer Schatten- und Lichtspiele, die fast ungreifbar in die Leinwand eingedrungen sind. In diesem Hin und Her der Augentäuschungen verliert der Betrachter die Sicherheit über sein eigenes Sehvermögen. Die scheinbar haptische Malerei transformiert sich zu einem virtuellen Geschehen, das auf mediale Erfahrungen unseres letzten Jahrzehnts zurückgreift und sie bildlich verarbeitet. Nicht nur die Farben in ihren Buntwerten und Tönen, auch das Licht und der Raum werden ungreifbar oder unbestimmbar. Die malerischen Bewegungen mit ihren vielschichtigen Überlagerungen und Wechseln von Ebenen, das irisierend wandernde Licht und die nicht benennbaren, flackernden Farben erzeugen ein bildliches Geschehen, das wie die Erscheinung eines fremden Kosmos anmutet, von dem wir nicht wissen, in welchen Dimensionen er sich erstreckt. (Rolf Hengesbach)

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-09-09

Künstler: Chimera Collective, Lukas Glinkowski, Christian Holtmann, Florian Huber, Penny Monogiou, Franziska Reinbothe

Thema: Die Ausstellung Umformung ist eine Reaktion auf die aktuellen Ereignisse. Die Zeit reflektierend, die unser Leben auf unterschiedliche Weise beeinflusst, präsentieren wir Kunstwerke die durch diese geprägt oder auf sie anwendbar sind. Die Ausstellung thematisiert einen noch nicht abgeschlossenen Prozess, der in Mitten der Veränderung und Entwicklung steht. In der Arbeit von Lukas Glinkowski werden Fragmente der Menschenrechte verarbeitet, dabei zitiert er den Bahnhof Westhafen in Berlin. Im Herbst 2000 hat die belgische Künstlerin Francois Schein die hohen Wandflächen hinter den Gleisen mit 20 Kapiteln der Allgemeinen Erklärung der Menschenrechte beschriftet. In 2017 haben Graffitisprayer die Kacheln teilweise übersprüht, was den Anlass für Glinkowskis Arbeit darstellt. Der grundlegende Gesetzestext tritt in den Hintergrund, wie es in der Gesellschaft ebenfalls zu beobachten ist. Christian Holtmann thematisiert den Wandel der Zeit. Spielerisch greift er die Ankündigung „The New Times“ heraus und findet sowohl im geschichtlichen Bezug als auch in der aktuellen Debatte Anklang. In seiner Anspielung legt er den Fokus auf die USA, wo dieser Kampf für einen Umschwung in Aufständen und Demonstrationen ersichtlich ist. Stellen sie wirklich einen Wendepunkt dar und wenn ja, wohin führen uns „The New Times“? Haben sie die Kraft uns den Spiegel vorzuhalten und alles auf den Kopf zu stellen? Gesellschaftskritik ist der thematische Kern der Arbeiten von Florian Huber, der insbesondere durch das Hinterfragen der Vergänglichkeit einen aktuellen Bezug findet. Doch auch wenn die Materialien der Werke und ihre Erscheinung so unterschiedlich sind, bleibt sich der konzeptionell arbeitende Künstler in seiner Wahl der Themen stets treu. Florian Huber widmet sich der Umformu(lieru)ng anhand der Frage, wann ein Ding nicht mehr bloßer Gegenstand ist, sondern Teil eines Kunstwerks. Bei den auf Flaggen Bezug nehmenden Arbeiten von Penny Monogiou handelt es sich bei genauerem Hinsehen um Ansammlungen kleinteiliger Gegenstände. Politische und gesellschaftliche Missstände finden hier Interpretationsspielraum, wie beispielsweise die in Wellen angeordneten Gummibärchen als Thematisierung der Flüchtlingskrise. Franziska Reinbothe nutzt den Begriff der Umformung für ihre Arbeiten, die im Prozess eine neue Gestalt finden. Die klassische Leinwand wird gedehnt, gefaltet, gebrochen und zerschnitten um letztlich eine neue Erscheinung zu erhalten. Die Beschreibung Acryl auf Leinwand erhält plötzlich eine ganz neue Bedeutung. „Das Gefühl etwas verpasst zu haben“ beschäftigt das Künstlerkollektiv Chimera. Dabei geht es insbesondere um die soziokulturelle Veränderung durch die Maßnahmen der letzten Zeit. In Form von Leuchtschrift weisen sie auf das Ausbleiben von Treffen, Reisen oder Veranstaltungen und erschaffen so einen Moment des Innehaltens – Haben wir etwas wirklich verpasst? Die Arbeiten der Künstler*innen haben die Funktion eines Kommentars über die Umformung, die wir durchleben.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-07-29

Künstler: Li-Wen Kuo

Thema: Die Ausstellung Als Phantom hatte ich mich recht gut eingelebt von Li-Wen Kuo bietet einen Einblick in ihr bisheriges Werk. Aktuell ist die Künstlerin in den Deichtorhallen zu sehen und repräsentiert im Rahmen der Ausstellung Jetzt! eine Position aktueller Malerei in Deutschland. Die Einzelausstellung in unseren Räumlichkeiten vertiefen die Anregungen und Eindrücke der Museumsausstellung und ermöglichen einen breiten Zugang zu ihren mystischen Bilderwelten. In Abwandlung eines Nietzsche-Wortes könnte man sagen, ein Bild muss noch Chaos in sich tragen, wenn es eine Welt gebären will. In vielen der neueren Arbeiten Kuos scheint genau der Moment eingefangen, in dem das Chaos beginnt, Gestalt anzunehmen. Dieses Gleichgewicht, dieser Balanceakt, der genau den Punkt trifft, an dem sich eine Ordnung zu formieren beginnt, verdankt sich äußerster Präzision. Aber die sichtbar werdende Dynamik gehorcht keinem deterministischen Programm, keinem Schöpfungsplan. Eher hat man den Eindruck, als organisiere sich die Materie selbst. Die dunklen Töne in Bildern wie Welt, Metanoia, Ancestor, In einem dunkeln Wort deuten die Tiefe des Raumes an, in dem sich diese multiple Genesis vollzieht. Wenn Titel wie Wilde Ontologie oder Vorzüge eines Hammers auch für ironische Brechungen sorgen, finden die größeren Formate doch ihre Entsprechung in der größer dimensionierten Thematik. Zu sehen sind diese Arbeiten in der Ausstellung, die in den Räumen von Evelyn Drewes parallel zur „Jetzt!“-Ausstellung in den Deichtorhallen gezeigt wird.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-07-29

Künstler: Simon Schede

Thema: In unserem Ausstellungsformat lab II/2020 stellen wir Simon Schede vor. Der diesjährige Absolvent der Hamburger Hochschule für Bildende Künste beschäftigt sich in seiner Malerei mit dem Auflösen des Gegenständlichen. Wie ein roter Faden zieht sich durch all diese Arbeiten Schedes Interesse an der Wirklichkeit, beziehungsweise Objekthaftigkeit der Malerei in Bezug zur Darstellung, beziehungsweise zur inhaltlichen Referenz. Damit adoptiert er für sich den Kunstbegriff der Moderne, wonach Form und Inhalt eine nicht auseinander zu dividierende Einheit bilden müssen – entgegen der heute vorherrschenden Tendenz, sie eher separat zu behandeln, wodurch Kunst auf die Rolle der Illustration ihr äußerlicher Inhalte reduziert wird. Diese Absetzung vom Hauptstrom verleiht Schedes Arbeit eine sehr aktuelle Brisanz.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-04-16

Künstler: Andreana Dobreva, Alexandre Karaïvanov

Thema: Die Künstler Andreana Dobreva und Alexandre Karaïvanov betiteln ihre gemeinsame Ausstellung mit einem Zitat des amerikanischen Malers und Moderatoren Bob Ross „Happy painting and God bless”. Dobreva und Karaïvanov könnten in ihrer Technik, Motivik und Thematik nicht unterschiedlicher sein. Von abstrahierten verträumten Portraits hin zu menschenleeren fotorealistischen Detaildarstellungen überdecken sie grundverschiedene Bereiche der flächigen Kunst. Ihre Gemeinsamkeit finden sie in ihrer Freude an der Kreation. Wie Bob Ross im Titel seiner TV-Show The Joy of Painting verrät, ist der Spaß und die Freude am Malprozess ihm von höchster Bedeutung, eine Eigenschaft, die auch die beiden Künstler ausmacht und verbindet. Ross‘ Verabschiedungsfloskel „I’d like to wish you happy painting and God bless, my friend!“ fungiert somit neben dem Titel, auch als Mantra der Ausstellung und betont das positive Gefühl der Künstler bei ihrer Arbeit. Dunkle Hintergründe, düstere Gesichtszüge, dann plötzliche grelle Farben. Verzerrte Minen, rätselhafte Blicke, geheimnisvolle Szenerien. Andreana Dobrevas Arbeiten existieren in einer ganz eigenen Welt, die ihren individuellen Regeln zu folgen scheint. Der Betrachter braucht einige Augenblicke, um das Sichtbare einzuordnen. Die Künstlerin fängt Momente ein, die mal alltäglich, mal skurril anmuten oder auf eben dieser Grenze oszillieren. Ihre Portraits sind bestimmt von einem eigenen Farbschema, welches erdige dunkle Nuancen mit rosagelblichen Akzenten auf verstörende Art und Weise mischt. Nicht zu vernachlässigen ist auch die teilweise vorkommende ironische Komponente, welche den Werken eine völlig neue Bedeutungsebene zukommen lässt. Das Werk besticht durch eindringliche Darstellungen, wobei sich der Aktionsradius der Künstlerin in dieser Ausstellung auf männliche Protagonisten, deren Alter und Herkunft nicht eindeutig festzulegen sind, beschränkt. Ebenso lässt die Künstlerin offen, wie sich die Szene zeitlich und räumlich verorten lässt. Kontrastierende Bildelemente erzeugen ein geheimnisvolles Moment. Die Künstlerin lässt den Betrachter willentlich im Unklaren. So werden wir zurückgelassen mit einer rätselhaften Faszination. Alexandre Karaïvanov zieht ziemlich trashige Fotos als Vorlage heran: ausschnitthafte und zugleich voyeuristische Blicke in schmuddelige Zimmerecken, auf Nachttische, S-Bahn-Sitze, unter Waschbecken, in Geschirrspüler, Pissoirs. Manche Motive lassen an Tatort- oder Schadenfotos denken. Immer wird der Blitz draufgehalten und lässt das ohnehin Desolate in einem schalen und zugleich schonungslosen Licht erscheinen. Es stellt sich die Frage, ob solche motivische Schäbigkeit die Adelung durch den Aufwand und die Akribie, welche der Fotorealismus dem Künstler abverlangt, überhaupt verdient. Vertritt man anderseits die Ansicht, dass der Fotorealismus eine heikle Sache ist, weil die bis zur Manie reichende Fixierung auf das Handwerkliche den Künstler verleitet, sich um jeglichen Inhalt herumzumogeln, muss man Alexandre Karaïvanov eine arglistige Verdopplung von Inhaltsleere unterstellen. Dahinter kann aber nur ein künstlerisches Konzept vermutet werden. In den Buntstiftbildern erscheinen zwei Künstlertypen zugleich, derjenige, der uns die hässliche Seite vor Augen führt, unseren Blick auf das stößt, was wir lieber verdrängen oder im Verborgenen halten und derjenige, der sein Können unter Beweis stellen will, in einem hehren, traditionellen Sinn. Zwei gegensätzliche Kunstauffassungen prallen jäh aufeinander und werden doch auch vereint.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-04-16

Künstler: Thorben Eggers

Thema: Der Maler Thorben Eggers greift in seinen Arbeiten auf vorgefundenes Bildmaterial zurück, welches er in einen analogen, malerischen Kontext in die Ewigkeit überführt. Thorben Eggers plant seine Kunstwerke am Computer. So transformiert er ein Thema vom Digitalen ins Analoge. Dabei verweist Eggers auf die Vergänglichkeit der Bilder und des jeweiligen Mediums im digitalen Zeitalter. Ihre Inhalte und Logiken sind tief verwurzelt in der Digitalität und dem Schönheitsideal unserer heutigen Zeit. Thorben Eggers malt mit Öl auf geformten Leinwänden, die er eigenständig konstruiert. Diese Zersplitterung der Formen betonen die Figuren und erzielen eine plastische Ebene im White Cube. Die Malereien befinden sich somit an der Schnittstelle zwischen Malerei und Plastik. Thorben Eggers analysiert in seinen Malereien das digitale Bildmedium in seiner Wirkung und Relevanz. Dem flüchtigen Digitalen kontrastiert das Analoge der Ölmalerei. Das fotorealistische Motiv verschmilzt mit dem Unscharfen und der geformten, zugeschnittenen Leinwand zu einer eigenwilligen, kühlen Dynamik. (Wilko Austermann)

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2020-03-18

Künstler: Michael Peltzer

Thema: Zur Eröffnung der neuen Galerieräume zeigt Michael Peltzer eine neue Werkreihe. In "Drive me crazy“ thematisiert der Maler ikonische Autos der Filmgeschichte. Von Herbie (1968) dem VW Käfer bis zum Batmobil (1966) – Peltzer hegt seit langem eine Faszination für die motorisierten Vierräder aus Kultfilmen. Wer sein Werk kennt, weiß um das wiederkehrende Motiv des Filmstills im Allgemeinen als Vorlage für seine Arbeiten. Aber auch Modellzeichnungen dienten dieses Mal als Recherche für Bilder wie Twinkle Little Star, welches den beunruhigend rot leuchtenden Plymouth Fury aus Stephen Kings Christine (1983) zeigt. Anders als bei den Filmstills von Cindy Shermann geht es Peltzer nicht um das Herunterbrechen visuell pointierter filmischer Realitäten, sondern im Gegenteil um die Überspitzung ihrer Ikonizität. Das Automobil als Protagonist in der Kunst kann man in Anbetracht der aktuellen Klimadebatte thematisch nicht zeitgemäß finden – für Michael Peltzer ist es jedoch der passende Zeitpunkt sich mit diesem Sujet auseinanderzusetzen. Die Autoindustrie ist im Wandel, es geht um Perspektivenwechsel und Innovation. In der Shareconomy verliert das Auto schon jetzt seine Bedeutung als Statusobjekt, doch in den Herzen der Oldtimerliebhaber wird es seine Rolle als Ikone wohl niemals verlieren. Michael Peltzer rückt ausgewählte Modelle ins Spotlight und widmet ihnen einzigartige Portraits.

Ort: Evelyn Drewes Galerie bis: 2017-11-17

Künstler: Sabine Banovic, Fritz Bornstück, Mariechen Danz, Lea Gilloire, Lennart Grau, Leiko Ikemura, Rona Kobel, Kevin Kopacka, Robert Lanz, Elke Markhöfer, Helena Petersen, Christian Pilz, Achim Riethmann, Zurab Sheqelashvili, Michael Wutz

Thema: Leiko ikemura gilt als eine der bedeutendsten Künstlerinnen unserer Zeit mit internationaler Anerkennung. Bereits seit den 1980er Jahren ist sie fester Bestandteil bei renommierten Biennalen und Ausstellungsprojekten in namenhaften Museen und Kunstinstitutionen. Ihre Werke sind in den öffentlichen Sammlungen, wie Centre Pompidou, Kunstmuseum Basel, Museum Kunst Palast Düsseldorf und im Nationalmuseum für Moderne Kunst in Tokyo vertreten. Mehr als 20 Jahre war Leiko Ikemura als Professorin an der Universität der Künste in Berlin tätig. Im Oktober kommt die Künstlerin für ein gemeinsames Ausstellungsprojekt mit einer Auswahl ihrer Meisterschüler der vergangenen Lehrjahre nach Hamburg. In der von ihr kuratierten Gruppenausstellung „Wir Magier“ werden sowohl Werke von ihr als auch ihren ehemaligen Studenten gezeigt.