GNYP

Ort: GNYP bis: 2026-01-31

Künstler: Patrick Goddard, Xie Lei, Tomáš Rafa

Thema: GNYP freut sich die Gruppenausstellung „Challenge“ mit Arbeiten von Xie Lei, Patrick Goddard und Tomáš Rafa an unserem Berliner Standort zu präsentieren. Gezeigt werden drei eindrückliche Werke unterschiedlicher Genres: dokumentarische Videografie, ein satirischer Kurzfilm und zeitgenössische figurative Malerei. Die beteiligten Künstler wurden alle um 1980 geboren, stammen jedoch aus sehr unterschiedlichen Kontexten. Was sie hier verbindet, sind ihre Arbeiten zum Thema Migration und die Auseinandersetzung mit dem Gespenst von Rassismus und Fremdenfeindlichkeit in Europa. Die Vernissage findet am Samstag, den 29. Oktober von 16 bis 20 Uhr in der Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin statt. Tomáš Rafa wird vor Ort sein.

Ort: GNYP bis: 2025-10-25

Künstler: Nour El Saleh

Thema: You just arrived and don’t have your bearings, but that’s fine – we don’t either. Take these binoculars. Who’s that big, naked, long-fingered figure crouching on yonder hilltop? You can see others looking, too: someone throwing up, someone cowering but curious. Maybe, subjectively, you look from the creature’s perspective, making everyone here somebody’s other. And perhaps this all reminds you of something big but ungraspable, the prickly texture of being alive: questions on questions, fuzzy longings, glimpses of unnameable mystery, strangeness accepted because it’s right in front of you. Nour El-Saleh’s painting Spleen is, characteristically, a convocation of unanswerable queries: where, when, who, what level(s) of reality? (The exhibition title, Interface, might suggest the confected environments of video games.) All of this reflects, in turn, the fact that the artist only arrived shortly before we did. She almost always begins painting without knowing what she’s going to paint, working towards a heightened hinge zone where it’s clear something is about to happen, but not what. Within all of this, some certainties. El-Saleh paints bodies in extremis, as if flesh were semaphoring inward emotional states, as if emotions reshaped physiognomy, sat literally close to the bone. Hands and feet, here, are as articulate and emphatic as eyes. Figures feel deeply, and sometimes we can intuit what: the relatable desire for change, mingled with fear of its consequences. Smaller figures, alternative selves perhaps, pop out of portals in skin (see Spoon-feed) or appear cradled in a bigger figure’s bony digits (sleepy lavender). In the reversible Fracture plane, a body transforms into a moth. In Flytrap, a moth-like human flies across the sky, like in a dream: to fall or soar or, the title hints, to be trapped after chasing light. Weather can feel like a character, an abstract cue. Part of El-Saleh’s skill is to withhold so much while beckoning viewers in, to teeter on narrative’s edge while affirming that audiences will never get the full story. There is a level specific to her Lebanese upbringing, easter eggs tucked into compositions that not everyone has the cultural heritage to access. But there are also clear signals of reception’s universal partialness – a reversible painting, for instance, can never be fully grasped – which turns viewers, collectively, into a community of the knowingly not-knowing, a condition those without faith might call the price of being alive. Art is where we voluntarily face and wonder about that, a conduit between here and the boundless unknown. Or, if you like, an interface. Text by Martin Herbert

Ort: GNYP bis: 2025-08-02

Künstler: Ewa Czwartos and Karolina Żądło

Thema: In the paintings of Ewa Czwartos and Karolina Żądło, women do not need to speak loudly to be heard. Their presence resonates in their physical fulness, the emotionality of their gestures, and an inner light. They are intense, irreducible, while they are building a new, bold order of meaning. The exhibition’s title, borrowed from the musical Cabaret, sounds like an ironic reassurance that undermines its own message from the outset. The phrase “no troubles here” does not describe reality but rather refers to an imposed script that taught women to remain silent. The artists adopt it only to invalidate it. The protagonists of the works return to the visual space with full awareness, refusing to remain in the background. They recall figures from icons, tapestries, altarpieces, fairy tales, myths, and TV series, but do not recreate old roles. They speak in their own language, where the gaze becomes the beginning of awakening and responsibility, not a path to innocence. Every detail — a braid, a drape, an object, or a gesture — is a clue and never merely decorative. Together, they form a new alphabet, where aesthetics do not serve to embellish but to build tension and meaning with precision. The painting of Czwartos and Żądło does not shout, nor does it impose a story. Instead, it leads the viewer through a ritual of attentiveness, where repetition, multiplication, borrowing, and subtlety become a language of critique and resistance. Female bodies cease to be objects. They gain materiality, subjectivity, and agency. Their silence, standing in formation, is not a sign of indifference or absence of message, but an act of resistance in a different form. It is a gesture of reclaiming both image and narrative. The space of these works becomes a field of negotiation between memory and the present, between intimacy and social context. Formal elegance does not conceal meaning — it condenses it. Berlin offers a particular context for this exhibition. Its history of crossing boundaries, of divisions and attempts to rebuild unity, opens up new layers of interpretation. The work of Czwartos and Żądło does not seek national or generational representation in order to speak. It does not conform to simple cultural affiliations. Their paintings focus on the fate of the individual in the crowd and become records of experiences that resist easy definition. They do not recount the past but construct new forms of presence from it. Nothing here is accidental — each element carries its own weight and place. These are images that linger in the mind, not because they provide ready answers, but because they outline a new perspective and order. In a world saturated with divisions and simplifications, the art of Czwartos and Żądło reminds us that a gaze can be the first gesture of reconciliation, a return to the original truth and sense of being. It does not enter into a debate between aesthetics and engagement, nor does it submit to political classifications or formal expectations. It emerges at the intersection of sensitivity and precision. It is beautiful, though not made to beautify. Present, though it makes no manifestos. Their painting arrests with its intensity and calls for attentiveness. It reminds us that art not only can speak of a world without exclusion but actively shape it — through a willingness to be together, even if in different ways. Text by Michał Borowik

Ort: GNYP bis: 2025-06-21

Künstler: Aïcha Khorchid

Thema: GNYP Gallery freut sich, die zweite Einzelausstellung der französischen Künstlerin Aïcha Khorchid in der Galerie zu präsentieren. Das Bild des Künstlers und der Künstlerin ist historisch von Mythen durchzogen, etwa der klassischen Idee von Kunst als Berufung, geprägt von einer inneren Notwendigkeit des Schaffens und bedingungsloser Hingabe an den künstlerischen Ausdruck. Eine Vorstellung, die heutzutage weitgehend entzaubert scheint. Kunst zu schaffen ist ein Beruf, ein Teil eines größeren Systems aus Produktion, Vermarktung und Nachfrage. Dass dieser Mythos aber durchaus zutreffend sein kann, zeigt uns Aicha Khorchid. Das Leben als Künstlerin war für sie keine von klein auf gelebte Bestimmung,– zur Malerei fand sie erst vor fünf Jahren. Und doch verkörpert sie viele jener romantischen Vorstellungen, die von der Realität so oft widerlegt schienen. Nicht eine Akademie oder der Wunsch nach Anerkennung haben sie zur Künstlerin gemacht, sondern das Leben. Daraus ergibt sich die Notwendigkeit ihres Schaffens – die Untrennbarkeit ihrer Erfahrungen und deren künstlerischer Ausdruck. Geboren 1981 in Karatschi, Pakistan flieht ihre Familien über den Libanon nach Frankreich als sie noch ein Säugling ist. Dort fällt die Familie auseinander. Es folgt ein instabiles, durch Brüche gekennzeichnetes Leben. Sie wächst in verschiedenen Pflegefamilien auf, erfährt Gewalt und Übergriffe, bricht die Schule ab und muss den Tod der Mutter kurz nach deren Wiedersehen erleben. Ruhe kehrt ein, als eine Freundin sie nach Mallorca einlädt, wo sie sich im Alter von 27 Jahren niederlässt. Um das Jahr 2020 bringen sie persönliche Umbrüche dazu, sich mit ihrer Vergangenheit auseinanderzusetzen und findet so zur Malerei. Ohne akademische Ausbildung oder Vorkenntnisse beginnt sie, ihr Leben auf die Leinwand zu bringen. Ambitioniert tritt sie ihrer Vergangenheit in großformatigen Gemälden gegenüber, malt lebensgroße Portraits, Orte ihrer Kindheit und Erinnerungen. Es braucht viel Kraft und Mut die schweren Holztafeln, größer als die Künstlerin selbst, zu bearbeiten und sich auf solch überwältigender Größe mit den eigenen Traumata zu beschäftigen. Die persönliche Bedeutung ihrer Arbeit und ihres Prozesses offenbart sich auch in Komposition und Ausführung. Während die Schauplätze ihrer Gemälde meist reduziert dargestellt sind, zwischen expressivem Duktus, abstrahierten Farbflächen und Jugendstil-ähnlichen Ornamenten, sind Gesichter und Haut ihrer Protagonisten voll Textur und Komplexität. Sie erscheinen gleichzeitig hart und rau aber auch fragil wie altes Pergament. Schicht um Schicht tritt die Künstlerin hier mit Pinsel und Farbe in einen intensiven Austausch mit den dargestellten Personen. Das Ergebnis ist roh, fast narbig, aber die Beziehung innig. Komplementär zur intensiven Zwiesprache mit den Personen in ihren Bilder findet sich noch ein weiterer Fokus in ihrer Arbeit. Wie als bittersüßer Gegenpol ranken sich Blumen und andere Ornamente filigran über Fließen und Tischdecken. Ein Symbol der Überwindung ihrer Geschichte? Einer Erinnerung der Künstlerin an sich selbst, immer auch das Schöne zu sehen? Erstmals ist in dieser Ausstellung nun auch eine Person aus Khorchids Gegenwart zu sehen. In Christophe portraitiert sie ihren Lebenspartner und zeigt damit wie tiefgreifend die Kunst, über die Auseinandersetzung mit ihrer Vergangenheit hinaus, Eingang in ihr Leben gefunden hat. Über die Zeit als Künstlerin sagt Khorchid, dass es die bisher schönste ihres Lebens war, eine Zeit der Besinnung auf sich selbst und den freien Ausdruck ihrer Gefühle. Man kann sich also doppelt freuen – über das Glück der Künstlerin sowie die Kraft ihrer Bilder, die auch uns einen Anstoß geben, über unsere Vergangenheit und zwischenmenschlichen Beziehungen zu reflektieren. Text von Jonas Sanden

Ort: GNYP bis: 2025-04-26

Künstler: Elsa Rouy

Thema: GNYP Galerie freut sich die zweite Soloausstellung der englischen Künstlerin Elsa Rouy zu präsentieren Sie beschreibt ihr Werk als „eine visuelle Darstellung abstruser Emotionen“. Ihre semi-biografischen Arbeiten überschreiten Grenzen, um die vielfältigen Erfahrungen des Frauseins zu erkunden. Rouys figurative Leinwände zeigen intime Momente von grotesken Körpern, die sich spalten und zerbrechen, deren getrennte Häute ineinander sickern und verschmelzen, während Körperflüssigkeiten auslaufen und sich vermischen. Diese Figuren befinden sich durchweg in Situationen, die sich im Spannungsfeld zwischen Leiden und Vergnügen bewegen. Damit spricht sie die Ängste an, die mit dem Besitz und der Wahrnehmung des eigenen Körpers verbunden sind, und navigiert sie durch ihre Malerei. Rouys Kunstwerke versuchen, die Dynamik gesellschaftlicher und interner Machtstrukturen zu erforschen. Elsa Rouy machte ihren Abschluss am Camberwell College of Art. Ihre letzten Einzelausstellungen waren in der Guts Gallery, London, und bei Steve Turner, Los Angeles. Sie wurde im Jahr 2000 in Sittingbourne, UK, geboren und lebt und arbeitet in London.

Ort: GNYP bis: 2025-02-28

Künstler: Wojciech Fangor

Thema: GNYP Gallery is pleased to present the fourth solo exhibition of the esteemed Polish artist Wojciech Fangor in Berlin. OPENING: 30. November 2024 / 4PM - 8PM Nudes, 1945 - 2010 will be on display from November 30, 2024 to February 28, 2025 and was mounted in close cooperation with the Fangor Foundation, which is currently completing the artist’s extensive catalogue raisonné. In the past few years, this combined activity has added to the understanding of the breadth of Fangor’s work. It has also proposed an inclusive appreciation of his experimentation across mediums and contrasting styles. The intention of focusing on his non-canonical work is not to diminish Fangor’s significant contribution to abstraction. Instead, it is to explore his oeuvre in the spirit of the artist’s own open-mindedness. An approach that no longer needs, for instance, to be limited to notions such as the abstraction/figuration divide of the Cold War era. It also gives more attention to the radically shifting cultural-political realities the artist faced and his variegated creative response. The motif of the exhibition suggests itself naturally, as Fangor drew and painted the human form continuously during his life. This was the case even while he was presenting his highly successful abstract work to exhibitions and for sale. By taking just a small section of his oeuvre as a case study, the implicit premise of Nudes is to consider the artist’s work as a vibrant, interwoven, contrasting, self-reflective whole. Instead of suggesting a heroic linear progression with a mid-point aesthetic climax, what emerges is a thoughtful and ethical artist in a long conversation about art and society. The pluralist oeuvre of Wojciech Fangor (1922–2015) reflects many of the artistic polemics and geopolitical upheavals of the past century. His reputation primarily rests on his innovative, abstract Modernist Op-art paintings that reached full maturity in his New York period in the 1960s. But considering Fangor’s long, transatlantic life and his diverse output, there is much more to excogitate. As a young man, Fangor had the benefit of traditional artistic training. During the Second World War in his birthplace, Poland, he received private tutelage from two much-admired art professors, Tadeusz Pruszkowski and, later, Felicjan Kowarski. Fangor found he could paint and draw whatever and however he wished and, as a result, his early works are full of confident stylistic sampling. Later, he would put his shape-shifting technical ability to good use in postwar communist Warsaw. It was not until 1958 that his celebrated spatial fuzzy-edged geometric abstract work emerged. But alongside this important body of work, Fangor continued to practice and develop his visual language in other ways as well. From the mid-1970s onwards, for example, came decades of playful postmodern re-figuring, quotation, and collage. Sensitive and talented, Fangor never ceased his engagement both with emerging art ideas and art history until his last day in the studio. Fangor took part in important exhibitions such as “The Responsive Eye” at MoMA in 1965 and opened a comprehensive retrospective at the Guggenheim Museum in New York in 1970. His works can be found in numerous important private and institutional collections worldwide. Excerpt from text by Dominic Eichler

Ort: GNYP bis: 2024-11-23

Künstler: Aistė Stancikaitė

Thema: GNYP freut sich die dritte Solo-Ausstellung von Aistė Stancikaitė an unserem Berliner Standort zu präsentieren. Die Arbeiten der in Berlin lebenden, litauischen Künstlerin, die sich zwischen Anonymität und sinnlicher Vertrautheit bewegen, rufen Gefühle der Sehnsucht und des Verlangens hervor. Trotz der detailreichen Figuration in Ihren Werken, erscheinen diese eher wie metaphysische Darstellungen der menschlichen Psyche. Die vorherrschende Dichotomie von extremem Realismus und Unerreichbarkeit wird noch verstärkt durch die bewusste Beschränkung ihrer Farbpalette auf Violett, Rot und Blau – wovon letzteres erst seit kurzem zu ihrem Repertoire gehört. Die Vernissage findet am Freitag, den 25. Oktober von 17 bis 20 Uhr in der Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin in Anwesenheit der Künstlerin statt.

Ort: GNYP bis: 2024-10-23

Künstler: Kaifan Wang

Thema: GNYP Galerie freut sich die erste umfassende Monografie von Kaifan Wang mit Essays von Xiaoyu Weng, Martin Herbert und Marta Gnyp am Mittwoch, den 23. Oktober vorzustellen. Angereichert durch die inhaltliche Auseinandersetzung mit verschiedenen persönlichen und globalen Themen konnte Wang in den letzten Jahren seine visuelle Sprache stetig weiterentwickeln. Durch die Kombination von östlichen und westlichen Techniken und Konzepten schafft der in Berlin lebende, chinesische Künstler Werke eine Dynamik in seinen Werken, die mitreißt und vor denen man sich als Betrachter*in verlieren kann. Anlässlich der Buchvorstellung freuen wir uns, die Performance Gold Amidst Dust von Shannon Walsh (Tanz) und Zhiyuan Lou (Guzheng) zu präsentieren, die gemeinsam mit Kaifan Wang auf der Grundlage einer Musikkomposition von Chang Xu konzipiert wurde. Mittwoch, den 23. Oktober, GNYP Galerie Berlin – 17:30 - 20 Uhr Aufführungsbeginn: 18:30 Uhr.

Ort: GNYP bis: 2024-10-19

Künstler: Maria Calandra

Thema: Die GNYP Gallery hat das große Vergnügen The Seasons Bend zu präsentieren. Die Einzelausstellung der in New York lebenden Künstlerin Maria Calandra , ist vom 12. September bis zum 19. Oktober 2024 in der Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin zu sehen. Für Maria Calandra sind Landschaften nicht nur Ausschnitte aus der Welt. Also nicht nur das, was man als organisierte Darstellung eines natürlichen Ortes - real oder nicht - bezeichnen könnte, die nach den von der Kunstgeschichte vorgegebenen Techniken wie Perspektive, Farbschemata, Tonwertkontraste und Linien erfolgt. Natürlich sind ihre farbenfrohen Leinwände tatsächlich Landschaften, aber sie zeigen nicht einfach Bäume, Seen, Berge oder Horizonte. Sie sind Darstellungen von etwas ganz anderem, das mehr empfunden als wirklich sichtbar ist. Calandras Landschaften sind nicht nur ein Ausschnitt dessen, was sie sieht - sie sind auch der Ausschnitt dessen, was sie fühlt. In ihrer zweiten Ausstellung mit GNYP Galerie Berlin zeigt Maria Calandra eine deutliche Entwicklung gegenüber ihrer letzten Ausstellung. Während sie damals, 2023, so eine eher geradlinige Darstellung von Landschaften präsentierte - die Horizontlinie zum Beispiel war ein identifizierbares und strukturelles Element, und jetzt ist sie praktisch verschwunden, integriert in den malerischen Wirbel - scheint sie diesen Bereich derzeit zu überschreiten. Dennoch gibt sie den Bezug zum Genre nicht völlig auf. Der Bezug zu Landschaftsdarstellungen in der gesamten Kunstgeschichte ist immer noch vorhanden und zeigt, dass Innovationen aus der ständigen Auseinandersetzung mit der Tradition entstehen und nicht, wie die Modernisten zu glauben pflegten, durch die bloße Zerstörung der Vergangenheit. In dieser Hinsicht wäre es ein wenig heuchlerisch, so zu tun, als wäre die delikate Angelegenheit einer Landschaft ein unbeschriebenes Blatt. Indem sie dies nicht tut, ist Calandras Verhältnis zur Geschichte des Genres sowohl eine ethische als auch eine ästhetische Haltung. Wenn man heute Landschaften malt, bedeutet das, dass man unsere Welt und unsere Geschichte wertschätzt. Aber was ist an diesen Landschaften anders? Erstens sind sie nicht nur malerische Darstellungen von Sinneswahrnehmungen wie Flüssen, Bergen, Bäumen, Himmel, Regenbögen und dem Horizont (die alle auf der einen oder anderen Leinwand in dieser Ausstellung zu sehen sind). Vielmehr sind sie Darstellungen einer anderen Zeit (daher übrigens auch der Titel der Ausstellung). Die zarte und stürmische Verschmelzung von Farben und Formen deutet auf die grundlegende Instabilität hin, die alles da draußen durchdringt. Alles biegt sich ständig in und aus sich selbst heraus. Vielleicht sind wir nur Zeuge des Wechsels der Jahreszeiten - was schon eine gewaltige Leistung wäre, etwas, das zuerst von Malern im Goldenen Zeitalter der Niederlande versucht wurde, als turbulente Wellen und Wolken eine solche Vorstellung zum Ausdruck brachten -, aber in der Kunst zählt gewöhnlich der Akzent, den man den Dingen verleiht. Maria Calandra setzt einen deutlichen Akzent auf die Dynamik, die alle Dinge miteinander verbindet. Es war nie nur eine Landschaft.

Ort: GNYP bis: 2024-06-15

Künstler: Kaifan Wang

Thema: Die Galerie GNYP hat das große Vergnügen Wade Through Until the Waters Blue zu präsentieren. Die Einzelausstellung des in Berlin lebenden, chinesischen Künstlers Kaifan Wang, ist vom 26. April bis zum 15. Juni 2024 in der Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin zu sehen. Ausstellungstext: Der große brasilianische Dichter Carlos Drummond de Andrade (1902 - 1987), einer der bedeutendsten Namen der lokalen Moderne, machte einmal eine Beschwerde zu seinem künstlerischen Programm. Er sagte, dass das „Modern-Sein“ sich als „langweilig“ herausstellte und ihm nichts anderes übrig blieb, als ohne Bescheidenheit „zeitlos“ zu werden. Neben der für diese Generation typischen Vorliebe für Wortspiele stechen zwei Dinge hervor. Erstens erkannte der Dichter, dass die Moderne in gewisser Weise ein historisches Phänomen war und sich ihre Kräfte irgendwann erschöpfen würden. Vor allem aber erkannte Drummond, dass die Moderne ein Konzept war, das nur auf bestimmte Orte anwendbar war, nämlich auf den europäischen Kontext. Die brasilianische Poesie und Kunst im Allgemeinen reagierte, wie sich herausstellte, auf andere Impulse und Anliegen. Letztlich sollte sie nach anderen Kriterien beurteilt werden, nicht nach denen, die anderswo gelten. Insbesondere sollte sie nach ihrer Zeitlichkeit beurteilt werden. Trotz der offensichtlichen Unterschiede scheint die Kunst von Kaifan Wang, die nun zum zweiten Mal in einer Einzelausstellung in der GNYP Gallery Berlin gezeigt wird, recht gut in diese Vorstellung zu passen. Die von Drummond aufgezeigten konzeptuellen Grenzen spielen auch in seinem Werk eine Rolle. Man sollte auf seine spezifischen Chiffren achten, um seine besondere Kraft besser einschätzen zu können, wenn man sich nicht in die Irre führen lassen will; Wangs Kunst ist das, wonach sie auf den ersten Blick aussieht, aber noch viel mehr. Die primäre Neigung seiner Leinwände - Werke voller kontrollierter und doch freier Gesten, subtiler und manchmal harter Farbkollisionen und ohne einen erkennbaren mimetischen Animus - ordnet sie in das ein, was wir als „abstrakte Kunst“ bezeichnen würden, eine der wichtigsten Manifestationen der Moderne im visuellen Bereich. Außerdem zeugt die schiere Größe einer Leinwand wie „Wading Through Water“, um ein Beispiel zu nennen, von einem der konsequentesten Ansätze der Moderne: dem utopischen Wunsch, die Welt zu umfassen, oder besser noch, die Welt in Kunst zu verwandeln. Ohne klare Grenzen ist es, als ob das Gemälde in den äußeren Bereich eindringt und uns in seine Räumlichkeiten hineinzieht. Dies war der Grund für die immer größer werdenden Leinwände, die Claude Monet (1840 - 1926) in seinen späteren Jahren malte. Keine künstlerische Analyse begnügt sich jedoch mit einer bloßen visuellen Annäherung. Während die Moderne für ihre Geringschätzung der Tradition berüchtigt war, geht Wang in seinen Werken eine sehr produktive und großzügige Beziehung zur Geschichte ein. In seinem Fall beziehen sich seine Gemälde auf Namen wie Zhao Ji (1082 - 1135), den achten Kaiser der Song-Dynastie, der für seine Gemälde und Kalligraphien berühmt war, die vor mehr als tausend Jahren entstanden. Die gleichen Dimensionen sind vorhanden, ebenso wie die Farbpalette und das erzählerische Gefühl, das auf eine Praxis hinweist, die alles in allem mehr als ein Klassiker ist - sie schwebt nahe an der Vorstellung des Ewigen/unsterblichen. Darüber hinaus finden sich am Ende des Spektrums Anklänge an die europäische Renaissance, die durch die spezifischen Farben, die Wang verwendet, spürbar sind. Die begrenzte chromatische Auswahl findet sich z.B. in einem Fresko (man denke an die verworfenen Farben an einer Kirchenwand) oder in der fließenden Unentschiedenheit zwischen Hintergrund und Vordergrund. Mit anderen Worten, ein Pigment dringt in das andere ein und interagiert mit ihm, wodurch eine ständige Bewegung entsteht, die durch die gebrochenen Kreise, Spuren und Umrisse, die der Künstler anlegt, hervorgehoben wird. Was sich hinter diesen Einflüssen verbirgt, ist in jedem Fall die Annäherung von Orient und Okzident durch die Anerkennung ihrer gegenseitigen und dynamischen Befruchtung. Jenseits von Plünderungs- oder gewaltsamen Eroberungsdebatten deutet sie an, wie Ideen integriert, verändert und weiter verbreitet wurden. Die Idee des kulturellen Rosinenpickens kommt auf. Wie viele der Titel der Gemälde andeuten, ist dies ein wichtiges Thema für Wang. Kirsche und Weide, so scheint es, drücken genau die Bedeutung von Freundschaft in verschiedenen kulturellen Kontexten aus, und erinnert uns daran, wie Ideen, die in einem Kontext entstanden sind, dann von einem anderen transportiert wurden, wie das Bild "Dames au Parasol", das der niederländische Künstler Cornelis Pronk um 1730 schuf und das als Motiv für das in Jingdezhen hergestellte chinesische Porzellan verwendet wurde, das von der Niederländischen Ostindischen Kompanie für den Handel in Europa bestellt wurde. Es wäre nur zu offensichtlich zu behaupten, dass Kaifan Wangs Gemälde Vergangenheit und Gegenwart, Osten und Westen zusammenbringen. Stattdessen, und das ist einer der zeitgenössischsten Aspekte seiner Kunst, verlieren solche Begriffe in seinem Werk ihre Anziehungskraft; ihre konzeptionelle Kraft erreicht nicht viel. Man muss keinen bestimmten Künstler oder Kanon kennen, um die schlichte Schönheit dieser Leinwände zu schätzen. Sie stehen für sich selbst, gleichgültig gegenüber Traditionskonflikten oder kritischen Huldigungen, und heißen uns in ihrer Welt willkommen, ohne zu urteilen - was heutzutage viel bedeutet. João Gabriel Rizek

Ort: GNYP bis: 2023-12-23

Künstler: Charlie Alston

Thema: Die Galerie GNYP freut sich, mit "Tonight Turns to Day" die erste Einzelausstellung des amerikanischen Künstlers Charlie Alston in Deutschland zu präsentieren, die vom 10. November bis 29. Dezember 2023 zu sehen ist. Mit Hilfe popkultureller Elemente aus Comics, Marken und Werbung untersucht Alston die verschiedenen Einflüsse, mit denen er in seinem Leben konfrontiert ist. Als Weltbürger, der vielen sozialen und kulturellen Narrativen ausgesetzt ist, setzt sich der Künstler konzeptionell und formal mit der Populärkultur im Allgemeinen auseinander. Er lässt sich unter anderem von Nachkriegszeitschriften über und für Afroamerikaner wie Jet inspirieren und schafft collagen-artige Gemälde, in denen Figuration und Abstraktion ineinander übergehen. Sein Interesse gilt der Schattenzone, dem Bereich, in dem die Unklarheit regiert und Bedeutungen Gestalt annehmen.

Ort: GNYP bis: 2023-11-03

Künstler: Kukika Adamson, Nyunmiti Burton, Umoona Collaborative, Yaritji Heffernan, Tuppy Goodwin, Sandra Pumani, Rhoda Tjitayi

Thema: Die GNYP Gallery hat das große Vergnügen, Sie zur Eröffnung von Our Country: APY Lands einzuladen, einer Gruppenausstellung mit Künstler:innen der First Peoples of Australia in Berlin, die vom 14. September bis 7. Oktober 2023 zu sehen ist. Start: Donnerstag, 14. September - 17-20 Uhr Mehr Informationen auf unserer Website Öffnungszeiten: Thursday 12:00 - 18:00 Friday 12:00 - 18:00 Saturday 12:00 - 18:00

Ort: GNYP bis: 2023-07-28

Künstler: Richie Culver, Umut Yasat

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Richie Culver & Umut Yasat: The Path of Least Resistance, which will take place on Friday, June 2, 2023, between 5 and 8 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin. Please find more information on our website

Ort: GNYP bis: 2023-04-15

Künstler: Rob Ober

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Life on a Pale Horse, the first solo exhibition of the American artist Rob Ober in Europe, on view from March 10 until April 15, 2023. The opening will take place on Friday, March 10, 2023, between 5 and 8 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin. At 7 pm the artist and the art historian João Gabriel Rizek will lead a walkthrough of the exhibition.

Ort: GNYP bis: 2023-02-25

Künstler: Maria Calandra

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Outskirts of Infinity, the first solo exhibition of the American artist Maria Calandra in Europe, on view from December 7 to January 14, 2023. The opening will take place on Friday, January 27, 2023, between 5 and 8 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin.

Ort: GNYP bis: 2023-01-14

Künstler: Kaifan Wang

Thema: KAIFAN WANG in conversation with Dominic Eichler Artist Kaifan Wang (b.1996) grew up in Hohhot, a predominantly Chinese city of around four million people and for millennia a gateway to the grasslands of inner Mongolia and beyond them, the fabled Gobi desert. Like other cities on trading routes, Hohhot still bears traces of cultural exchange and flows across ethnicities and religions. From a young age, Wang studied traditional Chinese painting before moving to Beijing, where he encountered contemporary art. In 2016, he moved to Berlin to further his studies and was at first unable to paint anything. But during the pandemic, he started painting anew. This time his head was full of questions and a new understanding of himself and the possibilities of the medium. In the led up to his debut solo exhibition ‘Whistling Dune’ (2022) at Gnyp Galerie, Berlin, the following exchange ensued. Dominic Eichler: ‘Whistling Dune’ is a great title. It has a mystic ring to it. I am reminded tangentially of writer Paul Bowles’ text ‘The Baptism of Solitude’ (1957) about experiencing the dunes of the Sahara. He wrote: “Here, in this wholly mineral landscape lighted by stars like flares, even memory disappears; nothing is left but your own breathing and the sound of your heart beating. A strange, and by no means pleasant, process of reintegration begins inside you, and you have the choice of fighting against it, and insisting on remaining the person you have always been, or letting it take its course.” Does your title have to do with where you are from? Kaifan Wang: I’m glad you like it. One day, when I was walking along the streets of Berlin, a gust of wind blew sand in my eyes. It was only slightly irritating, but it reminded me of uncomfortable childhood memories of sandstorms in my hometown. The oil painting The Sand Blew Into My Eyes I (2022), was inspired by these memories. Hohhot is a city with a long history, but you can hardly find traces of it now as urban development and new buildings undermine old legends and stories. I didn’t realise that the dust storms were natural disasters. I was just drawn to haze and the unknown. DE: Have you ever been to the interior grasslands or the desert? KW: I prefer the idea of deserts to grasslands. But actually I have always felt alienated from the natural environment, not only because I grew up in the city but also because I have allergies and dislike bugs. This also made me realise I am not a real Mongolian. I think that’s also why I like abstraction, because lot of things that I can’t experience or wish to talk about directly can be embodied in an abstract way. DE: Do you have any views about how much or how little you wish your biography to be part of the understanding of your art? Some artists prefer to leave their biography to one side or even make up stories and identities. KW: My works relate to my memories and life experiences. I hope to express a kind of struggle, reconciliation, and self-created sense of security through painting. My paintings often start with violent collisions, but are slowly covered and summarised by careful lines and moods. Some of the abstract figures in my paintings resemble the shape of dunes. The rhythm in my pictures is also often reminiscent of the wind, and the sound of the sand caused by the wind. I don’t want to presume to describe the wind; it has its own secret existence. When people ask me about my work, I feel like a cloud of dust. It is the wind that takes away the dust. The dust itself is passive. My work is inspired by where I grew up, the people I meet, and the books I read. They are the wind and I am the sand. DE: Can you describe your process to me? KW: To make the paintings in the exhibition, I used sponges as a painting tool. In the beginning, I cut up old mattresses. Some were left behind by other Chinese students who went home because of the pandemic. I also made some soft sculpture using these mattresses as material inscribed by the weight of their bodies (Wall Woodpecker series, 2022). Later I just used dishwashing sponges. I love the texture of sponges and the effect they produce. When they are full of water, they are soft and flow like painting with ink, and when they are dry, they can express the strength. I like vibrant colours like in Hindu imagery. For Mongolians, blue and white represent purity and holiness. Red, for me, represents a force. For scale, I choose a size that fits my work space and my body. I often combine different images on my iPad to test different colours before starting. I believe that art is created in a fragile balance between the spirit of the Dionysus, the God of wine and Dance, and the Apollo, the God of the sun. A painting itself is a crisis and uncertainty, so I have to first determine some objective conditions, such as size, colour, composition. 
 DE: How do your studies in traditional Chinese painting relate to what you do today? KW: Learning traditional Chinese painting and calligraphy is a process of imitation and repetition. I once studied Jackson Pollock and Cy Twombly’s work and compared it with the modern calligrapher Wang Dongling. Chinese and Western abstract paintings are completely different. The rational spirit of Western abstract art is to rebel against tradition, while Chinese art is always been passed down first and then developed. I find myself somewhere in the middle ground in terms of culture and identity. I have been thinking about simplicity and brutality as the most effective qualities to express this. Art is a great tool and channel for me to do this. I think the rebellious spirit of abstract art is necessary. My real distaste is anything that makes it too easy to get pleasure and satisfaction. Perhaps my latest work maybe isn’t as visually aggressive as other young painters like Daisy Parris or as provocative as Andi Fischer, but it has its own undercurrents. The act of painting carries resonances for me, including muscle memory. DE: Isn’t it true that everyone’s subjectivity entails hybridisation, irreconcilable parts, and cross-cultural flows not of our making? I’m not sure we can control this even if we wanted to... KW: I agree with what you said, we cannot determine cultural flows. Intercultural fusion and even cultural bullying are both inevitable. When I first came to Germany, I couldn’t paint and focused on other mediums. I also tried to understand how to make a ‘bad painting’ and use ‘dirty colours’ and looked at Postwar German painting. The most subversive notion for me was to Kaputt Machen – smash it all up. But lately, I have been just trying to relax. It is increasingly difficult to distinguish between what is ours and what is foreign. DE: Can you tell me about your interest in words and slogans? I know you have made an abstract wall drawing and some paintings that grew out of words, and I see your notebook on your desk is in constant use. Why does it say your name and ‘Friedhof’ on it? KW: I made it myself. I like to collect slogans, epitaphs, slogans and advertisements produced in different cultural and political eras with the same theme as the one I want to explore. In China, there are official slogans everywhere, declaring the core values proposed by the central government. In Berlin, instead we have graffiti, and handwritten venting on posters. I like the word Friedhof – cemetery. I was fascinated by Berlin’s cemeteries with trees and flowers right in the middle of the city. We don’t have this in China. I was scared of them. On the grave of a poet I found a sentence he wrote scribbled with a ball-point pen on the back of the tombstone ‘Auch Worte haben ihre Zeit… zu wissen, dass sie ein Mal da Dein werden, ist viel – Even words have their time... to know that they will be yours one day is plenty.’ I made a painting of it. Language and words can cause misunderstandings. I love the biblical description of the Tower of Babel. Even communication between people with the same mother tongue can lead to misunderstandings, let alone people of different languages. Amplifying this misunderstanding is like amplifying the differences between individuals. As William Kentridge said: ‘Long live the misunderstanding.’ Dominic Eichler is a Berlin-based freelance writer and musician. Since 1995, he has written about contemporary art for numerous international magazines, museums, institutions and galleries. In the 2000s, he was a contributing editor of frieze magazine. In 2005, he was awarded the German AdKV prize for art criticism. He is currently working on a novel, and a book of collected writings about art. 


Ort: GNYP bis: 2022-11-26

Künstler: Lizzy Lunday

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Not Quite Paradise, the first solo exhibition of the American artist Lizzy Lunday in Berlin, on view from October 8 to November 26, 2022. The opening will take place on Saturday, October 8, 2022, between 5 and 8 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin.

Ort: GNYP bis: 2022-08-27

Künstler: Ariane Heloise Hughes

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Better Luck Next Time, the first solo exhibition of the English-Australian artist Ariane Heloise Hughes, on view in Berlin from July 23 to August 27, 2022. The opening will take place on Saturday, July 23, 2022, between 6 pm and 9 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin. The British-Australian artist Ariane Heloise Hughes describes her work as intricate, sensual, absurd. Appropriating often banal and unwittingly familiar narratives into a visual vernacular full of unusual and exaggerated forms, Hughes’ surrealistic depictions create a world that aims to draw the viewer in, engaging them in a process of active looking and contemplative thought. Through anachronistic objects and elements, distortions of scale and uses of colour, the artist usurps her reflections of now into ostensibly traditional and curious settings. By simultaneously drawing attention to the artifice of the image while presenting it as truth through naturalistic renderings, she is reflecting on the function of social media. Engaging deeply with the aesthetics and history of surrealism, Hughes’ paintings draw on and exaggerate the interplay between the real and the unreal. Hughes holds a BA in Painting from Camberwell University.

Ort: GNYP bis: 2022-07-16

Künstler: Aiste Stancikaite

Thema: GNYP Gallery gladly announces its second solo show with the Lithuanian, Berlin-based artist Aiste Stancikaite. The opening is taking place on June 9, 2022, between 6 and 9 pm.

Ort: GNYP bis: 2022-06-01

Künstler: Wojciech Fangor

Thema: OPENING: APRIL 28, 2022, 6-8 PM

Ort: GNYP bis: 2022-01-14

Künstler: Gina Beavers

Thema: Vielleicht kann man sagen, dass sich Authentizität und Exzess in Beavers neue Bildern für diese Ausstellung neu ordnen. Feststellen lässt sich eine Zunahme an kompositorischen Exzessen mit diversen Bildebenen, die sich miteinander verzahnen. Das, was sich dort verbindet, hat sich allerdings abgelöst vom fotografischen Quellmaterial. Vielmehr plündert die Künstlerin inzwischen den Motivschatz, der sich in ihrer mehrjährigen Maltätigkeit angesammelt hat. Couches, Sneakers, Lippen, aber auch Nägel oder ein Albumcover der neuseeländischen Band Broods werden wechselseitig miteinander gekreuzt oder ineinander verschachtelt, wodurch sie als persönliche Chiffren funktionieren. Diese Chiffren stellen einzelne Bilder mit anderen Arbeiten der Ausstellung ebenso in Korrespondenz wie mit älteren Bildern von Beavers, in denen sie anders phrasiert und kontextualisiert wiederkehren. In gewisser Weise funktioniert jede dieser Chiffren wie das ‚Ich’ in Autofiction: Es dreht, wendet, wandelt und bricht sich, bleibt aber dennoch eine mysteriös wandelbare Entität. Moritz Scheper

Ort: GNYP bis: 2022-01-08

Künstler: Christopher Hartmann

Thema: Christopher Hartmann I I Will Heal Eröffnung, November 13, 16-20 Uhr

Ort: GNYP bis: 2021-10-30

Künstler: Susumu Kamijo, Koichi Sato

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure of inviting you to the opening of Nobunaga 02, the two-person exhibition of the New York-based Japanese artists Susumu Kamijo and Koichi Sato in our gallery rooms in Berlin. The opening will take place on Friday, October 8, 2021, between 3 pm and 7 pm at the Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin, in compliance with the current distancing and hygiene regulations. Susumu Kamijo will be present at the opening. An artist talk will be held at 6 pm.

Ort: GNYP bis: 2021-10-03

Künstler: Kate Pincus-Whitney,

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce the first solo exhibition of the American artist Kate Pincus-Whitney in Berlin. Kate Pincus-Whitney intermingles in her art the three basic human needs: food, security, and love, something she came to envision through her upbringing in which the kitchen, as a physical and emotional space, played a very important role. In her canvases, the many symbols attached to sharing a meal and to the theater of the dinner table are mobilized to establish a colorful and dense relationship with contemporary concerns of cultural identity. At the same time, by doing this, Pincus-Whitney places her work in a dialogue with the long tradition of representation and meaning of food in the history of art. The exhibition will open on September 3 from 3pm to 7pm, and be on view until October 3, 2021. A second opening coinciding with an Artist Talk will take place on September 18, 2021.

Ort: GNYP bis: 2021-06-12

Künstler: Jocelyn Hobbie

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce the first solo exhibition with the American artist Jocelyn Hobbie. Showing recent paintings and works on paper, the exhibition opens on Thursday, April 29th, 2021, and is on view until June 12th, 2021. If you are planning to join us for the opening or to visit the exhibition later on, please contact the gallery via E-Mail to book an appointment. Visitors must present a negative COVID-19 test issued within the last 24 hours, and wear an FFP2-mask, in line with the Berlin Senate regulations.

Ort: GNYP bis: 2021-04-24

Künstler: Alexandra Karakashian

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce its first solo exhibition with the South African artist Alexandra Karakashian. The exhibition unfolding pause is on view from March 20th until April 24th, 2021. Alexandra Karakashian was born in 1988 in Johannesburg, South Africa, and is currently based in Cape Town. She works mainly with paintings, or with sculptures and installations made from deconstructed, unframed paintings. Painted canvases and cloths are presented in surprising ways, sometimes unsupported, framed in reverse or transformed into a sculpture or installation. In consideration of the current pandemic regulation the gallery reopens for the public from March 9th, 2021 by appointment and in compliance with the current distancing and hygiene regulations.

Ort: GNYP bis: 2021-03-06

Künstler: Otto Ford

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce the second solo exhibition with the British artist Otto Ford in our gallery. The exhibition Geoponika is on view from February 13th until March 6th, 2021. In consideration of the current pandemic regulation the gallery is currently closed and hopes to be open again for the public any time soon in compliance with the current distancing and hygiene regulations. Before that the exhibition can be viewed online on our website.

Ort: GNYP bis: 2021-03-06

Künstler: GNYP Gallery is delighted to announce the first solo exhibition of the Swiss artist Flurin Bisig in our gallery. The exhibition can be seen on our website from Saturday, January 23rd, 2021 and will be on view until Saturday, March 6th. In consideration of the current pandemic regulation the gallery will be open again for public from Tuesday, February second, 2021, in compliance with the current distancing and hygiene regulations. If you are planning to visit, don’t forget your mask, so we can ensure a pleasant and safe stay for everyone.

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce the first solo exhibition of the Swiss artist Flurin Bisig in our gallery. The exhibition can be seen on our website from Saturday, January 23rd, 2021 and will be on view until Saturday, March 6th. In consideration of the current pandemic regulation the gallery will be open again for public from Tuesday, February second, 2021, in compliance with the current distancing and hygiene regulations. If you are planning to visit, don’t forget your mask, so we can ensure a pleasant and safe stay for everyone.

Ort: GNYP bis: 2021-02-26

Künstler: Denis Savary

Thema: Es ist interessanter, einen Apfel auf dem Mond zu finden als einen Mondstein. Die subtile Absurdität dieses Satzes, den der deutsche Komponist Karlheinz Stockhausen formulierte, könnte man als bloße Albernheit abtun. Ohne zu ahnen, dass er sich als Komiker ausgeben wollte—immerhin war er ein Leben lang ein Theatermann—hatte Stockhausen wahrscheinlich den Wunsch, das Vertraute in unbekanntes Terrain einzubringen, es mit ihm kollidieren zu lassen und so etwas Unerwartetes zu schaffen, eine Haltung zu aktualisieren, die man am ehesten mit den Surrealisten verbindet. Es wäre nicht zu weit hergeholt zu behaupten, dass Denis Savary (geb. 1981), der seine erste Einzelausstellung in der GNYP Gallery präsentiert, mit seinen Mitteln und unter dem Druck unserer Zeit in derselben Tradition steht. Allerdings sind der Apfel und der Mond nicht mehr so leicht erkennbar wie zuvor. Die Ergebnisse wiederum können immer noch genauso faszinierend sein. Anfangs ist das Szenario, sei es bekannt oder außergewöhnlich, nicht mehr klar. Es bietet keinen Hintergrund mit einer klaren Logik, von der aus wir das Werk interpretieren können. Mit verschiedenen Materialien, von Stoffen über Metall und Blattgold bis hin zu Bio-Resin, verweist Savarys Werk auf mehrere Orte von nahezu allen Kontinenten und gleicht sie somit aus. Während zum Beispiel die vier "Hanoï"-Werke nicht nur durch ihren Namen, sondern auch durch ihre organischen Winkel, die sich wie unkontrollierte Flammen ausbreiten, einen deutlichen Hinweis geben, neigen andere Werke zu einem ambivalenten Verhältnis zur Geografie. Das ist der Fall bei "Öyvind", benannt nach Öyvind Fahlström, einem Multimedia-Künstler, der in São Paulo als Sohn skandinavischer Eltern geboren wurde. Die unheimliche Figur visualisiert das Zusammentreffen verschiedener Orte, Einflüsse und Traditionen mit verschiedenen Zeiten—hier durch das Tragen eines kitschigen Mantels und einer alten Gletscherbrille. Eine deplatzierte Mumie aus den Tiefen der Zeit. Andere Arbeiten folgen einer ähnlichen Logik, treiben sie aber noch weiter und eröffnen uns so, was wir aus ihnen ziehen können. Im Gegensatz zu seinem Zeitgenossen Frans Post, einem begeisterten Reisenden, hat Rembrandt wahrscheinlich nie einen Ameisenbären gemalt. Wenn man jedoch einen Ameisenbären nach dem großen holländischen Meister benennt, wie Savary es tut, dann verschiebt sich unser Bewusstsein für Geografie, Autorschaft und Geschichte und führt unser Verständnis dieser Dinge ebenfalls in unbekannte Gefilde. Ein Ameisenbär in einer Kunstgalerie? Der Raum, in dem dieses seltsame Tier vor uns erscheint, wird in Frage gestellt und bringt sowohl Institutionskritik als auch einige Überreste des Kolonialismus ins Gespräch, was auf ein anderes Interesse Savarys hinweist, nämlich die Idee der Moderne als Projekt, zusammen mit ihren Sünden, Mängeln und, so hofft man, ihren Versprechen. Während Tiere, die nach Künstlern benannt sind, einen kolonialistischen Beigeschmack tragen und zu einem Gespräch über das Zentrum und die Peripherie, das Etablierte und das Exotische, die Natur und die Künstlichkeit einladen, deutet die abgenutzte Concorde ihrerseits auf das Scheitern anderer Aspekte des modernen Projekts hin, nämlich seines technologischen Antriebs und seiner utopischen Arroganz. Statt auf die Kadaver oder Ruinen dieser modernen Embleme zurückzugreifen, präsentiert Denis Savary sie durch sanfte Verschiebungen. Indem er ihre Namen oder Farben ändert, macht er sich nicht nur Gedanken darüber, was schief gelaufen ist—die Concorde fliegt nicht mehr, und mehrere Ameisenbärenarten sind vom Aussterben bedroht—sondern vermittelt auch eine vielschichtige Darstellung, die vor allem das Scheitern einiger Vorhaben des letzten Jahrhunderts verdeutlicht. Allerdings nicht ohne sie auf ihre eigene Art und Weise auch schön zu präsentieren. Manchmal ist es eben interessanter, einen Frosch oder ein Flugzeug in einer Kunstgalerie anzutreffen, als in ihrem natürlichen Umfeld. João Gabriel Rizek

Ort: GNYP bis: 2021-01-09

Künstler: Aistė Stancikaitė,

Thema: Die GNYP Gallery freut sich, ihre nächste Einzelausstellung mit dem litauischen Künstler Aistė Stancikaitė bekannt zu geben. Hauptsächlich fertigt sie monochromatische Zeichnungen an, in denen sie die Wahrnehmung der Realität durch den völligen Perfektionismus ihrer Herangehensweise herausfordert. Ein wesentlicher Teil ihrer Arbeit beschäftigt sich mit der menschlichen Figur, wobei die Anatomie und Persönlichkeit der dargestellten Charaktere sowohl als vertraute Bekannte als auch als fiktive Fremde auftreten. Besuchen Sie uns am 12. Dezember von 11 bis 19 Uhr zur Eröffnung. Die Ausstellung ist bis zum 9. Januar 2021 zu sehen.

Ort: GNYP bis: 2021-01-09

Künstler: Brian Harte,

Thema: Die GNYP Gallery freut sich, ihre nächste Einzelausstellung mit dem irischen Maler Brian Harte bekannt zu geben. Harte wurde 1978 in Irland geboren und lebt und arbeitet in County Tipperary. Eines der Hauptmerkmale von Hartes Gemälden ist sein kühner Umgang mit Farbe und der unbestimmte Zustand der Figuren auf den Leinwänden, welche sich in einem Stadium zwischen skizzenhaft und vollendet befinden. Die Eröffnung findet am 14. November von 11:00 bis 19:00 Uhr unter aller notwendigen Hygienebedingungen und Abstandregelungen statt. Die Ausstellung läuft bis dem 9. Januar 2021.

Ort: GNYP bis: 2020-11-01

Künstler: Jenna Gribbon

Thema: GNYP Gallery is pleased to announce its next solo show with the painter Jenna Gribbon. The American artist was born in 1978 in Knoxville, USA, and lives and works in Queens, New York. Gribbon’s paintings of nudes pay homage to the moment when light touches skin. Her lush brush strokes capture her friends, son and girlfriend in intimate portraits. This is her first solo exhibition in Europe. Exhibition: September 10th - October 24th, 2020 Opening: September 10th, 11 am-8 pm

Ort: GNYP bis: 2020-06-27

Künstler: Danica Lundy

Thema: The motion is ceaseless. There is a lot going on, everywhere: tiny details, menacing gestures, surrealistic choreographies. It seems like the whole world is compressed in these canvases, squeezed in so little space. The perspective keeps shifting and the eye can’t find a resting spot. What’s going on here? Hastily, we look for something, not yet knowing what. We engage with the possible meaning of these paintings – to no avail, at first. Maybe we need to look closer, or from a distance. There must be an answer; the clue might be lying somewhere – the ultimate interpretation for what looks like a dream, a hallucination, perhaps just an ordinary event –, it’s just a matter of finding it. But we stall. We feel claustrophobic, overwhelmed. And then the motion starts all over again. It wouldn’t be an exaggeration to say that Danica Lundy’s paintings try to embrace a whole culture. From her influences – ranging from Michelangelo’s sculptures to Kara Walker, TV series, and beyond – to her palette – with its radiance of darker tones –, that is, from her starting points and intentions to the form of her works, Lundy’s art is about our shared world in all its complexity. It seems that, if not everything, there’s a lot there: sexual tension, contemporary introspection, pop culture, the old masters’ tradition, and, obviously, art itself. Immersed in this uncontrolled whirlwind of references, Lundy faces them relentlessly, paying homage to all she encounters through her cunning technical expertise. Nothing is left behind; hence our wandering gaze. Nonetheless, even when the motion of colours, objects, and moods in Lundy’s paintings reminds us that our culture is made of constant tension; even when this tension unfolds in a suffocating fashion and it seems that there is no way out, then, at this very moment, the artist gives us a helping hand: right there, reflected in the shade of the desk lamp we see her, painting, in complete control of the situation, apart in her own world. A world that is also our world, in all its chaos, confusion and beauty. We are in this together. Broadly speaking, there are two types of artistic practice. On one hand, there are works whose ultimate purpose is to remind us of the gruesome reality around us, works whose premise is to wake us up through shock. Such was the poetics of, among others, the Dada movement. On the other hand, there are artistic practices that tries to make us forget about the outside world by pushing us for a hedonistic plunge into the endless world of colours and sublime attractiveness. Think of Yves Klein, for instance. There is, however, a third way, a mixture of these two tendencies. It operates by showing us that however strange, there is interesting – and even beautiful – things in our everyday struggles. It brings awakening through stunning detail and gorgeous formulations, not by violent thuds (although that may arouse at some point). That’s where Danica Lundy’s work is situated. The hint provided by her paintings, if there is ever one, is that beauty and madness and the menacing rhythm of our contemporary world are intertwined. By accepting the chaos, we accept our condition, as depicted in these canvases. by João G. Rizek

Ort: GNYP bis: 2020-03-07

Künstler: Umut Yasat

Thema: We are excited to invite you to the opening of our next exhibition with Umut Yasat (b. 1988), a German artist with Turkish background. To contemplate the work of Umut Yasat is to contemplate a paradox, or indeed a few. To begin with, though we see several structures in this exhibition – the artist’s very first solo show –, all of them are part of a single, unique work: Der Stapel, or The Stack (always in singular form), each divided by a number. An ongoing and robust project initiated in 2014 and intended by Yasat (b. 1988) to be kept until the end of his life, Der Stapel is formed, as the artist puts it, with what life gives him, whether they are objects filled with feelings or completely trivial leftovers. What he seeks when he piles them together is an exploration to their inner personality through a radical change of their inner meanings, even an access to their inner beauty – a way to access eternity through what is most transitory. Time is not only what we need to properly absorb the several details in Der Stapel. Time is what they are all about. But appearances can be deceiving. These awkward assemblage of materials, scattered pieces from ordinary life – such as plastic items, pieces of furniture, cardboard, drawings, maps, wheels, sheets of paper from the artist’s analog and digital mailbox, old electronic systems, and much, much more –, although seemingly incongruent, these hectic structures are, in fact, governed by a very solid idea, one that betrays the first impressions that one may have at first glance. In the midst of all the chaos formed by the clashing of materials one finds a well-designed composition, something established by an artist very acute to his own beliefs and aesthetic principles – in Umut Yasat’s work, the anarchic surface betrays a solid principle. Limited by the artist own height and controlled by a series of calculations conceived to lay them mobile – integrating the base to the structure, mediating it to the rest, thus continuing a tradition established by Brâncuși almost a century ago –, the meticulousness of the construction of Der Stapel, with its clear balance, brings to mind the verse by Stefan George: “Höchste Strenge ist zugleich höchste Freiheit”, highest rigor is at the same time highest freedom. For an artist as Yasat, accustomed with paradoxes, for someone who knows that art, as life, is full of ambiguities and sharp edges, nothing more natural than having a painter – not a sculptor – as a role model. Roman Opałka (1931 – 2011) inspired Yasat with his series 1965/1-∞, in which the Polish- French artist intended to visualize the continuum of time by counting on canvas, writing it down numbers from one to infinity, throughout his life. A project inevitably destined to fail, it nonetheless proved that however imperfect or chaotic, nonsensical and sometimes violent, life is about the process, not properly the final result, and art rings more powerfully when it acknowledges this, when it strives to organize what cannot be organized, as does Yasat’s Der Stapel. Once again, for an artist accustomed with paradoxes, it probably wouldn’t sound false to call these curious structures self- portraits. Of Umut Yasat and of our time. J.G. Rizek Umut Yasat (b. 1988) lives and works in Karlsruhe, Germany. Between 2009 and 2015 he studied in the Staatliche Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe with Gustav Kluge, Jonas Burgert and Marcel van Eeden. He started to work on Der Stapel in 2014. At first this process encompassed tiding all of the artist’s previous works together and then it evolved into the agglomeration of not only works of art but also several everyday objects - both meaningful and trivial. Yasat works on these sculptures until they reach his own height and to him they present a way to visualize time.

Ort: GNYP bis: 2019-12-21

Künstler: Larissa Bates;

Thema: We are excited to invite you to the opening of our next exhibition with the American artist Larissa Bates (1981, born in Burlington, USA). In her elaborate small-scale paintings she often deals with her Caribbean heritage and inquires into social functions of families and the role of women in creating identities. Join us on October 25, 2019 from 6pm to 9pm.

Ort: GNYP bis: 2019-12-21

Künstler: Polina Barskaya

Thema: We are excited to invite you to the opening of our next exhibition with the American artist Polina Barskaya (1984, born in the Ukraine). Her psychological self-portraits, sometimes rendering her alone, sometimes with her partner, explore the intimacy of private domestic space. Join us on October 25, 2019 from 6pm to 9pm.

Ort: GNYP bis: 2019-10-20

Künstler: Habib Farajabadi

Thema: GNYP Gallery is delighted to present the new solo exhibition „Monotone“ with works by Iranian artist Habib Farajabadi. It’s his second solo show at Gnyp Gallery which focuses on a new series of his artistic experiments. The opening will take place on September 6th, 2019 from 6 to 9 pm in our gallery space at Knesebeckstraße 96 in Berlin. The exhibition can be viewed till October 20th, 2019. Habib Farajabadi lives and works in Tehran, Iran. In „Monotone“ he explores abstraction mainly through painting with acrylic on linen, where the color white is always present on colorful soft backgrounds. In his new works the artist plays with different lines, which are forming to geometrical figures or giving the observer impressions of scratches or marks. Farajabadi’s work has been exhibited in Germany, Iran, United Arab Emirates, Sweden, Switzerland, Italy and USA.

Ort: GNYP bis: 2019-08-10

Künstler: Wycliffe Mundopa, Gresham Nyaude

Thema: GNYP Gallery is delighted to present the new group exhibition Day & Night with works by Wycliffe Mundopa & Gresham Nyaude in our gallery space at Knesebeckstraße 96 in Berlin. The opening will take place on July 05th, Saturday, from 6 to 9 pm. The exhibition can be viewed till August 10th, 2019. The African artists Wycliffe Mundopa and Gresham Tapiwa Nyaude, who are both living and working in Zimbabwe, reflecting in their colorful expressive paintings on the impact of their environment, which confronts the viewer with topics such as poverty, violence, prostitution and social classification of people. Even if both artists have similar themes, they approach them differently: Mundopa’s artworks focus on the dynamic lives of African women and their different roles in conflict between tradition and modern life as well as children, who become adults early on because of economic burdens. Nyaude’s figures resist a concrete characterization and identity. His images oscillate between figuration, abstraction and hallucination. Mundopa’s and Nyaude’s work has been widely exhibited throughout their hometown, as well as South Africa, Australia and the UK, USA, Hong Kong, Australia, France, Germany and The Netherlands and many others.

Ort: GNYP bis: 2019-05-25

Künstler: Brian Harte

Thema: GNYP Gallery is delighted to present the new solo exhibition „X will mark the place“ of Brian Harte in our gallery space at Hardenbergstraße 9 in Berlin. The exhibition will start on April 25 (opening from 6 to 9 pm) and continue till May 25, 2019. The artist will be present at the opening. The Irish artist Brian Harte embeds his paintings in highly prosaic situations and everyday environments. The banal settings of his works help to draw full attention to the image created withpaint, which immediately evokes both the technical sophistication and burden of a centuries-old artistic tradition. Harte is aware of its grand history: He deliberately plays with traditional ingredients to create an environment in which painting can develop further. In a tongue-in-cheek manner, his paintings recall the modernist investigation of the specific characteristics of the medium, but also seduce on an emotional level and do their best to shamelessly entertain a contemporary audience. They resemble picture puzzles full of art-historical tricks and tropes, which play out before our eyes—without ridicule or irony, but certainly with an intention. Brian Harte was born in 1978, in Co. Tipperary, Ireland. He studied painting at the Crawford college of Art, Co. Cork, graduating with honours in 2002. Since then he has exhibited his work both nationally and internationally. Currently his work is shown in a group exhibition at Kunstmuseum Wolfsburg.

Ort: GNYP bis: 2019-04-20

Künstler: Katherina Olschbaur

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of the solo exhibition of Katherina Olschbaur The Divine Hermaphrodite at Hardenbergstr. 9, 10623 Berlin. The opening will take place on March 16, between 6 and 9 pm. The artist is present.

Ort: GNYP bis: 2019-03-10

Künstler: Zachary Armstrong

Thema: GNYP Gallery is delighted to present a solo exhibition of artist Zachary Armstrong. The opening reception will take place on January 18 from 6 - 9 pm at Hardenbergstraße 9, 10623 Berlin.

Ort: GNYP bis: 2019-03-10

Künstler: Ursula Reuter Christiansen

Thema: GNYP Gallery is delighted to present a solo exhibition of artist Ursula Reuter Christiansen. The opening reception will take place on January 18 from 6 - 9 pm at Knesebeckstraße 96, 10623 Berlin.

Ort: GNYP bis: 2018-12-30

Künstler: Otto Ford

Thema: Für Otto Ford (*1978) wurde zunehmend offensichtlich, dass in der zeitgenössischen Malerei längst nichts Neues mehr geschieht. In aktuellen Werken beobachtete er nur Wiederholungen von Malstilen und die Wiederkehr zu Ästhetiken und Techniken der Vergangenheit. Doch motiviert durch seine anhaltende Faszination für die Malerei und ihre Bildsprache, begann er, Studien über das Wesen der Bilder allgemein anzustellen. Seit dieser intensiven Feldforschung hat sich bei Ford eine Idee konkretisiert, zu einer eigenen und neuen Bildsprache zu finden. Vor dem Hintergrund jener erarbeiteten Kriterien sammelt er Bilder jeglicher Art und insbesondere Details intensiver Farbwirkung, die er auch Anomalien nennt. Aus diesem vielseitigen Archiv von Extrakten fügt Ford schließlich eine Auswahl zu einem brushstroke – einem bunten, digitalen Pinselstrich – zusammen und schafft daraus die Grundlage seiner farbgewaltigen Gemälde. Um seinem Anliegen nachzukommen, die Sprache der Malerei neu zu denken, schöpft er dabei aus dem vollen Potential der Möglichkeiten, die der Computer eröffnet, und führt so die längst alltäglich gewordenen Neuen Medien in den Entstehungsakt der Malerei ein. Denn die Frage, die Ford und letztlich alle Künstler, die ihre Gattung zu revolutionieren versuchen, bewegt, lautet: Was kann Malerei noch sein? Dennoch scheint zunächst bei der Betrachtung von Fords Bildern die Frage berechtigt zu sein, ob es sich dabei überhaupt um Malerei handelt. Denn schließlich könnte man sie schlicht als Drucke computergenerierter Farbschlieren sehen. Aber muss Malerei aus auf Leinwand gepinselter Farbe bestehen? Sei es das Malen mit Lack, einem Spachtel oder der Auftrag von Gegenständen – innerhalb der Gattung gibt es bereits unzählige Variationen, die von dieser Norm abweichen. Gemein haben die verschiedenen Formen der Malerei aber, dass sie ein Bild, sei es ein Mentales oder etwas Gesehenes, auf ein neues (zweidimensionales) Medium überführen. Dies sind genau dieselben Fragestellungen, die auch Ford beschäftigen. Bei seiner digitalen Herangehensweise führt er denselben so charakteristischen Gestus des Pinselstrichs aus, der für unser Verständnis der Gattung prägend ist, lediglich die Materialien sind andere. Das Ergebnis ist ebenso ein reales, physisches Objekt wie ein klassisches Gemälde. So spielt Ford mit unserem gewohnten Verständnis von Malerei. In einer fast perfekten Illusion erzeugt er etwas, das wie Farbe aussieht und wirkt, nur keine ist. Es ist letztlich ein sowohl konzeptioneller wie ästhetischer Ansatz, mit dem sich Ford der Wiederbelebung der Malerei auf ganz neue Art und Weise nähert. Zudem ermöglicht Ford die Arbeit mit dem Computer, Bildmaterial verschiedenster Arten miteinander zu verschmelzen. Ob Fotografien, Schnappschüsse, andere Gemälde und Kunstwerke, Gefundenes oder Selbstgemachtes – die Farbextrakte verbinden sich in Fords Gemälden zu Mixturen, die mehrere Dimensionen einschließen. Neben den Farben sind es damit auch Zeiten, Räume und Materialien, die darin kollidieren, verschwimmen oder ineinander aufgehen. So kann es sein, dass sich das Fragment einer N.A.S.A.-Aufnahme des Universums direkt neben einem goldenen, verwaschenen Ausschnitt van Goghs Nachtcafés versteckt. Meist jedoch verbergen sich die Farbursprünge in ihrer Abstraktion. Darin wiederum spiegelt sich Fords Blick auf die Welt, die er selbst als abstrakt versteht. Wie die zusammengefügten Bildextrakte seiner Arbeiten auch, ist unser Leben auf der Erde niemals in allen seinen Einzelheiten greifbar. Will man es erfassen, löst es sich auf in ein Feuerwerk verschiedener undefinierbarer Details. Jede von Fords Arbeiten bildet damit seinen eigenen kleinen Kosmos. Sie sind Universen aus Bildern, Bilder aus komplexen Bildwelten. Klara Niemann

Ort: GNYP bis: 2018-12-30

Künstler: Joep van Liefland

Thema: GNYP Gallery is delighted to present the solo exhibition of artist Joep van Liefland. The opening will take place on October 26 between 6 and 9 pm at Hardenbergstraße 9, 10623 Berlin. The artist will be present as well. What does a history of looking look like? Our transcendental aspirations have always sought refuge in a promise, one forever delivered throughout time in a different bottle with the same wine, one hoping to hold our collective gaze in unison. Oh the quest for our minds. Art in its aboriginal function has always been a vehicle for spirituality. From cave paintings to Renaissance frescoes, grandiose promises of Socialist Realism morphed into the fleeting chase of Capitalism’s dream; the institutionalization of religion, in its various forms, is always delivered through imagery. Like moths to a flame, the moving image of television, cinema and the augmented seeing of smartphones draws us ever closer to a reality we will never quite grasp however our faith is acutely tuned towards pursuing its being. The artist Joep van Liefland has marooned himself on a desert island of his own design. His world is one of decrepit nostalgia found in the dumpsters of video stores obsolesced like rotten teeth. Blockbuster and Hollywood Video, Betamax and Video 2000, are names that resonate like lost battles of cultural entropy. The artist’s studio is a totemic chamber of spoils, artifacts and life- size dioramas; an immersively slippery research that shows someone who is part hoarder and part archivist, part anthropologist and part crank. His approach is as forensic as it is fetishistic. His product is religious. Liefland has gone down a rabbit hole of specificity and re-emerged with a cosmology of technological evangelism for a time passed but a feeling still deeply felt. The 80s afterall are a high calorie moment for consciousness, a comfortingly seductive bubblegum for the mind. Just seeing the rich spectrum of Hollywood b-movie images adorning the tens of thousands of rental boxes is a lexical Rosetta. Imagining the myriad hands, VCRs, lives, and eyes that felt them, collapses time itself into a clear meta-moment. Precarious stacks of VHS boxes cast in bronze make the piles of actual plastic ones nearby feel like a methodical house of cards, a world-building for lost memories. Touch the screen. Will it bend inward and finally let you in? The bubbling fuzz of television snow with its shrill scream of white noise mesmerizes like a Siren. It is the purest Nothing, an awkward zen of absence and the moment beyond the edge where no imagery exists. It is here where this cathode ray tube offers a spooky gateway. The eye challenges itself to see. It knows it’s there. Could there be an inherent spiritual value to RGB? Red + Green + Blue = Light. Is it possible that this alchemist of light, this medium for channeling contains a reference to something archetypal, a universal aesthetic experience? A beyond? One of the fundamental points for defining our generational divides in terms of visual culture is those who understand an image as something created through light and those who know it as a rendering of data. There is also a transitional group who came from the analogue and adapted into the digital, an “Analogital” group. Many of us are still tuned to the spirit found in the wide spectral frequency of analogue light and images created through it simply because it is natural. Digital light works at a fixed frequency, one that is colder and allows for no spiritual interference. You know what I’m talking about. The spectrum of variation in Liefland’s newest series of RGB paintings aggresses the retina with a vertiginous moray. Looking occurs in a limbo state. Your eye never fully resolves the image and therefore time itself slows. Your body reacts and tingles with a feeling a not-knowingness. The nutritional value is found in this zen state of not knowing what the image is but more what you believe it can be. Your mind scratches to tune the frequency. With a cocktail of three pure colors, black and white are negated, metabolized into a union of opposites. It offers a place where extremes are reconciled to open a pathway into the mind. You can stare forever into this representation of light, this filter for consciousness, always looking to see. Aaron Moulton

Ort: GNYP bis: 2018-10-21

Künstler: Irvin Pascal

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of the solo exhibition: „The Sweetest Taboo“ by Irvin Pascal at Knesebeckstrasse 96, 10623 Berlin. The opening will take place on September 8, between 6 and 9 pm.

Ort: GNYP bis: 2018-10-21

Künstler: Flurin Bisig, Habib Farajabadi and Umut Yasat

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of the group exhibition: 3x Sculpture with works by Flurin Bisig, Habib Farajabadi and Umut Yasat at Hardenbergstr. 9, 10623 Berlin. The opening will take place on September 8, between 6 and 9 pm.

Ort: GNYP bis: 2018-08-03

Künstler: Ursula Reuter Christiansen, Louis Fratino, Kate Groobey, KOAK, Marlene Steyn and Fleur Yearsley.

Thema: GNYP Gallery is delighted to present the group exhibition Desires, presenting the artists Ursula Reuter Christiansen, Louis Fratino, Kate Groobey, KOAK, Marlene Steyn and Fleur Yearsley. A strong feeling of wanting to have something or wishing for something to happen. Desire is a sense of longing or hoping for a person, object, or outcome. The same sense is expressed by emotions such as "craving". When a person desires something or someone, their sense of longing is excited by the enjoyment or the thought of the item or person, and they want to take actions to obtain their goal.  A little bit more about the artists: Ursula Reuter Christiansen was born in Trier, Germany, and lives and works since 1969 in Denmark. There she was an active participant in the feminist movement and social critique prevalent in the 1970s, and she also invested her political commitment in her art. Louis Fratino was born in 1993 in Annapolis, USA and lives and works in New York. Kate Groobey was born 1979 in Leeds, UK, and works nowadays between London and Paris. She attended the Ruskin School of Drawing and Fine Art at Oxford University, graduating in 2000 with her BFA. KOAK (born in 1981) lives and works in San Francisco, California. Marlene Steyn was born 1989 in Stellenbosch, South Africa and lives and works in Cape Town. Fleur Yearsley was born 1990 in Manchester and lives and works in London, UK.

Ort: GNYP bis: 2018-07-28

Künstler: Ecaterina Vrana

Thema: Das Werk der rumänischen Künstlerin Ecaterina VRANA (geb.1969 in Konstanza, Rumänien) richtet sich an "la petite histoire" der eigenen Existenz und erscheint zugleich wie eine Bibliothek der Vergangenheit, in der sich einzelne fragmentarische, kaleidoskopische Details aus der Erinnerung wiederfinden. Dieses Wiederbeleben findet im Rahmen einer subjektiven Spontaneität statt, ganz ohne eine angestrebte Dramaturgie. Ecaterinas großformatige Gemälde sind Gegenstand subtiler Beobachtungen und beanspruchen damit die Umdeutung von einer von Krankheit gekennzeichneten Vergangenheit zu einem Plädoyer der Freude des Lebens. Inspiration folgt so aus eigenem Leben statt Theorie. Wie Ecaterina selbst sagt: "Ich bin diejenige, die durch Schnee, durch Luft, durch Grass, durch die Wolken geht... stark und am Ende stehe ich da als Gewinnerin. Die Tränen aus meinen Gemälden sind Tränen der Freude und ich wünsche mir, dass die Menschen, die sie sehen, sich an dem Schönen des Lebens erfreuen. Jedes Einzelne meiner Gemälde ist ein Anfang ohne Ende“. Somit weinen die Figuren von Ecaterina Tränen wie in einem unendlichen Kreis des Lebens, die Traurigkeit von gestern, die Freude von morgen. Die Autoporträts zeigen sie als Mädchen, Geschöpfe mit blonden Haaren, in düsterer Landschaft, mit Sehnsucht geladene Kritzeleien auf dem Kleid wie in I’m missing my sixteens! (2017), oder, wie in zwei aktuelleren Bildern, entweder liegend auf einem unbequemen Bett in einem Brautkleid ähnlichen Gewand, das sie persönlich nie trug, oder mutig in einem tête-à-tête mit dem Betrachter, mit großen, stark konturierten Augen und herzförmigem Mund. Die Autoporträts sind Abbildungen einer ewigen Jugend, kein Zeichen des Welkens des Körpers lässt sich erkennen. Die Figur tut nichts, sie erscheint wie der Schatten ihrer Selbst. Die Statisten dieser malerischen Welt sind unbiegsam und schweigsam und wie durch eine Art von Zauber aus der Masse der Farbe beschworen. Nicht selten erscheinen sie zudem in einem zwillingshaften Tandem, Weib und Mann, ein Dualismus von Liebe und Hass, Gegenwart und Vergangenheit. Obwohl die meisten Bilder autobiografisch sind, entsteht ab und zu, wie in Ayșe (2017), ein soziokultureller Kontext, durch den die Künstlerin "eine unmögliche Liebe zwischen einem jüdischen Mann und einer muslimischen Frau“ zeigen wollte. Das Allgemeine, wie beispielsweise das fast allgegenwärtige Symbol des Kükens in Ecaterinas Werken, wird im Privaten verhandelt, als Element einer individuellen Mythologie - das Küken als obsessives, repräsentatives Motiv einer glücklichen Kindheit. Die niedlichen Tiere aus dem Garten Eden kindlicher Zeiten sind ihre Begleiter, Gefährten, wie sie aus ihrer Erinnerung entspringen. Die starren Charaktere von Ecaterina Vrana sind immer Protagonisten eines fast leeren Schauplatzes, der, wie in der chinesischen Sicht, der Ort wahrhaftiger Bestimmung wird. Die Anatomie der Figuren scheint nicht immer vervollständig zu sein - statt Füßen wachsen zierliche da Blumen, statt Armen wachsen Sprinkler. Ecaterina gelingt es, Gemälde mit einer emotionalen Aura zu schaffen. Das macht ihr Werk so stark. Sie schafft verarbeitete Abbildungen eines Ortes aus der Tiefe ihres Selbst, welcher sie immer wieder dazu auffordert, diesen Bildern Beachtung zu schenken... Wie Joseph Ringelnatz dichtete: Vorbei – verjährt –
Doch nimmer vergessen.
Ich reise.
Alles, was lange währt,
Ist leise.