GNYP

Ort: GNYP bis: 2025-02-28

Künstler: Wojciech Fangor

Thema: GNYP Gallery is pleased to present the fourth solo exhibition of the esteemed Polish artist Wojciech Fangor in Berlin. OPENING: 30. November 2024 / 4PM - 8PM Nudes, 1945 - 2010 will be on display from November 30, 2024 to February 28, 2025 and was mounted in close cooperation with the Fangor Foundation, which is currently completing the artist’s extensive catalogue raisonné. In the past few years, this combined activity has added to the understanding of the breadth of Fangor’s work. It has also proposed an inclusive appreciation of his experimentation across mediums and contrasting styles. The intention of focusing on his non-canonical work is not to diminish Fangor’s significant contribution to abstraction. Instead, it is to explore his oeuvre in the spirit of the artist’s own open-mindedness. An approach that no longer needs, for instance, to be limited to notions such as the abstraction/figuration divide of the Cold War era. It also gives more attention to the radically shifting cultural-political realities the artist faced and his variegated creative response. The motif of the exhibition suggests itself naturally, as Fangor drew and painted the human form continuously during his life. This was the case even while he was presenting his highly successful abstract work to exhibitions and for sale. By taking just a small section of his oeuvre as a case study, the implicit premise of Nudes is to consider the artist’s work as a vibrant, interwoven, contrasting, self-reflective whole. Instead of suggesting a heroic linear progression with a mid-point aesthetic climax, what emerges is a thoughtful and ethical artist in a long conversation about art and society. The pluralist oeuvre of Wojciech Fangor (1922–2015) reflects many of the artistic polemics and geopolitical upheavals of the past century. His reputation primarily rests on his innovative, abstract Modernist Op-art paintings that reached full maturity in his New York period in the 1960s. But considering Fangor’s long, transatlantic life and his diverse output, there is much more to excogitate. As a young man, Fangor had the benefit of traditional artistic training. During the Second World War in his birthplace, Poland, he received private tutelage from two much-admired art professors, Tadeusz Pruszkowski and, later, Felicjan Kowarski. Fangor found he could paint and draw whatever and however he wished and, as a result, his early works are full of confident stylistic sampling. Later, he would put his shape-shifting technical ability to good use in postwar communist Warsaw. It was not until 1958 that his celebrated spatial fuzzy-edged geometric abstract work emerged. But alongside this important body of work, Fangor continued to practice and develop his visual language in other ways as well. From the mid-1970s onwards, for example, came decades of playful postmodern re-figuring, quotation, and collage. Sensitive and talented, Fangor never ceased his engagement both with emerging art ideas and art history until his last day in the studio. Fangor took part in important exhibitions such as “The Responsive Eye” at MoMA in 1965 and opened a comprehensive retrospective at the Guggenheim Museum in New York in 1970. His works can be found in numerous important private and institutional collections worldwide. Excerpt from text by Dominic Eichler

Ort: GNYP bis: 2024-11-23

Künstler: Aistė Stancikaitė

Thema: GNYP freut sich die dritte Solo-Ausstellung von Aistė Stancikaitė an unserem Berliner Standort zu präsentieren. Die Arbeiten der in Berlin lebenden, litauischen Künstlerin, die sich zwischen Anonymität und sinnlicher Vertrautheit bewegen, rufen Gefühle der Sehnsucht und des Verlangens hervor. Trotz der detailreichen Figuration in Ihren Werken, erscheinen diese eher wie metaphysische Darstellungen der menschlichen Psyche. Die vorherrschende Dichotomie von extremem Realismus und Unerreichbarkeit wird noch verstärkt durch die bewusste Beschränkung ihrer Farbpalette auf Violett, Rot und Blau – wovon letzteres erst seit kurzem zu ihrem Repertoire gehört. Die Vernissage findet am Freitag, den 25. Oktober von 17 bis 20 Uhr in der Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin in Anwesenheit der Künstlerin statt.

Ort: GNYP bis: 2024-10-23

Künstler: Kaifan Wang

Thema: GNYP Galerie freut sich die erste umfassende Monografie von Kaifan Wang mit Essays von Xiaoyu Weng, Martin Herbert und Marta Gnyp am Mittwoch, den 23. Oktober vorzustellen. Angereichert durch die inhaltliche Auseinandersetzung mit verschiedenen persönlichen und globalen Themen konnte Wang in den letzten Jahren seine visuelle Sprache stetig weiterentwickeln. Durch die Kombination von östlichen und westlichen Techniken und Konzepten schafft der in Berlin lebende, chinesische Künstler Werke eine Dynamik in seinen Werken, die mitreißt und vor denen man sich als Betrachter*in verlieren kann. Anlässlich der Buchvorstellung freuen wir uns, die Performance Gold Amidst Dust von Shannon Walsh (Tanz) und Zhiyuan Lou (Guzheng) zu präsentieren, die gemeinsam mit Kaifan Wang auf der Grundlage einer Musikkomposition von Chang Xu konzipiert wurde. Mittwoch, den 23. Oktober, GNYP Galerie Berlin – 17:30 - 20 Uhr Aufführungsbeginn: 18:30 Uhr.

Ort: GNYP bis: 2024-10-19

Künstler: Maria Calandra

Thema: Die GNYP Gallery hat das große Vergnügen The Seasons Bend zu präsentieren. Die Einzelausstellung der in New York lebenden Künstlerin Maria Calandra , ist vom 12. September bis zum 19. Oktober 2024 in der Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin zu sehen. Für Maria Calandra sind Landschaften nicht nur Ausschnitte aus der Welt. Also nicht nur das, was man als organisierte Darstellung eines natürlichen Ortes - real oder nicht - bezeichnen könnte, die nach den von der Kunstgeschichte vorgegebenen Techniken wie Perspektive, Farbschemata, Tonwertkontraste und Linien erfolgt. Natürlich sind ihre farbenfrohen Leinwände tatsächlich Landschaften, aber sie zeigen nicht einfach Bäume, Seen, Berge oder Horizonte. Sie sind Darstellungen von etwas ganz anderem, das mehr empfunden als wirklich sichtbar ist. Calandras Landschaften sind nicht nur ein Ausschnitt dessen, was sie sieht - sie sind auch der Ausschnitt dessen, was sie fühlt. In ihrer zweiten Ausstellung mit GNYP Galerie Berlin zeigt Maria Calandra eine deutliche Entwicklung gegenüber ihrer letzten Ausstellung. Während sie damals, 2023, so eine eher geradlinige Darstellung von Landschaften präsentierte - die Horizontlinie zum Beispiel war ein identifizierbares und strukturelles Element, und jetzt ist sie praktisch verschwunden, integriert in den malerischen Wirbel - scheint sie diesen Bereich derzeit zu überschreiten. Dennoch gibt sie den Bezug zum Genre nicht völlig auf. Der Bezug zu Landschaftsdarstellungen in der gesamten Kunstgeschichte ist immer noch vorhanden und zeigt, dass Innovationen aus der ständigen Auseinandersetzung mit der Tradition entstehen und nicht, wie die Modernisten zu glauben pflegten, durch die bloße Zerstörung der Vergangenheit. In dieser Hinsicht wäre es ein wenig heuchlerisch, so zu tun, als wäre die delikate Angelegenheit einer Landschaft ein unbeschriebenes Blatt. Indem sie dies nicht tut, ist Calandras Verhältnis zur Geschichte des Genres sowohl eine ethische als auch eine ästhetische Haltung. Wenn man heute Landschaften malt, bedeutet das, dass man unsere Welt und unsere Geschichte wertschätzt. Aber was ist an diesen Landschaften anders? Erstens sind sie nicht nur malerische Darstellungen von Sinneswahrnehmungen wie Flüssen, Bergen, Bäumen, Himmel, Regenbögen und dem Horizont (die alle auf der einen oder anderen Leinwand in dieser Ausstellung zu sehen sind). Vielmehr sind sie Darstellungen einer anderen Zeit (daher übrigens auch der Titel der Ausstellung). Die zarte und stürmische Verschmelzung von Farben und Formen deutet auf die grundlegende Instabilität hin, die alles da draußen durchdringt. Alles biegt sich ständig in und aus sich selbst heraus. Vielleicht sind wir nur Zeuge des Wechsels der Jahreszeiten - was schon eine gewaltige Leistung wäre, etwas, das zuerst von Malern im Goldenen Zeitalter der Niederlande versucht wurde, als turbulente Wellen und Wolken eine solche Vorstellung zum Ausdruck brachten -, aber in der Kunst zählt gewöhnlich der Akzent, den man den Dingen verleiht. Maria Calandra setzt einen deutlichen Akzent auf die Dynamik, die alle Dinge miteinander verbindet. Es war nie nur eine Landschaft.

Ort: GNYP bis: 2024-06-15

Künstler: Kaifan Wang

Thema: Die Galerie GNYP hat das große Vergnügen Wade Through Until the Waters Blue zu präsentieren. Die Einzelausstellung des in Berlin lebenden, chinesischen Künstlers Kaifan Wang, ist vom 26. April bis zum 15. Juni 2024 in der Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin zu sehen. Ausstellungstext: Der große brasilianische Dichter Carlos Drummond de Andrade (1902 - 1987), einer der bedeutendsten Namen der lokalen Moderne, machte einmal eine Beschwerde zu seinem künstlerischen Programm. Er sagte, dass das „Modern-Sein“ sich als „langweilig“ herausstellte und ihm nichts anderes übrig blieb, als ohne Bescheidenheit „zeitlos“ zu werden. Neben der für diese Generation typischen Vorliebe für Wortspiele stechen zwei Dinge hervor. Erstens erkannte der Dichter, dass die Moderne in gewisser Weise ein historisches Phänomen war und sich ihre Kräfte irgendwann erschöpfen würden. Vor allem aber erkannte Drummond, dass die Moderne ein Konzept war, das nur auf bestimmte Orte anwendbar war, nämlich auf den europäischen Kontext. Die brasilianische Poesie und Kunst im Allgemeinen reagierte, wie sich herausstellte, auf andere Impulse und Anliegen. Letztlich sollte sie nach anderen Kriterien beurteilt werden, nicht nach denen, die anderswo gelten. Insbesondere sollte sie nach ihrer Zeitlichkeit beurteilt werden. Trotz der offensichtlichen Unterschiede scheint die Kunst von Kaifan Wang, die nun zum zweiten Mal in einer Einzelausstellung in der GNYP Gallery Berlin gezeigt wird, recht gut in diese Vorstellung zu passen. Die von Drummond aufgezeigten konzeptuellen Grenzen spielen auch in seinem Werk eine Rolle. Man sollte auf seine spezifischen Chiffren achten, um seine besondere Kraft besser einschätzen zu können, wenn man sich nicht in die Irre führen lassen will; Wangs Kunst ist das, wonach sie auf den ersten Blick aussieht, aber noch viel mehr. Die primäre Neigung seiner Leinwände - Werke voller kontrollierter und doch freier Gesten, subtiler und manchmal harter Farbkollisionen und ohne einen erkennbaren mimetischen Animus - ordnet sie in das ein, was wir als „abstrakte Kunst“ bezeichnen würden, eine der wichtigsten Manifestationen der Moderne im visuellen Bereich. Außerdem zeugt die schiere Größe einer Leinwand wie „Wading Through Water“, um ein Beispiel zu nennen, von einem der konsequentesten Ansätze der Moderne: dem utopischen Wunsch, die Welt zu umfassen, oder besser noch, die Welt in Kunst zu verwandeln. Ohne klare Grenzen ist es, als ob das Gemälde in den äußeren Bereich eindringt und uns in seine Räumlichkeiten hineinzieht. Dies war der Grund für die immer größer werdenden Leinwände, die Claude Monet (1840 - 1926) in seinen späteren Jahren malte. Keine künstlerische Analyse begnügt sich jedoch mit einer bloßen visuellen Annäherung. Während die Moderne für ihre Geringschätzung der Tradition berüchtigt war, geht Wang in seinen Werken eine sehr produktive und großzügige Beziehung zur Geschichte ein. In seinem Fall beziehen sich seine Gemälde auf Namen wie Zhao Ji (1082 - 1135), den achten Kaiser der Song-Dynastie, der für seine Gemälde und Kalligraphien berühmt war, die vor mehr als tausend Jahren entstanden. Die gleichen Dimensionen sind vorhanden, ebenso wie die Farbpalette und das erzählerische Gefühl, das auf eine Praxis hinweist, die alles in allem mehr als ein Klassiker ist - sie schwebt nahe an der Vorstellung des Ewigen/unsterblichen. Darüber hinaus finden sich am Ende des Spektrums Anklänge an die europäische Renaissance, die durch die spezifischen Farben, die Wang verwendet, spürbar sind. Die begrenzte chromatische Auswahl findet sich z.B. in einem Fresko (man denke an die verworfenen Farben an einer Kirchenwand) oder in der fließenden Unentschiedenheit zwischen Hintergrund und Vordergrund. Mit anderen Worten, ein Pigment dringt in das andere ein und interagiert mit ihm, wodurch eine ständige Bewegung entsteht, die durch die gebrochenen Kreise, Spuren und Umrisse, die der Künstler anlegt, hervorgehoben wird. Was sich hinter diesen Einflüssen verbirgt, ist in jedem Fall die Annäherung von Orient und Okzident durch die Anerkennung ihrer gegenseitigen und dynamischen Befruchtung. Jenseits von Plünderungs- oder gewaltsamen Eroberungsdebatten deutet sie an, wie Ideen integriert, verändert und weiter verbreitet wurden. Die Idee des kulturellen Rosinenpickens kommt auf. Wie viele der Titel der Gemälde andeuten, ist dies ein wichtiges Thema für Wang. Kirsche und Weide, so scheint es, drücken genau die Bedeutung von Freundschaft in verschiedenen kulturellen Kontexten aus, und erinnert uns daran, wie Ideen, die in einem Kontext entstanden sind, dann von einem anderen transportiert wurden, wie das Bild "Dames au Parasol", das der niederländische Künstler Cornelis Pronk um 1730 schuf und das als Motiv für das in Jingdezhen hergestellte chinesische Porzellan verwendet wurde, das von der Niederländischen Ostindischen Kompanie für den Handel in Europa bestellt wurde. Es wäre nur zu offensichtlich zu behaupten, dass Kaifan Wangs Gemälde Vergangenheit und Gegenwart, Osten und Westen zusammenbringen. Stattdessen, und das ist einer der zeitgenössischsten Aspekte seiner Kunst, verlieren solche Begriffe in seinem Werk ihre Anziehungskraft; ihre konzeptionelle Kraft erreicht nicht viel. Man muss keinen bestimmten Künstler oder Kanon kennen, um die schlichte Schönheit dieser Leinwände zu schätzen. Sie stehen für sich selbst, gleichgültig gegenüber Traditionskonflikten oder kritischen Huldigungen, und heißen uns in ihrer Welt willkommen, ohne zu urteilen - was heutzutage viel bedeutet. João Gabriel Rizek

Ort: GNYP bis: 2023-12-23

Künstler: Charlie Alston

Thema: Die Galerie GNYP freut sich, mit "Tonight Turns to Day" die erste Einzelausstellung des amerikanischen Künstlers Charlie Alston in Deutschland zu präsentieren, die vom 10. November bis 29. Dezember 2023 zu sehen ist. Mit Hilfe popkultureller Elemente aus Comics, Marken und Werbung untersucht Alston die verschiedenen Einflüsse, mit denen er in seinem Leben konfrontiert ist. Als Weltbürger, der vielen sozialen und kulturellen Narrativen ausgesetzt ist, setzt sich der Künstler konzeptionell und formal mit der Populärkultur im Allgemeinen auseinander. Er lässt sich unter anderem von Nachkriegszeitschriften über und für Afroamerikaner wie Jet inspirieren und schafft collagen-artige Gemälde, in denen Figuration und Abstraktion ineinander übergehen. Sein Interesse gilt der Schattenzone, dem Bereich, in dem die Unklarheit regiert und Bedeutungen Gestalt annehmen.

Ort: GNYP bis: 2023-11-03

Künstler: Kukika Adamson, Nyunmiti Burton, Umoona Collaborative, Yaritji Heffernan, Tuppy Goodwin, Sandra Pumani, Rhoda Tjitayi

Thema: Die GNYP Gallery hat das große Vergnügen, Sie zur Eröffnung von Our Country: APY Lands einzuladen, einer Gruppenausstellung mit Künstler:innen der First Peoples of Australia in Berlin, die vom 14. September bis 7. Oktober 2023 zu sehen ist. Start: Donnerstag, 14. September - 17-20 Uhr Mehr Informationen auf unserer Website Öffnungszeiten: Thursday 12:00 - 18:00 Friday 12:00 - 18:00 Saturday 12:00 - 18:00

Ort: GNYP bis: 2023-07-28

Künstler: Richie Culver, Umut Yasat

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Richie Culver & Umut Yasat: The Path of Least Resistance, which will take place on Friday, June 2, 2023, between 5 and 8 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin. Please find more information on our website

Ort: GNYP bis: 2023-04-15

Künstler: Rob Ober

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Life on a Pale Horse, the first solo exhibition of the American artist Rob Ober in Europe, on view from March 10 until April 15, 2023. The opening will take place on Friday, March 10, 2023, between 5 and 8 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin. At 7 pm the artist and the art historian João Gabriel Rizek will lead a walkthrough of the exhibition.

Ort: GNYP bis: 2023-02-25

Künstler: Maria Calandra

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Outskirts of Infinity, the first solo exhibition of the American artist Maria Calandra in Europe, on view from December 7 to January 14, 2023. The opening will take place on Friday, January 27, 2023, between 5 and 8 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin.

Ort: GNYP bis: 2023-01-14

Künstler: Kaifan Wang

Thema: KAIFAN WANG in conversation with Dominic Eichler Artist Kaifan Wang (b.1996) grew up in Hohhot, a predominantly Chinese city of around four million people and for millennia a gateway to the grasslands of inner Mongolia and beyond them, the fabled Gobi desert. Like other cities on trading routes, Hohhot still bears traces of cultural exchange and flows across ethnicities and religions. From a young age, Wang studied traditional Chinese painting before moving to Beijing, where he encountered contemporary art. In 2016, he moved to Berlin to further his studies and was at first unable to paint anything. But during the pandemic, he started painting anew. This time his head was full of questions and a new understanding of himself and the possibilities of the medium. In the led up to his debut solo exhibition ‘Whistling Dune’ (2022) at Gnyp Galerie, Berlin, the following exchange ensued. Dominic Eichler: ‘Whistling Dune’ is a great title. It has a mystic ring to it. I am reminded tangentially of writer Paul Bowles’ text ‘The Baptism of Solitude’ (1957) about experiencing the dunes of the Sahara. He wrote: “Here, in this wholly mineral landscape lighted by stars like flares, even memory disappears; nothing is left but your own breathing and the sound of your heart beating. A strange, and by no means pleasant, process of reintegration begins inside you, and you have the choice of fighting against it, and insisting on remaining the person you have always been, or letting it take its course.” Does your title have to do with where you are from? Kaifan Wang: I’m glad you like it. One day, when I was walking along the streets of Berlin, a gust of wind blew sand in my eyes. It was only slightly irritating, but it reminded me of uncomfortable childhood memories of sandstorms in my hometown. The oil painting The Sand Blew Into My Eyes I (2022), was inspired by these memories. Hohhot is a city with a long history, but you can hardly find traces of it now as urban development and new buildings undermine old legends and stories. I didn’t realise that the dust storms were natural disasters. I was just drawn to haze and the unknown. DE: Have you ever been to the interior grasslands or the desert? KW: I prefer the idea of deserts to grasslands. But actually I have always felt alienated from the natural environment, not only because I grew up in the city but also because I have allergies and dislike bugs. This also made me realise I am not a real Mongolian. I think that’s also why I like abstraction, because lot of things that I can’t experience or wish to talk about directly can be embodied in an abstract way. DE: Do you have any views about how much or how little you wish your biography to be part of the understanding of your art? Some artists prefer to leave their biography to one side or even make up stories and identities. KW: My works relate to my memories and life experiences. I hope to express a kind of struggle, reconciliation, and self-created sense of security through painting. My paintings often start with violent collisions, but are slowly covered and summarised by careful lines and moods. Some of the abstract figures in my paintings resemble the shape of dunes. The rhythm in my pictures is also often reminiscent of the wind, and the sound of the sand caused by the wind. I don’t want to presume to describe the wind; it has its own secret existence. When people ask me about my work, I feel like a cloud of dust. It is the wind that takes away the dust. The dust itself is passive. My work is inspired by where I grew up, the people I meet, and the books I read. They are the wind and I am the sand. DE: Can you describe your process to me? KW: To make the paintings in the exhibition, I used sponges as a painting tool. In the beginning, I cut up old mattresses. Some were left behind by other Chinese students who went home because of the pandemic. I also made some soft sculpture using these mattresses as material inscribed by the weight of their bodies (Wall Woodpecker series, 2022). Later I just used dishwashing sponges. I love the texture of sponges and the effect they produce. When they are full of water, they are soft and flow like painting with ink, and when they are dry, they can express the strength. I like vibrant colours like in Hindu imagery. For Mongolians, blue and white represent purity and holiness. Red, for me, represents a force. For scale, I choose a size that fits my work space and my body. I often combine different images on my iPad to test different colours before starting. I believe that art is created in a fragile balance between the spirit of the Dionysus, the God of wine and Dance, and the Apollo, the God of the sun. A painting itself is a crisis and uncertainty, so I have to first determine some objective conditions, such as size, colour, composition. 
 DE: How do your studies in traditional Chinese painting relate to what you do today? KW: Learning traditional Chinese painting and calligraphy is a process of imitation and repetition. I once studied Jackson Pollock and Cy Twombly’s work and compared it with the modern calligrapher Wang Dongling. Chinese and Western abstract paintings are completely different. The rational spirit of Western abstract art is to rebel against tradition, while Chinese art is always been passed down first and then developed. I find myself somewhere in the middle ground in terms of culture and identity. I have been thinking about simplicity and brutality as the most effective qualities to express this. Art is a great tool and channel for me to do this. I think the rebellious spirit of abstract art is necessary. My real distaste is anything that makes it too easy to get pleasure and satisfaction. Perhaps my latest work maybe isn’t as visually aggressive as other young painters like Daisy Parris or as provocative as Andi Fischer, but it has its own undercurrents. The act of painting carries resonances for me, including muscle memory. DE: Isn’t it true that everyone’s subjectivity entails hybridisation, irreconcilable parts, and cross-cultural flows not of our making? I’m not sure we can control this even if we wanted to... KW: I agree with what you said, we cannot determine cultural flows. Intercultural fusion and even cultural bullying are both inevitable. When I first came to Germany, I couldn’t paint and focused on other mediums. I also tried to understand how to make a ‘bad painting’ and use ‘dirty colours’ and looked at Postwar German painting. The most subversive notion for me was to Kaputt Machen – smash it all up. But lately, I have been just trying to relax. It is increasingly difficult to distinguish between what is ours and what is foreign. DE: Can you tell me about your interest in words and slogans? I know you have made an abstract wall drawing and some paintings that grew out of words, and I see your notebook on your desk is in constant use. Why does it say your name and ‘Friedhof’ on it? KW: I made it myself. I like to collect slogans, epitaphs, slogans and advertisements produced in different cultural and political eras with the same theme as the one I want to explore. In China, there are official slogans everywhere, declaring the core values proposed by the central government. In Berlin, instead we have graffiti, and handwritten venting on posters. I like the word Friedhof – cemetery. I was fascinated by Berlin’s cemeteries with trees and flowers right in the middle of the city. We don’t have this in China. I was scared of them. On the grave of a poet I found a sentence he wrote scribbled with a ball-point pen on the back of the tombstone ‘Auch Worte haben ihre Zeit… zu wissen, dass sie ein Mal da Dein werden, ist viel – Even words have their time... to know that they will be yours one day is plenty.’ I made a painting of it. Language and words can cause misunderstandings. I love the biblical description of the Tower of Babel. Even communication between people with the same mother tongue can lead to misunderstandings, let alone people of different languages. Amplifying this misunderstanding is like amplifying the differences between individuals. As William Kentridge said: ‘Long live the misunderstanding.’ Dominic Eichler is a Berlin-based freelance writer and musician. Since 1995, he has written about contemporary art for numerous international magazines, museums, institutions and galleries. In the 2000s, he was a contributing editor of frieze magazine. In 2005, he was awarded the German AdKV prize for art criticism. He is currently working on a novel, and a book of collected writings about art. 


Ort: GNYP bis: 2022-11-26

Künstler: Lizzy Lunday

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Not Quite Paradise, the first solo exhibition of the American artist Lizzy Lunday in Berlin, on view from October 8 to November 26, 2022. The opening will take place on Saturday, October 8, 2022, between 5 and 8 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin.

Ort: GNYP bis: 2022-08-27

Künstler: Ariane Heloise Hughes

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure in inviting you to the opening of Better Luck Next Time, the first solo exhibition of the English-Australian artist Ariane Heloise Hughes, on view in Berlin from July 23 to August 27, 2022. The opening will take place on Saturday, July 23, 2022, between 6 pm and 9 pm at Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin. The British-Australian artist Ariane Heloise Hughes describes her work as intricate, sensual, absurd. Appropriating often banal and unwittingly familiar narratives into a visual vernacular full of unusual and exaggerated forms, Hughes’ surrealistic depictions create a world that aims to draw the viewer in, engaging them in a process of active looking and contemplative thought. Through anachronistic objects and elements, distortions of scale and uses of colour, the artist usurps her reflections of now into ostensibly traditional and curious settings. By simultaneously drawing attention to the artifice of the image while presenting it as truth through naturalistic renderings, she is reflecting on the function of social media. Engaging deeply with the aesthetics and history of surrealism, Hughes’ paintings draw on and exaggerate the interplay between the real and the unreal. Hughes holds a BA in Painting from Camberwell University.

Ort: GNYP bis: 2022-07-16

Künstler: Aiste Stancikaite

Thema: GNYP Gallery gladly announces its second solo show with the Lithuanian, Berlin-based artist Aiste Stancikaite. The opening is taking place on June 9, 2022, between 6 and 9 pm.

Ort: GNYP bis: 2022-06-01

Künstler: Wojciech Fangor

Thema: OPENING: APRIL 28, 2022, 6-8 PM

Ort: GNYP bis: 2022-01-14

Künstler: Gina Beavers

Thema: Vielleicht kann man sagen, dass sich Authentizität und Exzess in Beavers neue Bildern für diese Ausstellung neu ordnen. Feststellen lässt sich eine Zunahme an kompositorischen Exzessen mit diversen Bildebenen, die sich miteinander verzahnen. Das, was sich dort verbindet, hat sich allerdings abgelöst vom fotografischen Quellmaterial. Vielmehr plündert die Künstlerin inzwischen den Motivschatz, der sich in ihrer mehrjährigen Maltätigkeit angesammelt hat. Couches, Sneakers, Lippen, aber auch Nägel oder ein Albumcover der neuseeländischen Band Broods werden wechselseitig miteinander gekreuzt oder ineinander verschachtelt, wodurch sie als persönliche Chiffren funktionieren. Diese Chiffren stellen einzelne Bilder mit anderen Arbeiten der Ausstellung ebenso in Korrespondenz wie mit älteren Bildern von Beavers, in denen sie anders phrasiert und kontextualisiert wiederkehren. In gewisser Weise funktioniert jede dieser Chiffren wie das ‚Ich’ in Autofiction: Es dreht, wendet, wandelt und bricht sich, bleibt aber dennoch eine mysteriös wandelbare Entität. Moritz Scheper

Ort: GNYP bis: 2022-01-08

Künstler: Christopher Hartmann

Thema: Christopher Hartmann I I Will Heal Eröffnung, November 13, 16-20 Uhr

Ort: GNYP bis: 2021-10-30

Künstler: Susumu Kamijo, Koichi Sato

Thema: GNYP Gallery has the great pleasure of inviting you to the opening of Nobunaga 02, the two-person exhibition of the New York-based Japanese artists Susumu Kamijo and Koichi Sato in our gallery rooms in Berlin. The opening will take place on Friday, October 8, 2021, between 3 pm and 7 pm at the Knesebeckstr. 96, 10623 Berlin, in compliance with the current distancing and hygiene regulations. Susumu Kamijo will be present at the opening. An artist talk will be held at 6 pm.

Ort: GNYP bis: 2021-10-03

Künstler: Kate Pincus-Whitney,

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce the first solo exhibition of the American artist Kate Pincus-Whitney in Berlin. Kate Pincus-Whitney intermingles in her art the three basic human needs: food, security, and love, something she came to envision through her upbringing in which the kitchen, as a physical and emotional space, played a very important role. In her canvases, the many symbols attached to sharing a meal and to the theater of the dinner table are mobilized to establish a colorful and dense relationship with contemporary concerns of cultural identity. At the same time, by doing this, Pincus-Whitney places her work in a dialogue with the long tradition of representation and meaning of food in the history of art. The exhibition will open on September 3 from 3pm to 7pm, and be on view until October 3, 2021. A second opening coinciding with an Artist Talk will take place on September 18, 2021.

Ort: GNYP bis: 2021-06-12

Künstler: Jocelyn Hobbie

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce the first solo exhibition with the American artist Jocelyn Hobbie. Showing recent paintings and works on paper, the exhibition opens on Thursday, April 29th, 2021, and is on view until June 12th, 2021. If you are planning to join us for the opening or to visit the exhibition later on, please contact the gallery via E-Mail to book an appointment. Visitors must present a negative COVID-19 test issued within the last 24 hours, and wear an FFP2-mask, in line with the Berlin Senate regulations.

Ort: GNYP bis: 2021-04-24

Künstler: Alexandra Karakashian

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce its first solo exhibition with the South African artist Alexandra Karakashian. The exhibition unfolding pause is on view from March 20th until April 24th, 2021. Alexandra Karakashian was born in 1988 in Johannesburg, South Africa, and is currently based in Cape Town. She works mainly with paintings, or with sculptures and installations made from deconstructed, unframed paintings. Painted canvases and cloths are presented in surprising ways, sometimes unsupported, framed in reverse or transformed into a sculpture or installation. In consideration of the current pandemic regulation the gallery reopens for the public from March 9th, 2021 by appointment and in compliance with the current distancing and hygiene regulations.

Ort: GNYP bis: 2021-03-06

Künstler: Otto Ford

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce the second solo exhibition with the British artist Otto Ford in our gallery. The exhibition Geoponika is on view from February 13th until March 6th, 2021. In consideration of the current pandemic regulation the gallery is currently closed and hopes to be open again for the public any time soon in compliance with the current distancing and hygiene regulations. Before that the exhibition can be viewed online on our website.

Ort: GNYP bis: 2021-03-06

Künstler: GNYP Gallery is delighted to announce the first solo exhibition of the Swiss artist Flurin Bisig in our gallery. The exhibition can be seen on our website from Saturday, January 23rd, 2021 and will be on view until Saturday, March 6th. In consideration of the current pandemic regulation the gallery will be open again for public from Tuesday, February second, 2021, in compliance with the current distancing and hygiene regulations. If you are planning to visit, don’t forget your mask, so we can ensure a pleasant and safe stay for everyone.

Thema: GNYP Gallery is delighted to announce the first solo exhibition of the Swiss artist Flurin Bisig in our gallery. The exhibition can be seen on our website from Saturday, January 23rd, 2021 and will be on view until Saturday, March 6th. In consideration of the current pandemic regulation the gallery will be open again for public from Tuesday, February second, 2021, in compliance with the current distancing and hygiene regulations. If you are planning to visit, don’t forget your mask, so we can ensure a pleasant and safe stay for everyone.

Ort: GNYP bis: 2021-02-26

Künstler: Denis Savary

Thema: Es ist interessanter, einen Apfel auf dem Mond zu finden als einen Mondstein. Die subtile Absurdität dieses Satzes, den der deutsche Komponist Karlheinz Stockhausen formulierte, könnte man als bloße Albernheit abtun. Ohne zu ahnen, dass er sich als Komiker ausgeben wollte—immerhin war er ein Leben lang ein Theatermann—hatte Stockhausen wahrscheinlich den Wunsch, das Vertraute in unbekanntes Terrain einzubringen, es mit ihm kollidieren zu lassen und so etwas Unerwartetes zu schaffen, eine Haltung zu aktualisieren, die man am ehesten mit den Surrealisten verbindet. Es wäre nicht zu weit hergeholt zu behaupten, dass Denis Savary (geb. 1981), der seine erste Einzelausstellung in der GNYP Gallery präsentiert, mit seinen Mitteln und unter dem Druck unserer Zeit in derselben Tradition steht. Allerdings sind der Apfel und der Mond nicht mehr so leicht erkennbar wie zuvor. Die Ergebnisse wiederum können immer noch genauso faszinierend sein. Anfangs ist das Szenario, sei es bekannt oder außergewöhnlich, nicht mehr klar. Es bietet keinen Hintergrund mit einer klaren Logik, von der aus wir das Werk interpretieren können. Mit verschiedenen Materialien, von Stoffen über Metall und Blattgold bis hin zu Bio-Resin, verweist Savarys Werk auf mehrere Orte von nahezu allen Kontinenten und gleicht sie somit aus. Während zum Beispiel die vier "Hanoï"-Werke nicht nur durch ihren Namen, sondern auch durch ihre organischen Winkel, die sich wie unkontrollierte Flammen ausbreiten, einen deutlichen Hinweis geben, neigen andere Werke zu einem ambivalenten Verhältnis zur Geografie. Das ist der Fall bei "Öyvind", benannt nach Öyvind Fahlström, einem Multimedia-Künstler, der in São Paulo als Sohn skandinavischer Eltern geboren wurde. Die unheimliche Figur visualisiert das Zusammentreffen verschiedener Orte, Einflüsse und Traditionen mit verschiedenen Zeiten—hier durch das Tragen eines kitschigen Mantels und einer alten Gletscherbrille. Eine deplatzierte Mumie aus den Tiefen der Zeit. Andere Arbeiten folgen einer ähnlichen Logik, treiben sie aber noch weiter und eröffnen uns so, was wir aus ihnen ziehen können. Im Gegensatz zu seinem Zeitgenossen Frans Post, einem begeisterten Reisenden, hat Rembrandt wahrscheinlich nie einen Ameisenbären gemalt. Wenn man jedoch einen Ameisenbären nach dem großen holländischen Meister benennt, wie Savary es tut, dann verschiebt sich unser Bewusstsein für Geografie, Autorschaft und Geschichte und führt unser Verständnis dieser Dinge ebenfalls in unbekannte Gefilde. Ein Ameisenbär in einer Kunstgalerie? Der Raum, in dem dieses seltsame Tier vor uns erscheint, wird in Frage gestellt und bringt sowohl Institutionskritik als auch einige Überreste des Kolonialismus ins Gespräch, was auf ein anderes Interesse Savarys hinweist, nämlich die Idee der Moderne als Projekt, zusammen mit ihren Sünden, Mängeln und, so hofft man, ihren Versprechen. Während Tiere, die nach Künstlern benannt sind, einen kolonialistischen Beigeschmack tragen und zu einem Gespräch über das Zentrum und die Peripherie, das Etablierte und das Exotische, die Natur und die Künstlichkeit einladen, deutet die abgenutzte Concorde ihrerseits auf das Scheitern anderer Aspekte des modernen Projekts hin, nämlich seines technologischen Antriebs und seiner utopischen Arroganz. Statt auf die Kadaver oder Ruinen dieser modernen Embleme zurückzugreifen, präsentiert Denis Savary sie durch sanfte Verschiebungen. Indem er ihre Namen oder Farben ändert, macht er sich nicht nur Gedanken darüber, was schief gelaufen ist—die Concorde fliegt nicht mehr, und mehrere Ameisenbärenarten sind vom Aussterben bedroht—sondern vermittelt auch eine vielschichtige Darstellung, die vor allem das Scheitern einiger Vorhaben des letzten Jahrhunderts verdeutlicht. Allerdings nicht ohne sie auf ihre eigene Art und Weise auch schön zu präsentieren. Manchmal ist es eben interessanter, einen Frosch oder ein Flugzeug in einer Kunstgalerie anzutreffen, als in ihrem natürlichen Umfeld. João Gabriel Rizek