POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2020-01-11

Künstler: Heike Negenborn, Andreas Silbermann

Thema: Unter dem Titel „Landschaften“ zeigt die Galerie Poll erstmals Malerei und Zeichnungen von Heike Negenborn (*1964) und Andreas Silbermann (*1964). „Net-Scapes“ hat Heike Negenborn ihre jüngsten Arbeiten genannt, für die sie 2018 mit dem Pfalzpreis für Bildende Kunst in der Sparte Malerei ausgezeichnet wurde. Mit einem Gitternetz sind nach den Gesetzen der Zentralperspektive weite Ebenen und sanfte Höhenzüge konstruiert, darüber türmen sich mächtige Wolkengebilde, zufällig geformt durch Wind und Wetter. Die Landschaft scheint exakt und ganz objektiv vermessen. Tatsächlich aber wählt die Künstlerin ihren Standpunkt subjektiv, nach eigenen Vorlieben, und zwar en plein air, in freier Natur. Allerdings erinnern deutlich sichtbare Reste des geometrischen Gitters – den Schaltkreisen von Computerplatinen ähnlich – daran, dass hier vom Menschen geprägte, artifizielle Kulturlandschaften, etwa Weinberge, dargestellt werden. Diese Überformung durch die moderne Zivilisation betont die Malerin dadurch, dass sie ihre bis dato kräftige Farbpalette bis hin zur Abstraktion reduziert auf Schwarz und Weiß sowie die daraus gemischten Grautöne. Über dem meist sehr niedrigen Horizont treten ganz unterschiedliche Wolkenformationen hervor. Mit diesem Motiv knüpft Negenborn an John Ruskin an, der 1840 feststellte, dass „die moderne Landschaftsmalerei sich von der alten vor allem durch das Wolkenwesen unterscheidet“: Als Mitglied der „Cloud Appreciation Society“ sammelt die Malerin in ihrem eigenen Archiv Wolkenfotografien und kombiniert diese nach ästhetischen Gesichtspunkten ausgewählten Kamera-Bilder mit ihren zentralperspektivischen „Aufnahmen“ südfranzösischer oder südspanischer Landschaften. Mit dieser Arbeitsweise durchdringen sich Fotografie und Malerei, Realität und Illusion derart, dass sich der schnelle Blick des Touristen von vornherein verbietet. Mit ihren „Net-Scapes“ stellt Heike Negenborn die trügerische Gewissheit digitaler Medien infrage und löst ein, was Jürgen von der Wense (1894-1966) nach den Erfahrungen seiner „Wanderjahre“ forderte: „Jede Aussicht – und auch ein Gemälde – ist voller Rätsel. Für jedes Bild der Landschaft müssen wir die Lösung erst finden.“ Auch Andreas Silbermann verwendet als Grundlage seiner Landschaften Fotografien. Orte, die sein Interesse wecken, hält er mit der Kamera fest, um sie – oft Jahre später – zur Hand zu haben und in Malerei zu übertragen. In der Galerie Poll sind italienische Landschaften aus den Jahren 2016 bis 2019 ausgestellt. Landschaften, die durch den Alltag, durch Ackerbau, Wirtschafts- und Wohngebäude oder sonstige Eingriffe überformt wurden. Der Künstler nennt sie „Strange Places“. Häufig handelt es sich um topographische Konstellationen und Architekturen, die dem Durchreisenden nicht weiter ins Auge fallen, die als „trist“ oder „trostlos“ abgetan werden. Die am Auto- und Zugfenster vorbeiziehende Landschaft wird ebenso zum Motiv wie der nächtliche Himmel über einer einsamen Landstraße. In seiner Ölmalerei auf meist kleinformatigen Holztafeln gelingt es Silbermann, durch das Spiel der Farben Stimmungen und Licht so wiederzugeben, dass der Betrachter angezogen wird von Bildern jener Realität, die er im „normalen“ Alltag keines Blickes würdigt. Um zu betonen, dass es sich bei seinen Arbeiten keinesfalls um Illusionen oder die Ästhetisierung einer Ideallandschaft handelt, hat Silbermann anfangs die exakten Geodaten als Bildtitel verwendet. Heike Negenborn, geboren 1964 in Bad Neuenahr-Ahrweiler, Studium in den Fachgebieten Malerei, Design und Keramik am Washington College, Chestertown, Maryland, USA und Malerei und Druckgrafik bei Prof. Peter Lörincz an der Akademie für Bildende Künste Mainz, lebt und arbeitet in Windesheim. Andreas Silbermann, geboren 1964 in Wilhelmshaven, Studium der Malerei an der Hochschule der Künste Braunschweig bei Prof. Hermann Albert, lebt und arbeitet in Berlin.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2019-10-26

Künstler: Göran Gnaudschun

Thema: 6. September bis 26. Oktober 2019 Ausstellung im Schaulager bis 1. Februar 2020 verlängert! Eröffnung: Donnerstag, 5. September 2019, 18-21 Uhr Es spricht Bodo-Michael Baumunk (gegen 19 Uhr) Am 10. Oktober 2019 findet um 19.30 Uhr ein Künstlergespräch statt, geführt von Brigitte Werneburg. „Are You Happy?“ lautet der Titel der neuen Fotoserie von Göran Gnaudschun, die jetzt in der Galerie Poll erstmals mit nahezu allen Motiven ausgestellt wird. Begonnen hat Göran Gnaudschun die Arbeit 2017 während seines Villa Massimo-Stipendiums und bis 2019 für sie fotografiert. „Are You Happy?“ spielt in der östlichen Peripherie Roms, in Wohnquartieren, Industriegebieten und Brachen, in der Gegend rund um die Via Prenestina – eine der alten Konsularstraßen, die in der Antike das Römische Reich mit seiner Hauptstadt verbanden. Seit 1890 wurden ständig neue Gebäude in den östlichen Stadtvierteln errichtet, um jene Menschen aufzunehmen, die in Rom ihr Glück suchten. Kamen sie früher überwiegend aus Venetien und Sizilien, so sind es heute oftmals Bangladeschi, Afrikaner und Roma aus Südosteuropa. Junge, trendige Viertel gehen über in Wohngebiete für Angestellte, für Arbeiter und für Menschen, bei denen niemand weiß, wovon sie eigentlich leben. In Richtung Osten werden die Verhältnisse immer ärmer. Hochhauskomplexe, Investruinen, Problembezirke. Die antike Stadtmauer trennt die Peripherie vom Postkarten-Rom. Mit seiner neuen Fotoserie stellt sich Göran Gnaudschun die Frage nach Lebensraum und Lebenszeit. Die einfache Frage „Are You Happy?“ hat der Fotograf den Menschen, die er in ihrem Lebensumfeld porträtierte, nie gestellt. Er fotografierte stattdessen Häuser und Wohnblocks, Straßen und Brachen in Centocelle, Pigneto, Prenestino, Quarticciolo und anderen römischen Vororten; dazu zeichnete er ihre urbanen Grundrisse aus der Vogelperspektive. Aus dieser Kombination entsteht eine mehrschichtige atmosphärische Arbeit, die dem Betrachter das Lebensgefühl in den Vorstädten Roms vermittelt. Gnaudschun treibt in seinen Fotografien die Frage nach dem Dasein um: „Oft entsteht im Porträt zwischen mir und dem Gegenüber eine ungeahnte Nähe. Etwas ist für einen Moment vorhanden, das ohne Sprache auskommt. Es geht darum, wer wir sind. In der Offenheit meines Gegenübers spüre ich das Dasein des anderen, wenn auch nur für kurze Augenblicke. Diese sind kostbar wie das Glück, auf das man sich nicht verlassen kann.“ Göran Gnaudschun, geboren 1971 in Potsdam, studierte von 1994-2003 an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig bei Prof. Timm Rautert künstlerische Fotografie (Diplom) und Bildende Kunst (Meisterschüler). Er erhielt mehrere Stipendien und Auszeichnungen für seine Arbeiten, darunter 2013 das Arbeitsstipendium des Kunstfonds Bonn und 2018 den Brandenburgischen Kunstpreis. 2016-2017 war er Stipendiat der Deutschen Akademie Villa Massimo in Rom. Seit 2018 lehrt Gnaudschun an der Ostkreuzschule für Fotografie Berlin. Große Aufmerksamkeit erlangte er 2014 mit seinem Buch „Alexanderplatz“, einer Arbeit über junge, aus der Gesellschaft gefallene Menschen, über das die Neue Zürcher Zeitung schrieb: „So differenziert hat lange kein Fotograf (s)ein Thema behandelt.“ Seine Fotografien wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Institutionen und Museen in Berlin, Hannover, Frankfurt, München, Paris, Riga, Rom und San Francisco gezeigt und befinden sich in verschiedenen öffentlichen Sammlungen, u.a. in der Art Collection Deutsche Börse, Frankfurt am Main, der Berlinischen Galerie – Museum für Moderne Kunst, Berlin, und dem Folkwang Museum Essen. Göran Gnaudschun lebt und arbeitet in Potsdam. Noch während der Ausstellung erscheint im Oktober das gleichnamige Buch, das auch als Vorzugsausgabe erhältlich ist.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2019-08-03

Künstler: Danja Akulin, Peer Boehm, Ralf Kerbach, ORLANDO

Thema: 14. Juni bis 3. August 2019 Eröffnung: Donnerstag, 13. Juni 2019, 18-21 Uhr Der Journalist und Kunstkritiker Jochen L. Stöckmann wird zur Eröffnung ein Gespräch mit den Künstlern führen (gegen 19 Uhr) „Zeichnungen sind Handschriften, […] Tagebücher, Notate, Stilübungen, Annäherungen, wissenschaftlich, technisch oder einfach nur hingerotzt. Und Zeichnungen – das macht sie oft schwer zugänglich – geben Stimmungen wieder. Melancholie und Freude, Konzentration und Einsamkeit finden hier ihren unverwechselbaren Ausdruck.“ (Michael Glasmeier, Annelie Lütgens) Diese Unverwechselbarkeit des klassischen, sich stets erneuernden Mediums ist für die Galerie Poll Anlass, regelmäßig zeitgenössische Positionen der Zeichenkunst vorzustellen. Unter dem Titel „erinnern – träumen – zeichnen“ zeigen vier Künstler Zeichnungen und auch Radierungen aus den vergangenen Jahren: Danja Akulin und Ralf Kerbach werden seit vielen Jahren von der Galerie Poll vertreten, Peer Boehm und ORLANDO sind als Gastkünstler erstmals mit ihren Arbeiten zu sehen. Alle vier vereint ihre Passion für die Technik der Zeichnung, zwei von ihnen auch die für die Radiertechnik. Danja Akulin komponiert seine Zeichnungen entweder mit Bleistift und Graphit aus feinsten, filigran nebeneinandergesetzten Zeichen oder erarbeitet sie in grob malerischer Geste mit Kohle. Als Motive wählt er Wälder, Felder, Wolken und Wasser, verzichtet aber auf konkrete Titel, um neben der naturalistischen Darstellung auch das perfekt eingefangene Wechselspiel von Licht und Schatten zu betonen. Die Darstellung der Figur im Raum beschäftigt Ralf Kerbach seit langem. In seinen jüngsten Bleistift- und Tuschezeichnungen zeigt er den arbeitenden Menschen mit Bulldozer, Werkzeug oder Baumaterial. Mit leisem Humor verweist er auf dessen zunehmende Entfremdung, so bei „Arbeiter/ Gestalt“, wo der Arm in einzelne, röhrenförmige Glieder unterteilt wird. Auch Kaltnadelradierungen mit eindringlichen Selbstbildnissen aus früheren Jahren sind ausgestellt. Peer Boehms zentrales Thema ist das Erinnern. Kindheit, Familie, Herkunft sind ebenso wie manche Reiseerfahrungen in unserem Gedächtnis gespeichert als ungeordnete, oft schemenhafte Eindrücke. Dieses Bilderreservoir ruft der Künstler durch meist kaum DINA4 große Kugelschreiberzeichnungen ab. Die fotografischen Vorlagen werden stark reduziert, Boehms Bildsprache beruht auf diesem Prinzip der Aussparung. Mit dem grafischen Projekt „Sehnung“ (seit 2010) begibt sich ORLANDO auf den Weg, das Unendliche zu ergründen: Mehrere Radierungen – die Fragmente – ergeben ein wechselndes Wolkenpanorama. Die Zeichnung „Sehnung royal“ (2011-13) entstand während der Arbeit an den Fragmenten. In scheinbar unendlicher Zahl formen senkrechte, kleine schwarze Kugelschreiberstriche ein riesiges Wolkenbild.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2019-06-08

Künstler: Jenö Gindl

Thema: Im Zentrum der dritten Einzelausstellung von Jenö Gindl in der Galerie Poll steht eine 2018 entstandene Folge von Schwarz-Weiß-Arbeiten: Fotografien in der Technik der Kallitypie zeigen u.a. ein umgekipptes Glas, einen hochhackigen Damenstiefel, eine Telefonbox an einer Häuserwand oder eine Palme am Straßenrand, alle aufkaschiert auf transparentem Japanpapier, hinter dem der Keilrahmen als Kreuz durchschimmert. Kombiniert sind diese Motive mit Objektschildern bzw. Bildlegenden, wie man sie aus Ausstellungen oder Katalogen kennt: Titel, Entstehungsjahr, Maße und Herkunft des Kunstwerks sind vermerkt. Beide Elemente zusammen sind als „ein Bild“ wahrzunehmen, das keine vertraute Realität entstehen lässt, sondern den Betrachter mit Fragen konfrontiert. Gehören die Informationen auf den Objektschildern zu den darüber gezeigten Motiven? Welche Bedeutung haben die dort angegebenen Titel und Provenienzen? Weshalb wird die Konstruktion des Rahmens gezeigt? Jenö Gindl nennt diese Serie „Americans“. Dies könnte als Referenz an den berühmten Schweizer Fotografen Robert Frank gelesen werden, der in den fünfziger Jahren ein Guggenheim-Stipendium genutzt hatte, um die USA zu durchqueren und das Land in der Provinz, hinter den Hochglanzkulissen, zu erkunden. Seinen transparenten Tafeln stellt Gindl in der Ausstellung als Umkehrung weiße, blickdichte Leinwände gegenüber. Grob gerasterte Frauenporträts, durch weiße Streifen über einzelne Gesichtspartien anonymisiert und kombiniert mit Hashtags, wie sie in den sozialen Medien üblich sind: #girl, #immigrant; #gun, #fashion oder #terrorist. Bilder von Frauen sind mit Schlagworten der asymmetrischen Kriegsführung versehen: „Badly armed Enemy“, „Hostage“ oder „Target“. In der Serie „Oracle“ wird ein Frauenporträt viermal auf einer Leinwand montiert. Die Porträts weichen durch kleine Eingriffe minimal voneinander ab und spielen so mit dem Mythos der Fotografie als „authentischem“ Bild. Jenö Gindl schöpft für seine Arbeiten aus einem großen Fundus eigener Fotografien, nutzt aber ebenso Fremdmaterial, wie z.B. Filmstills. Alle ausgestellten Arbeiten beschäftigen sich mit der menschlichen Wahrnehmung, so auch die großformatige Palladiotypie „Twins“ (2015) mit dem Doppelbild von zwei Augenpaaren. Sie haben alles im Blick. Jenö Gindl, geboren 1962 in Göttingen, studierte Kunstgeschichte und Geschichte an der Freien Universität Berlin, bevor er an der Hochschule der Künste Berlin ein Kunststudium absolvierte, das er 1992 als Meisterschüler von Herbert Kaufmann abschloss. Schon während des Studiums begann 1989 seine Zusammenarbeit mit dem Göttinger Steidl-Verlag für besondere Buchprojekte in einer hierfür von ihm eingerichteten Lithographie-Werkstatt. Seit 1994 betreibt Jenö Gindl in Berlin ein Studio für Fotografie mit dem Schwerpunkt auf fotografischen Edeldruckverfahren. Zur Ausstellung erscheint eine Edition.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2019-04-20

Künstler: Sabina Grzimek

Thema: Unter dem Titel Sabina Grzimeks Welt. Menschen – Tiere – Landschaften stellt die Galerie Poll in ihrer achten Einzelausstellung Arbeiten aus verschiedenen Schaffensphasen der 1942 in Rom geborenen und im Berlin der Nachkriegsjahre aufgewachsenen Bildhauerin, Malerin und Zeichnerin vor. „Es geht mir nicht um Schönheit, ich gehe von der Wahrheit aus, vom Begreifen“, lautet seit vielen Jahren ein Leitsatz von Sabina Grzimek für ihre Arbeiten, für die sie die Themen vor allem in ihrem persönlichen Umfeld und Erleben findet. Hierbei möchte sie nicht nur Äußerlichkeiten abbilden. Ihre Motivation liegt vielmehr in der Auseinandersetzung mit dem Verborgenen, das nicht unmittelbar greifbar ist. Die zugleich ausdrucksstarke wie sensible Formensprache der Künstlerin steht in der Tradition von Bildhauern wie Wilhelm Lehmbruck, Marino Marini bis hin zu Alberto Giacometti und Germaine Richier und deren existentiellem Realismus. „Schaut man auf ihre Arbeiten, so stellt sich immer wieder der Eindruck ein, als ob man einem sichtbar gewordenen ‚Dahinter‘ nachgehen könne. Denn ihre Werke erscheinen feingliedrig, gefährdet, immer etwas aufgeregt, suchend – wie Windstöße, die plötzlich da sind, die in irgendetwas hineinwehen, um kurz darauf wieder der Stille den Platz zu überlassen“, so formuliert es der Kunsthistoriker Dr. Fritz Jacobi. Die Qualität von Grzimeks Werken resultiere aus der Behutsamtkeit ihrer Formungen und der Wahrhaftigkeit ihrer Anschauungen. Sabina Grzimek schloss 1967 ihr Studium der Bildhauerei an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee ab und war von 1969-1972 Meisterschülerin an der Berliner Akademie der Künste bei Fritz Cremer. Ihre Werke befinden sich in namhaften Sammlungen und Museen, darunter die Nationalgalerie Berlin, die ihr 1992 eine Retrospektive im Alten Museum ausrichtete. Die aus diesem Anlass im Berliner Lustgarten aufgestellte Skulptur Stehende und liegende Gruppe (1980-85) befindet sich heute auf dem Lützowplatz in Berlin-Tiergarten. Ferner stammen das Gerhart-Hauptmann-Denkmal vor dem Museum des Dramatikers und Schriftstellers in Erkner (1992), die Weinheimer Reiterin in der Fußgängerzone von Weinheim (1996) und das Bildnis von Mildred Scheel im Heidelberger Centrum für Tumorerkrankungen (2010) von ihr. Ehrungen durch Preise wie u.a. den Käthe-Kollwitz-Preis (1983) oder den Ehrenpreis des Ministerpräsidenten des Landes Brandenburg für ein Lebenswerk (2011) zeugen von der Anerkennung des Werkes von Sabina Grzimek, die als freischaffende Künstlerin in Berlin und Erkner lebt. Die Kunststiftung Poll hat mit Unterstützung privater und öffentlicher Förderer 2012 damit begonnen, die Skulpturengruppe Sieben Gesten des aufrechten Ganges (1996) von Sabina Grzimek auf dem Garnisonkirchplatz in Berlin-Mitte aufzustellen. Das Vorhaben wird am 14. März 2019 mit der Aufstellung der Skulptur Der Denker, gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, fortgesetzt.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2019-03-02

Künstler: Hermann Albert, Ulrich Baehr, Lambert M. Wintersberger

Thema: Ausstellung vom 19. Januar bis 2. März 2019 Eröffnung: Freitag, 18. Januar 2019, 18-21 Uhr Der Kunstdiskurs in West-Berlin war Ende der sechziger Jahre durch die amerikanische Hard Edge-Malerei, die Minimal Art und die Pop Art bestimmt. In ihrer Auseinandersetzung mit politischen und gesellschaftlichen Themen knüpften einige Künstler zur gleichen Zeit an die Werke eines John Heartfield oder George Segal an: Hermann Albert (*1937), Ulrich Baehr (*1938) und Lambert Maria Wintersberger (1941-2013) brachten diese kritische Tradition mit Elementen der damals aktuellen Pop Art zusammen. Pop & Politik zeichnet diesen Prozess mit Arbeiten der sechziger Jahre nach. Charakteristisch für die frühen Bilder von Hermann Albert (*1937) ist eine flächig betonte, stark farbige Figuration. Albert malt Frauen in verschiedenen Bewegungsphasen: Sie kleiden sich an oder aus, bewegen sich von hier nach dort, bücken sich oder richten sich auf. „In einer Welt des Gewöhnlichen versuche ich nichts anderes, als etwas Gewöhnliches zu zeigen.“ (Hermann Albert) In nebeneinandergereihten Bildtafeln verändert sich die Haltung der Figur nur minimal oder die Szenerie ist vor glattem, monochromem Hintergrund auf einer einzigen Bildtafel auf mehrere kleinere Flächenabschnitte komprimiert. Alberts Frauen, Posen und Momente sind in kühlen, leuchtenden Acrylfarben gemalt. Ulrich Baehrs sogenannte Historienbilder mit Titeln wie Fries für Liebhaber (1965), Sportpalast (1966), Stalin (1966), Le Genéral (1966) oder Neon Mao (1968) entstanden zwischen 1964 und 1968. Baehr führt die Diktatoren, Politiker und Machthaber auf seinen Bildern vor als „nüchtern distanzierte ‚Negative‘ der überlieferten und kolportierten Physiognomien und Rituale deutscher Macht und Herrlichkeit. […] Der heftige Pinselgestus zerfetzt die wohleinstudierte Pose zur Lächerlichkeit, reduziert den Pomp der Inszenierung zur dürftigen Staffage“. (Eckhart Gillen). Fotos aus Zeitungen und Illustrierten dienen ihm als Quelle, nicht aber als direkte Bildvorlage. Er löscht Gesichts- und Körperpartien, zieht Räume und Körper zusammen und charakterisiert die derart „reduzierte“ Prominenz durch Mimik oder Gestik. Von den matten, tonigen Leimfarben wechselt Baehr später zu leuchtenden, grellen Acrylfarben. Exemplarisch steht für diese Entwicklung das Gemälde Neon Mao (1968). Der Künstler schenkte es kürzlich der Kunststiftung Poll für ihre Sammlung. Lambert Maria Wintersberger, vom Kunstkritiker Heinz Ohff zum „originellsten Pop-Artisten Deutschlands“ befördert, gründete 1964 zusammen mit Ulrich Baehr, K.H. Hödicke, Markus Lüpertz, Wolfgang Petrick, Peter Sorge und anderen Malern in West-Berlin die legendäre Produzentengalerie Großgörschen 35 (1964-68). In ihr fanden Künstler in ihrer Abwendung vom Informel und Tachismus im gemeinsamen Streben nach Gegenständlichkeit in der Malerei zusammen. Die Fragmentierung der Figur und dadurch gewonnene, neue „Ein-Sichten“ sind charakteristisch für Wintersbergers Blick auf die westliche Konsumgesellschaft. In einem glatten, konturfixierten Stil verfremdet er die Welt der Reklame mit überdimensionierten Fingern und Fingernägeln sowie riesigen Mündern in tonalen, süßlichen Farben. Es folgen die formatfüllenden Sprengungen, Spaltungen und Fesselungen einzelner Körperteile in unterkühlten Grautönen. Die bis zum 2. März verlängerte Ausstellung Die 60er & 70er Jahre in Berlin: Albert, Kraemer, Lange, Petrick, Sorge. Werke aus der Sammlung der Kunststiftung Poll in der Kunststiftung Poll (Gipsstraße 3, 2. Etage, nach Vereinbarung) bietet weitere Einblicke in die Kunstszene jener Jahre in West-Berlin.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2019-01-12

Künstler: Jan Schüler

Thema: Ausstellung vom 10. November 2018 bis 12. Januar 2019 Eröffnung: Freitag, 9. November 2018, 18-21 Uhr Nach Figuren- und Landschaftsbildern stellt die Galerie Poll in ihrer dritten Einzelausstellung von Jan Schüler seine neue, seit 2017 entstehende Reihe der Berlin-Bilder vor. Stammten die bisherigen Bildthemen mit Porträts von Freunden, Pop-Idolen oder Rheinlandschaften aus dem unmittelbaren Lebensbereich von Jan Schüler, hat der Künstler 2016 damit begonnen, in seinen Gemälden die gesellschaftlichen und politischen Umstände, in denen er aufgewachsen ist, zu reflektieren. Hierzu gehörte für den 1963 geborenen Maler zuallererst eine Auseinandersetzung mit dem Thema Auschwitz in der Reihe „Schwarze Blumen“ (2016/2017). Dieser Reihe folgt nun mit „Berlin“ eine Serie, die sich mit der Stadt von 1945 bis heute auseinandersetzt. Der Zusammenbruch des Dritten Reiches 1945, die Teilung der ehemaligen Hauptstadt durch die Mauer 1961 und die Wiedervereinigung 1990 sind historische Bezugspunkte, in jedem Geschichtsbuch wie auch im kollektiven Gedächtnis. Für den Künstler kommen persönliche Begegnungen hinzu sowie biographische Bezugspunkte durch seinen Großvater und seine Mutter. Seit seinen ersten Besuchen 1981 in der Mauerstadt ist Berlin bis heute ein Sehnsuchtsort für ihn. Für Künstlerinnen und Künstler verschiedener Epochen war Berlin mit seinen Widersprüchen zwischen äußerer Erscheinung und innerer Verfaßtheit seit jeher anregend: Hans Baluschek, Max Beckmann, Lovis Corinth, Eduard Gaertner, Werner Heldt, Karl Hofer, Ernst Ludwig Kirchner, Adolph Menzel, Lesser Ury, aber auch Rainer Fetting, Karl Horst Hödicke oder Wolf Vostell sahen ihre Stadt als Inspirationsquelle. Schüler nähert sich dem Berlin-Thema in seiner charakteristischen kühlen, reduzierten Malweise. Seine Reihe beginnt mit einem Bild der zerstörten Stadt: „Berlin: Mai 1945“. Das große Querformat lenkt den Blick auf menschenleere Häuserruinen und Trümmerberge nach den Bombenangriffen. Das andere große Querformat der Ausstellung, „Berlin: Transit BRD“, zeigt die Autobahn Richtung Berlin, Hauptstadt der DDR. Die eigens ausgeschilderte Transitstrecke durch die DDR hat sich in das allge-meine Bildgedächtnis eingeschrieben. Dies gilt auch für das Motiv „Berlin: Sportpalast“. Die übrigen Gemälde der auf insgesamt zwanzig Bilder angelegten Reihe zeigen Berliner Orte wie Hauseingänge, Hinterhöfe oder S-Bahnhöfe, die über ihre Identifizierbarkeit als typische Berliner Orte hinaus für Jan Schüler auch eine biographische Bedeutung haben. „Berlin: Großgörschenstraße 35“ zeigt die Vorderfront des Gebäudes, in dessen Hinterhof von 1964 bis 1968 die erste Produzentengalerie Deutschlands ihr Domizil hatte. Dieses Bild ist ein Schlüsselwerk der Reihe. Schülers Mutter war in den fünfziger Jahren die Freundin von Peter Sorge (1937-2000), einem Gründungsmitglied der Künstlerselbsthilfegalerie Großgörschen 35. Nach deren Auflösung wurde im Jahr 1968 die Galerie Poll gegründet. Peter Sorge gehört bis heute zu deren Stammkünstlern. Die Szenerie der sieben bisher entstandenen Gemälde der Berlin-Reihe bleibt menschenleer. Ab und an ergänzen Plakate mit maskenhaften lächelnden oder weinenden Antlitzen die Architekturan-sichten. Ob auch Berliner Persönlichkeiten in der Reihe auftauchen werden, ist abzuwarten. Das Bild „Signale (Eva Poll)“ aus dem Jahr 2011, das in die aktuelle Ausstellung der Berlin-Bilder aufgenommen wurde, könnte darauf hindeuten. Jan Schüler, geboren 1963 in Gießen, studierte von 1985 bis 1992 an der Kunstakademie Düsseldorf bei Rissa und war Meisterschüler bei Fritz Schwegler. 1996 erhielt er den Förderpreis für Bildende Kunst der Stadt Düsseldorf, wo er bis heute lebt und arbeitet. Seine Werke befinden sich in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen in Deutschland. Jan Schüler hat gemeinsam mit der Kunststiftung Poll, in deren Beirat er seit 2013 Mitglied ist, das erste Bestandsverzeichnis der Gemälde und Zeichnungen von Maina-Miriam Munsky (1943-1999) herausgegeben.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2018-11-03

Künstler: Peter Sorge

Thema: parallel im Schaulager der Galerie Poll: Editionen, Plakate und Drucksachen aus 50 Jahren Galerie Poll, gegründet 1968 in West-Berlin parallel in der Kunststiftung Poll: Die 60er & 70er Jahre in Berlin: Albert, Kraemer, Lange, Petrick, Sorge Werke aus der Sammlung der Kunststiftung Poll Ausstellungen vom 8. September bis 2. November 2018 Eröffnung: Freitag, 7. September 2018, 18-21 Uhr Es erscheint eine umfangreiche Publikation. In einer Altbauwohnung in der Niebuhrstraße 77 in Berlin-Charlottenburg eröffnete am 8. Oktober 1968 mit einer Einzelausstellung des Malers, Zeichners und Graphikers Peter Sorge (1937-2000) die Galerie Poll. Zum Jubiläum – 50 Jahre danach – zeigt sie vom 8. September bis 2. November 2018 mit „Does sex cause cancer?“ einen Querschnitt durch das Werk des Berliner kritischen Realisten. Denn 1968, das Gründungsjahr der Galerie, ist zur historischen Chiffre geworden für gesellschaftliche Veränderungen und einen kulturellen Aufbruch. Der im Erinnerungsjahr der Studentenrevolte vielfach zelebrierte Rückblick war ein Grund dafür, Peter Sorge auszuwählen: Unmittelbar reagierte der Berliner Künstler in seinen Arbeiten mit Zitaten aus Tageszeitungen, Illustrierten, Porno- und Sportmagazinen auf die Gescheh­nisse. Und es wirkt heute noch aktuell, wie Sorge Schlaglichter wirft auf die mörderische Kriegsführung der USA in Vietnam oder die brutale Zerschlagung des Prager Frühlings durch sowjetische Truppen. Auch wenn er den Deutschen die Hungersnot in Biafra vor Augen führt, die Menschenrechtsverletzungen der Militärdiktatur in Griechenland, Folteropfer des spanischen Franco-Regimes oder des persischen Schahs, dann werden Parallelen sichtbar. Inspiriert von Methoden der Pop-Art und gegen die Vorherrschaft der abstrakten Malerei „porträtierte“ Sorge die mediale Wirklichkeit der politisch aufgewühlten 60er in Gemälden, Zeichnungen und Druckgraphiken. Bei seinen Werken handelt es sich häufig um Mehrfeld-Bilder, in denen der Künstler anscheinend Unzusammenhängendes miteinander kombiniert: manchmal ergibt sich ein scharfer, sofort ins Auge springender Kommentar, meist aber überlässt es Sorge dem Betrachter, assoziativ an seine provozierend zusammengestellten Motive anzuknüpfen. Seine medienkritische, auf Bewusstmachung zielende Kunst ist ein kulturhistorisch bedeutsames Kapitel deutscher Nachkriegskunst. Sie ist zudem, angesichts zunehmender Gleichgültigkeit gegenüber der schieren Masse digitaler Bilder, hoch aktuell. „Ich mache also Bildzitate aus den sog. Massenmedien. Die Kästchen und Strich- oder Farbrahmen drumrum sind die Anführungsstriche. Mehrere dieser Zitate stelle ich nun auf einem Blatt zusammen bzw. gegeneinander und erhalte so manchmal Bilderrätsel, manchmal Kalauer, wenns hoch kommt, Paradoxe und Antithesen, aus denen der Betrachter seine Synthesen machen kann und soll. (…) Ich möchte, dass die Leute das optische Angebot, das sie jeden Tag vorgeschüttet bekommen, nicht Seite für Seite konsumieren und wieder vergessen, sondern durch befremdliche Kombinationen dieses Angebots betroffen werden und vielleicht gar ‚Denkanstöße‘ erhalten.“ (Peter Sorge, 1972) Peter Sorges Arbeiten sind in zahlreichen öffentlichen Sammlungen vertreten, er wurde bei einer Umfrage des Kunstmagazins Flash art in West-Berlin 1972 von Museumsdirek­toren, Galeristen und Kunstkritikern als einer der wichtigsten Protagonisten der damaligen Kunstszene benannt. Dennoch ist sein Werk heute nur einem engen Kreis bekannt. Es gilt, ihn neu zu entdecken. Sorge studierte ab 1958 an der Hochschule für Bildende Künste Berlin und schloss sein Studium dort 1964 als Meisterschüler bei Fred Thieler und Mac Zimmermann ab. Er war Gründungsmitglied der heute legendären Produzentengalerie Grossgörschen 35 (1964-1968) sowie der Gruppe Aspekt (1972-1977). 1968 erhielt er den Burda-Kunstpreis in der Sparte Grafik, 1969 den Kunstpreis der Stadt Wolfsburg. Von 1980 bis 1982 lehrte er als Gastprofessor an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig. Zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen in Museen, Kunstvereinen und Galerien folgten. Die Galerie Poll widmete dem Künstler nach 1968 zahlreiche weitere Einzelausstellungen. Eva und Lothar C. Poll setzten mit ihrer Galerie die Tradition von Großgörschen 35 fort. Stand der Name Poll anfangs vor allem für die Kunstrichtung des „Kritischen Realismus“, gilt die heute von Nana Poll gemeinsam mit ihrer Mutter Eva Poll geleitete Galerie als Ort für Kunst der Gegen­wart seit 1960 mit den Schwerpunkten deutsche Malerei, Zeichnung, Fotografie und Skulptur. Nach mehreren Standorten, davon dreißig Jahre am Lützowplatz 7 in Berlin-Tiergarten, hat die Galerie ihren Sitz seit Sommer 2015 in der Gipsstraße 3 in Berlin-Mitte. Im selben Gebäude arbeitet auch die 1986 gegründete Kunststiftung Poll. Mit einem zusätzlichen Schaulager bietet der gemeinsame Standort insgesamt rund 350 m² Ausstellungsfläche. Das Gebäudeensemble der ehemaligen Musikschule Mitte wurde Ende der 1990er Jahre nach den Entwürfen des Architekten Jürgen Pleuser zu einem Kunst- und Atelierhaus ausgebaut. Die Galerie Poll ist Mitglied im Bundesverband Deutscher Galerien und Kunsthändler (BVDG) und im Landesverband Berliner Galerien (lvbg), zu dessen Gründungsmitgliedern sie ebenso zählt wie zu den Gründungsmitgliedern der Vorgängerin, der 1968 gegründeten Interessengemeinschaft Berliner Kunsthändler (IBK), die Ende der 1960er Jahre parallel zu Köln in Berlin die ersten Messen für zeitgenössische Kunst veranstaltete und deren Vorsitz Eva Poll von 1976 bis 1982 innehatte. Eva Poll war im Kunstbeirat des Senats tätig, sie hat die Vergabe des Otto-Nagel-Preises, mit Ausstellung und Förderstipendium, mit initiiert. Sie gehört u. a. dem Vorstand des von Günter Grass (1927-2015) gestifteten Daniel-Chodowiecki-Preises an. Zusammen mit Lothar C. Poll gründete sie 1986 die Kunststiftung Poll und hat als Kuratorin zahlreicher Ausstellungen in Museen in Deutschland und im europäischen Ausland sowie in Goethe-Instituten Zeichen gesetzt. In Würdigung ihrer großen Verdienste um die Berliner Kunstlandschaft und als Auszeichnung für ihr langjähriges kulturpolitisches Engagement wurde Eva Poll im Jahr 1993 das Verdienstkreuz am Bande des Verdienstordens der Bundesrepublik Deutschland verliehen. Der lvbg trug ihr im Jahr 2008 die Ehrenpräsidentschaft an. Nana Poll arbeitet seit 2014 im Vorstand des lvbg mit. Ein Teil des umfangreichen Archivs der Galerie Poll befindet sich seit 2009 im Zentralarchiv des internationalen Kunsthandels (ZADIK). Zu den Ausstellungen erscheint eine begleitende Publikation mit einem umfangreichen Abbildungsteil, Fotografien und Wiederabdrucken ausgewählter Texte zur Geschichte der Galerie Poll sowie einer Übersicht der Ausstellungen und Editionen 1968-2018. POLLeditionen, ISBN 978-3-931-759-40-7, Preis: 25 Euro)

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2018-07-28

Künstler: Eric Keller

Thema: Unter dem Titel „Stille Drift“ zeigt die Galerie Poll Arbeiten des Malers Eric Keller aus den vergangenen zwei Jahren erstmals in einer Einzelausstellung. Seit 2012 waren Bilder des Künstlers bereits mehrmals in Themenausstellungen zu sehen. Mit seiner Malerei umkreist Eric Keller Stadt- und Industrielandschafen, Menschen und Porträts sowie Interieurs verlassener Orte. Die Motive entstehen zumeist aus der Erinnerung, hin und wieder nach Skizzen. Dem Künstler kommt es nicht auf das Abbild an, ihm geht es um eine Wiedergabe von Erlebtem, Erfahrungen und Stimmungen. Immer wieder übermalt und verändert Keller im Entstehungsprozess einzelne Partien seiner Gemälde. Die dabei verrinnende Zeit ist ein wichtiger Faktor, weil das Detail in der Erinnerung immer mehr an Bedeutung verliert, die formale Verallgemeinerung tritt in den Vordergrund. Die Ölfarbe wird in mehreren lasierenden Schichten übereinander auf den Bildträger Holz, nur selten auf Leinwand aufgetragen. Die Farbpalette des Künstlers mit blassen gedeckten Grau-, Blau-, Violett- oder auch Ockertönen lässt die Bilder wie eingefroren wirken und betont eine gewisse Melancholie. „Diese statische Darstellung führt einerseits zu der den Bildern innewohnenden spezifischen Zeitlosigkeit, wenn Raum und Figur aus dem Hier und Jetzt gefallen zu sein scheinen; andererseits gelingt es Keller, gerade diese Zeitlosigkeit durch eine ausgesprochene zeitgenössische Darstellung von auf sich selbst zurückgeworfenen Menschen ironisch zu brechen“, beschreibt die Kunsthistorikerin Gwendolin Kremer Kellers Malerei. Für den Maler Michael Klipphahn, einen ehemaligen Kommilitonen, stellen die Bilder einen „Kommentar zur heutigen ostdeutschen Realität des Nichterlebens“ dar. Eric Keller, geboren 1985 in Grimma, ist seit 2016 Meisterschüler bei Annette Schröter an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Von 2006 bis 2008 studierte er Bildende Kunst an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg bei Rolf-Gunter Dienst und von 2008 bis 2014 Malerei bei Elke Hopfe und Ralf Kerbach an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Seine Werke befinden sich u.a. in der Galerie Neue Meister der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden und in der Sammlung der Ostsächsischen Sparkasse. Eric Keller lebt und arbeitet in Dresden und Leipzig.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2018-06-02

Künstler: Johannes Daniel, Daniel Poller

Thema: Einen Maler und einen Fotografen – Johannes Daniel und Daniel Poller – stellt die Galerie Poll im zweiten Teil ihrer Ausstellungsreihe 2 x 2 erstmals in Berlin vor. Zum Auftakt hatten der Maler Justus Bräutigam und die Fotografin Susanne Keichel ebenfalls neue Arbeiten gezeigt. Johannes Daniel bedient sich konventioneller Mittel in der Malerei und entwickelt daraus aktuelle Bilder. Dieser Prozess der Bildwerdung steht im Fokus seiner Auseinandersetzung um die Bedingungen und Möglichkeiten der Malerei. Sein besonderes Interesse gilt der Transformation von Alltagssituationen, Seherlebnissen in Kunstausstellungen oder Hör- und Leseerfahrungen sowie digitalen Bildern in seine künstlerische Arbeit. Für Daniel ergibt sich daraus ein fortlaufender Prozess der Entwicklung und Ausformulierung von Bildern: „Im Wiederholen und Sampeln von Bildgedanken und -fragmenten und der prinzipiellen Uneinholbarkeit eines gedanklichen Konstrukts im malerischen Ausdruck liegt für mich der Zwang fortzufahren. Denn die nächste Formulierung ist der erneute Versuch, das Verhältnis zwischen innerem und gemaltem Bild zu thematisieren.“ Die Ölgemälde sind Einzelbilder, aber sie stehen immer auch in einer Beziehung zu den zuvor und danach gemalten Bildern. Diese Korrespondenz spielt für Daniel bei der Präsentation seiner Arbeiten ebenso eine Rolle wie jenes Spannungsfeld, das sich durch die kalkulierte Zusammenstellung von kleinen und großen Formaten ergibt. Daniel Pollers Reihe Der große Gewinn hatte einen Kalender mit historischen Fotografien des Braunschweiger Schlosses zur Grundlage, dazu kam ein Radiergummi mit aufgedruckter Welfen­krone. Das im Zweiten Weltkrieg durch Bomben zerstörte Schloss war 1960 abgerissen, dann aber 2007 teilweise wiederaufgebaut worden. Hinter den historisierenden Fassadenelementen ist seither mitten in der Braunschweiger Innenstadt in zeitgenössischer Glasarchitektur ein Einkaufszentrum angesiedelt. Derartige „historische Rekonstruktionen“ sind europaweit beliebt. Immer häufiger ersetzen Repliken das Original und geraten so zu einer Neuinterpretation von Geschichte. Thema der aus elf Motiven bestehenden Serie Der große Gewinn ist die Geschichte des Wiederaufbaus des Braunschweiger Schlosses. Poller reproduzierte und vergrößerte die Kalenderblätter auf Pigmentdrucke im Format von 160 x 110 cm, um dann Teile der historischen Motive mit dem Radiergummi auszulöschen. Durch das Ausradieren entstanden weiße Flächen, mit denen der Künstler auf die Willkür bei der nach historischen Fotografien vorgenommenen „Rekonstruktion“ der Schlossfassade verweist. Der Kunsthistoriker Marcus Andrew Hurttig spricht von „Negativmalerei“, da die Leinwand die Bilder bereits als Druck enthält und der Radiergummi als formgebender Pinsel Löschspuren hinterlässt. Die Umdeutung von Architektur im Stadtraum und eine daraus resultierende Verfälschung von Geschichte ist ein zentrales Thema in Pollers fotografischer Arbeit. „In diesem Sinne dekonstruiert und analysiert Daniel Poller nicht nur die Architektur und ihre Abbilder, sondern gleichermaßen die Funktion der Fotografie.“ (Maik Schlüter) Johannes Daniel, geboren 1987 in Halle an der Saale, schloss sein Studium an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig 2017 als Meisterschüler von Prof. H. C. Ottersbach ab. Der Maler erhielt u.a. 2016 das Sächsische Landesstipendium, 2017 wurden mehrere seiner Arbeiten durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen für die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden angekauft (Ausstellung bis 4. Mai 2018 in der Vertretung des Freistaates Sachsen beim Bund, www.landesvertretung.sachsen.de). Johannes Daniel lebt und arbeitet in Leipzig. Er nimmt an der Ausstellung NGORONGORO II auf dem Ateliergelände in Berlin-Weißensee teil (26. bis 29. April 2018, www.artistweekend.com). Daniel Poller, geboren 1984 in Rodewisch, schloss sein Studium an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig 2017 als Meisterschüler von Prof. Peggy Buth und Prof. Joachim Brohm ab. Der Fotograf erhielt zahlreiche Stipendien, darunter 2018 das Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds. Er wurde 2015 mit dem Aenne-Biermann-Preis für deutsche Gegenwartsfotografie Gera (1. Preis) und 2017 mit dem Europäischen Architekturfotografie-Preis (2. Preis) Frankfurt am Main ausgezeichnet, seine Werke befinden sich u.a. in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, im Deutschen Architekturmuseum Frankfurt am Main und in der Kunstsammlung Gera. Daniel Poller lebt und arbeitet in Berlin und Leipzig. Öffnungszeiten Gallery Weekend Freitag, 27. April 2018, 12-21 Uhr Samstag, 28. April 2018, 11-19 Uhr

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2018-04-14

Künstler: Justus Bräutigam. Malerei und Susanne Keichel. Fotografie

Thema: Vier junge Künstler, zwei Maler und zwei Fotografen, stellt die Galerie Poll in zwei aufeinander folgenden Doppelausstellungen erstmals umfassend in Berlin vor. Den Auftakt machen vom 3. März bis 14. April 2018 Justus Bräutigam mit Gemälden und Susanne Keichel mit Fotografien. Im zweiten Teil zeigen vom 21. April bis 2. Juni 2018 der Maler Johannes Daniel und der Fotograf Daniel Poller neue Arbeiten. Justus Bräutigam konzentriert sich auf das kleine Format. Menschengesichter oder Gebirgsland­schaften malt er mit Ölfarbe im Hoch- bzw. Querformat auf nur 50 x 40 cm Leinwand. In der Ausstellung sind exemplarisch seine Porträtstudien zu sehen. „Aus seiner unmittelbaren, intensiven und ernsthaften Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten der Malerei entwickelt Bräutigam eine Bildwelt, die ihre authentische Qualität jenseits von zeitgenössischen Moden und Kunstdiskursen entfaltet“, begründete die Jury 2017 den Förderpreis der Sparkasse Schwarzwald-Baar an Bräutigam. Was für die aus der Erinnerung gemalten Landschaften gilt, das erprobt der Künstler ebenfalls mit dem Sujet des menschlichen Gesichts: Er trägt die Ölfarbe mal fein lasierend mit dem Pinsel, mal pastos mit dem Spachtel auf oder wischt sie mit dem Schwamm über die Leinwand. Mit Ausnahme einiger Selbstbildnisse handelt es sich bei Bräutigams Köpfen weniger um Porträts als um Kopfstudien. Mal ist ein Gesicht mit Augen, Nase, Mund vollständig zu sehen, mal schauen nur die Augen durch eine Maske oder aber ein Gesicht ist inmitten von Farbstrudeln kaum noch zu erkennen. Durch das standardisierte Format und den sehr überlegt gewählten Bildausschnitt mit Kopf, Hals, Schulteranschnitt ergeben sich Reihungen, man könnte an eine Art Typisierung denken. Tatsächlich aber ist über das scheinbar einheitliche Sujet hinaus die Malerei selbst das Thema: Prima vista ähneln Köpfe und Gesichter einander – damit lenkt Bräutigam den Blick auf die Unterschiede in Form und Farbe. Susanne Keichel arbeitet ebenfalls in Reihen. Der Mensch steht im Zentrum, auch wenn er auf ihren kleinformatigen Fotografien nicht immer zu sehen ist. Mit der Langzeitstudie Garten versucht die Künstlerin seit 2007 die verborgenen sozialen und mentalen Dimensionen der Porträtfotografie ins Bild zu setzen. Ihre aus 25 Schwarz-Weiß-Fotografien bestehende Arbeit *7. Oktober 1977, Alexandria, † 1. Juli 2009, Dresden (ein Kommentar), 2010-2015 versucht eine dokumentarische Annäherung an die Ermordung von Marwa El-Sherbini am 1. Juli 2009 im Dresdner Landgericht. Die intensive Auseinandersetzung mit dieser fremdenfeindlich motivierten Tat und der Fremden­feindlich­keit vieler Menschen in ihrer Geburtsstadt mündeten 2015 in der Reihe Fluchtlinien, mit der Susanne Keichel die pauschal als „Flüchtlingskrise“ apostrophierte Migration in ihren indivi­duellen, humanen Dimensionen kenntlich macht. Flüchtlingsheime, Demonstrationen, Hausfassaden, Gerichtssäle und Fahnen sind auf den hochformatigen Fotografien nur in Anschnitten zu sehen. Durch die unkonventionelle Gestaltung eigentlich banaler Bildgegenstände stellt Susanne Keichel die Objektivität der Fotografie infrage, ohne auf die Überzeugungskraft der nüchtern sachlichen Dokumentation zu verzichten. Dadurch schwingt im Hintergrund, eher nachhaltig denn plakativ, eine politische Aussage mit, die der Kunsthistoriker Andreas Prinzing charakterisiert: „Dabei orientiert sich ihre Bildfolge weder an dem linearen Charakter einer Reportage, noch legt Keichel einen streng enzyklopädischen Bildkatalog an. Stattdessen operiert sie mit einer Reihung von Gegen­warts­fragmenten, die zwar konkrete Orte bezeichnen, aber auch exemplarisch für eine gesellschaftliche Atmosphäre und Stimmung in Deutschland stehen können.“ In den Fluchtlinien spart die Fotografin die Gesichter der Geflüchteten bewusst aus. An die Stelle des konventionellen Porträts tritt in der gleichwertigen Reihung der Bilder das wiederkehrende Motiv der Hand, die vor neutralem Hintergrund ein Smartphone in die Kamera hält. Auf dem Display sind persönliche Aufnahmen, individuelle Momente der Flucht zu erkennen. So entstehen „indirekte Porträts“ (Andreas Prinzing). Zugleich bewahrt die Fotografin den Geflüchteten durch diese Herangehensweise der distanzierten Nähe einen Schutzraum. Justus Bräutigam, geboren 1984 in Dresden, schloss sein Studium an der Hochschule für Bildende Künste Dresden 2017 als Meisterschüler von Prof. Peter Bömmels ab. Der Maler ist mit mehreren Kunstpreisen ausgezeichnet worden, darunter der Förderpreis der Sparkasse Schwarzwald-Baar (2017) und der Robert-Sterl-Preis (2017), der mit einer Einzelausstellung im Robert-Sterl-Haus in Struppen (Sächsische Schweiz) verbunden war. Justus Bräutigam lebt und arbeitet in Dresden. Susanne Keichel, geboren 1981 in Dresden, schloss ihr Studium an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig 2016 als Meisterschülerin von Prof. Tina Bara ab. Ihre Arbeit *7. Oktober 1977, Alexandria, † 1. Juli 2009, Dresden (ein Kommentar) wurde 2015 von der Kulturstiftung des Frei­staa­tes Sachsen für die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden angekauft. Auf der 56. Biennale in Vene­dig war im selben Jahr ihre Arbeit Fluchtlinien (work in progress) in der Gruppenausstellung Dispossession im offiziellen Rahmenprogramm zu sehen (Katalog). 2017 wurde diese Arbeit im Rahmen des Kooperationsprojektes Rundgang 50Hertz des Übertragungsnetzbetreibers 50 Hertz mit der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin zusammen mit drei weiteren Künstlerinnen ausgezeichnet und ausgestellt (Einzelkatalog). Susanne Keichel lebt und arbeitet in Dresden. Johannes Daniel. Malerei Daniel Poller. Fotografie 21. April – 2. Juni 2018 Eröffnung: Freitag, 20. April 2018, 18-21 Uhr

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-02-24

Künstler: Richard Thieler

Thema: Eröffnung: Freitag, 12. Januar 2018, 18-21 Uhr Capitol, Gloria oder Schauburg – das sind immer noch verheißungsvolle Schlüsselwörter einer längst vergangenen Filmgeschichte. Lichtspiele, Filmtheater oder Filmpaläste waren mit der Erfindung des Tonfilms um 1930 entstanden: Das Kino verlangte nach eigenständiger Architektur, aber die Namen verraten, daß die Bauweise jener Jahre in der Tradition von Theatergebäuden und Tanzpalästen stand. Die repräsentativen Fassaden der Lichtspieltheater sollten mit Leuchtschrift das neue Medium aufwerten, das Publikum verfiel dem Lichtzauber. Doch diese Erfolgsstory endete im Wirtschafts­wunder. Mit dem Aufkommen des Fernsehens in den 1950er Jahren wurden neue, eigenständige Kinobauten seltener. Die Branche reagierte in den 1980er Jahren mit der Konzentration mehrerer Säle in gleichförmigen Multiplex-Kinos, zumeist eingegliedert in Shopping Malls. Alte, große Kino-Solitäre verödeten, Pracht und Glamour einer ganzen Epoche verfielen. Diese Veränderungen der Kinolandschaft beobachtet Richard Thieler (*1963 in Berlin) seit Jahren. Seine fotografische Dokumentation hat er 2009 begonnen. Mit Blick auf den besonderen Charakter jedes einzelnen Lichtspielhauses und durch sein Gespür für den jeweiligen Ort verdeutlicht Thieler die tiefgreifenden Auswirkungen des kulturellen Umbruchs. Aus seinen mittlerweile über 500 Fotografien von Kinos weltweit zeigt die Galerie Poll jetzt eine Auswahl von rund 45 Aufnahmen von Lichtspielhäusern mit Schwerpunkt Berlin, den neuen Bundesländern und Polen. Thieler nähert sich den Kinos meist in der Frontalansicht, aber seine ausdifferenzierten Farbaufnahmen lassen neben der äußeren Hülle weitere Schichten eines scheinbar geläufigen Phänomens erkennen. Seine durch sorgfältige Recherchen vorbereiteten Reisen bringen den Fotografen auf die Spuren einer kultursoziologischen und bauhistorischen Archäologie: So steht das Gloria in Weißenfels (Sachsen-Anhalt), 1928 von Carl Fugmann als Lichtspielhaus in moderner Eisenkonstruktionsbauweise errichtet, seit 1998 leer. Baulich nur notdürftig gesichert, verfällt es – ein Symbol für den Niedergang nicht nur des Kinos. Dagegen erinnert die Nachtaufnahme der Fassade der Kinoteka Warschau im repräsentativen Kulturpalast der polnischen Hauptstadt daran, daß Kinos nicht nur der Unterhaltung und Zerstreuung dienten, sondern auch öffentlicher Raum für ein großes Publikum waren. Diesen von den Multiplexen vernachlässigten und verdrängten Aspekt greift eine rege Alternativ-Szene wieder auf, die etwa das Lichtblick-Kino als eines der kleinsten Häuser der Stadt in einer früheren Fleischerei in Berlin-Prenzlauer Berg mit 32 Sitzplätzen für die Kinolandschaft erobert hat. Und so weist Thielers Blick in die Vergangenheit hin und wieder in eine verheißungsvolle Zukunft: Die Fotografie des ehemaligen Stummfilmkinos Delphi in Berlin-Weißensee lässt noch nicht erahnen, dass das 1929 eröffnete und lange geschlossene Lichtspielhaus 2018 eine Zukunft als Ver­anstal­tungs­­ort für Tanz, Konzerte und Schauspiele haben würde.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2018-01-06

Künstler: Eduardo Arroyo, Paolo Baratella, Jacobo Borges, Vlassis Caniaris, Rafael Canogar, Ian Colverson, Equipo Crónica, Erró, Jean Hélion, Peter Klasen, Denis Masi, Jacques Monory, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Giangiacomo Spadari

Thema: Die Ausstellung „grenzenlos“ vereint Positionen von 15 Künstlern, zumeist aus dem europäischen Ausland. Beginnend mit dem Jahr 1947 liegt der Schwerpunkt auf Arbeiten aus den 1970er und 1980er Jahren. Es geht dabei nicht um Chronologie, sondern um Kunst und Zeitgeschichte: Bis 1989 war West-Berlin einerseits umgeben von der Mauer, der Grenze zur DDR. Andererseits trafen sich hier Künstler, Schriftsteller und Musiker aus aller Welt, angelockt von Geist und Atmosphäre der Stadt, gefördert durch die Berliner Künstlerprogramme des DAAD. Auch Eva und Lothar C. Poll, die ihre Galerie 1968 in West-Berlin gegründet hatten, ließen sich nicht durch die Verhältnisse einengen und pflegten Kontakte über politische Grenzen hinweg: Einige der jetzt wieder ausgestellten Künstler hatten sie 1970 im Frankfurter Kunstverein kennengelernt, in der von Georg Bussmann konzipierten Ausstellung „Kunst und Politik“. Fernsehen und Presse hatten die Weltöffentlichkeit mit der mörderischen Kriegsführung der USA in Vietnam konfrontiert und über die brutale Zerschlagung des Prager Frühlings durch sowjetische Truppen berichtet. Frankreich wurde nach dem Algerienkrieg durch Bombenattentate und Lynch­justiz erschüttert. Fast täglich erschienen Fotos über die Hungersnot in Biafra oder Berichte über Menschenrechtsverletzungen durch die Militärdiktatur in Griechenland, das Franco-Regime in Spanien oder das Schahregime im Iran. Die Grenzen staatlicher Zensur schienen von den modernen Medien durchbrochen, aber das hatte kaum politische Konsequenzen. Auf diese lähmende Situation reagierten Künstler wie Erró oder die Gruppe Equipo Crónica mit einer Mobilisierung des widerständigen Potentials von Malerei und Zeichnung. Auf den Punkt hat der Spanier Rafael Canogar diese Strategie einer politischen Kunst gebracht, als er 1970 schrieb: „Wir können nicht Zeugen sein, von dem was auf der ganzen Welt geschieht, aber wir sind von den Massenmedien umgeben, die uns ständig dem Tod und der Zerstörung aussetzen. Wir sind nicht mehr fähig, wie menschliche Wesen auf diese nur zu vertrauten menschlichen Ergebnisse zu reagieren. Statt dessen nehmen wir sie als reine Statistiken hin, die mit Bildern, mechanisch in Kompositionen aus schwarzen Punkten verwandelt, geschmückt werden. Ich arbeite genau mit diesen Medien, mit den Photographien der Massenmedien, die für mich einen Verlust an Kommunikation darstellen. Mein Ziel ist es, den Prozeß umzudrehen – ich versuche, diese mechanischen Bilder wieder in lebende zu verwandeln.“ Auf dieser Grundlage waren weder Historienbilder noch Panoramen zu erwarten, vor allem die Collage erwies sich als zeitgemäßes Ausdrucksmittel. Und als grenzenlos dazu, insbesondere in Berlin. So hat es auch der französische Essayist Maurice Blanchot damals gesehen: „Das Problem der Teilung (…), so wie es Berlin stellt, (…) ist, glaube ich, ein Problem, das wir in seiner GANZEN Realität nur adäquat formulieren können, wenn wir uns entschließen, es FRAGMENTARISCH zu formulieren (was nicht partiell bedeutet).“ Intention der Ausstellung ist es, pars pro toto, mit einer Auswahl die Geschichte der Galerie und ihrer Stadt Berlin zu beleuchten. Vom 27.-30.12.2017 ist die Galerie geschlossen.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-10-28

Künstler: Thomas Lange

Thema: Anlässlich der Buchvorstellung "Thomas Lange" am Samstag, den 21. Oktober 2017 um 16 Uhr findet im Schaulager der Galerie Poll eine kleine Ausstellung früher und aktueller Arbeiten von Thomas Lange vom 21. bis 28. Oktober 2017 statt. THOMAS LANGE hrsg. von Davide Sarchioni, mit Texten von Davide Sarchioni, Enrico Crispolti, Marco Tonelli, Enrico Mascelloni, Jürgen Lenssen, Markus Lehrmann, Franco Nucci, Christoph Tannert, Lorenzo Calamia, Sprache: Deutsch, Italienisch, 528 Seiten, 24,5 x 28,5 cm, GLI ORI Verlag, 2017 Abb.: Michelangelo, 1984/2016; Michelangelo, 1971/2016, Mischtechnik/Papier

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-10-28

Künstler: Volker Stelzmann

Thema: Eröffnung: Freitag, 8. September 2017, 18-21 Uhr Einführung (gegen 19 Uhr) Dr. Dorothea Schöne | Künstlerische Leiterin Kunsthaus Dahlem Aus Anlass der Berlin Art Week hat die Galerie am 15. September 2017 von 12-21 Uhr geöffnet. Der Maler Volker Stelzmann, 1940 in Dresden geboren, wird seit rund 30 Jahren von der Galerie Poll vertreten. Die aktuelle Einzelausstellung „Das Treffen“ ist benannt nach dem gleichnamigen Triptychon aus dem Jahr 2016. Das extreme Querformat – vier Meter lang, aber nur einen Meter hoch – zeigt eine Gruppe dunkel gekleideter, bedrohlich wirkender Gestalten. Einige tragen Helme und in der Hand Stangen wie Schlagstöcke. Andere sind durch Tücher oder Strickmützen vermummt, nur ihre Augen schauen aus Schlitzen oder kreisrunden Löchern hervor. Manche recken den rechten Arm zum Hitlergruß. Dazwischen drücken sich einige weibliche und männliche Passanten, als wären sie aus Versehen in die Ansammlung geraten. Das Gemälde erinnert an die jüngsten Vorgänge während des G20-Treffens in Hamburg, ist aber bereits ein Jahr zuvor entstanden. Ebenso aktuell wirken die Gemälde „Druckwelle I-III“ von 2016, auf denen Stelzmann in der für ihn typischen Manier Figuren durcheinanderwirbelt und aus ungewöhnlichen Perspektiven zeigt. In „Vorfrühling“, „Mann mit Stab und Stillleben“ oder „Mann mit Togobecher vor Blechfassade“ von 2017 sind Obdachlose und Bettler zu sehen. Auch wenn Stelzmanns Sujets offensichtlich scheinen, entziehen sich seine Bilder schneller Deutung. Denn der Maler beobachtet die Menschen in all ihrer widersprüchlichen Befindlichkeit und stellt sie in vielfältigen Alltagssituationen dar. Malerisch geschult an den florentinischen Manieristen, den Altdeutschen oder dem großen Vorbild Otto Dix sucht Stelzmann seine Bildthemen in der Gegenwart. Bei der Umsetzung arbeitet er in aufwendiger Lasurtechnik auf MDF. In meisterhaft veristischer Malweise sind seine Kompositionen oft überzeichnet und ins Groteske gesteigert. Nur so finden Oberflächlichkeit und Beziehungslosigkeit, Gewalt, Armut und Obdachlosigkeit ihren Ausdruck als Indiz für die Verfasstheit einer Gesellschaft. Volker Stelzmann studierte von 1963 bis 1968 an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, wo er von 1975 bis 1986 lehrte, seit 1982 als Professor. 1986 nutzte Volker Stelzmann eine große Ausstellung seiner Arbeiten in der Staatlichen Kunsthalle in West-Berlin, um die DDR zu verlassen. Nach einer Gastprofessur an der Städelschule Frankfurt am Main 1987/1988 berief ihn die West-Berliner Hochschule der Künste (HdK, heute: UdK) 1988. Dort lehrte er bis zu seiner Emeritierung im Jahr 2006. Werke des Künstlers befinden sich in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen. 2015 zeigte das Osthaus-Museum aus Anlass seines 75. Geburtstages eine umfangreiche Werkübersicht und würdigte sein Lebenswerk mit dem Karl Ernst Osthaus-Preis der Stadt Hagen. Volker Stelzmann lebt und arbeitet in Berlin.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-07-29

Künstler: Rolf Gérard

Thema: Eröffnung: Freitag, 9. Juni 2017, 18-21 Uhr Einführung (gegen 19 Uhr): Roland Meuter, Vize-Präsident der Fondazione Rolf Gérard, Ascona 8. Juli 2017, 17 Uhr Jochen L. Stöckmann, Kulturjournalist, im Gespräch mit Alexander Gérard, Neffe von Rolf Gérard in Zusammenarbeit mit der Fondazione Rolf Gérard, Ascona und der Kunststiftung Poll, Berlin Mit „Rolf Gérard (1909-2011). Maler, Zeichner, Bühnenbildner“ stellt die Galerie Poll den vielseitig begabten gebürtigen Berliner erstmals in seiner Heimatstadt vor. Die Ausstellung entstand in Koopera­tion der Kunststiftung Poll mit der Fondazione Rolf Gérard, die in ihren Räumen in Ascona zeitgleich eine Ausstellung des Malers Hermann Poll (1902-1990) zeigt. Beide Künstler gehören einer Genera­tion an, die durch die Weltkriege des 20. Jahrhunderts geprägt ist. Ihr Werk wurde zu Lebzei­ten durch zahlreiche Ausstellungen gewürdigt. Dennoch ist es meist nur Eingeweihten bekannt. Rolf Gérard wird 1909 als Sohn der berühmten italienischen Opernsängerin Mafalda Salvatini und des deutschen Wissenschaftlers Walter Gérard in Berlin geboren und wächst mit seinem Bruder Charly in einem großbürgerlichen Elternhaus auf. Der Salon Gérard-Salvatini in Berlin ist in den Zehner- und frühen Zwanzigerjahren Treffpunkt für Persönlichkeiten wie Enrico Caruso, Walther Rathenau, Bruno Walter oder Gerhart Hauptmann. Noch während seiner Schulzeit am Arndt-Gymnasium in Berlin-Dahlem lernt Rolf Gérard bedeutende Künstler persönlich kennen: Max Slevogt, Lesser Ury, Emil Orlik, Max Liebermann, George Grosz, Rudolf Belling. „Ich begann zu zeichnen, bevor ich schreiben oder lesen konnte. 1914, zu Beginn des ersten Weltkriegs, tröstete ich meinen Vater bereits mit Karikaturen. Voller Neugier am Menschen porträtierte ich später meine Professoren. (…) Ein Künstler etwa? Nein! Einen Beruf bitte, keine Berufung forderten die besorgten Eltern.“ Nach der Machtergreifung Hitlers 1933 flieht Rolf Gérard mit seiner Freundin, der Schauspielerin Lilli Palmer, nach Paris. Eine Odyssee beginnt. Geradlinig war Rolf Gérards Lebensweg auch zuvor nicht. Er wollte Malerei und Plastik studieren, musste aber stattdessen eine Lehre beim Glühbirnenwerk von Osram und anschließend zwei Semester Jura über sich ergehen lassen. Ein Medizinstudium nimmt er in Göttingen auf, setzt es in Freiburg und Heidelberg fort und promoviert 1937 in Basel zum Doktor der Medizin. Daneben besucht Gérard die jeweils erreichbaren Kunstakademien. „Kurz danach übersiedelte ich nach London, wo ich durch meine Mutter enge Kontakte zur Musik und Theaterwelt hatte. Man ermunterte mich zur Zusammenarbeit, da ich ja nicht Medizin praktizieren durfte. Dadurch vollzog sich eigentlich der Wandel vom Arzt zum Künstler.“ 1943/1944 begegnet Gérard in London Oskar Kokoschka. Die beiden treffen sich gelegentlich und kommen überein, sich gegenseitig zu portraitieren. Aus jener Zeit stammt ein in der Ausstellung gezeigtes Blaustiftportrait, das Gérard von Kokoschka zeichnete. Zum Portrait Gérards durch den 25 Jahre älteren Kokoschka kommt es leider nicht. Ab 1946 beginnt in London eine langjährige Zusammenarbeit mit dem Regisseur Peter Brook als Bühnenbildner, von 1950 bis 1970 arbeitet Gérard als Ausstattungsleiter an der Metropolitan Opera in New York. Dort entwirft er Bühnenbilder und Kostüme für Hollywood- und Opern-Stars, von 1952 bis 1960 in Paris auch Verpackungen für Chanel und Dior. 1941 trennen sich Lilli Palmer und Rolf Gérard in Freundschaft. 1951 heiratet Gérard die Russin Kyra, die sein künstlerisches Schaffen fortan maßgeblich beeinflusst. Kyra und Rolf leben und arbeiten in Paris, Antibes, New York. Sie begegnen Pablo Picasso, Marc Chagall, Jean Cocteau, Henry Moore u.a. Einflüsse all dieser Künstler sind im farbenreichen Werk Gérards zu erkennen. 1971 wird Rolf Gérard von Herbert Graf an Oper nach Genf geholt, wohin er 1974 mit der schon sterbenskranken Kyra übersiedelt. Nach Kyras Tod zieht er 1977 mit seiner Jugendfreundin Fritzi Weiner nach Ascona, wo er ein altes Patrizierhaus kauft und umbauen lässt, um dort die Fondazione Rolf Gérard zu gründen, die 2007 offiziell eröffnet. Dort werden in wechselnden Ausstellungen die Werke von Rolf Gérard gezeigt. Daneben werden in Sonderausstellungen wahlverwandte Künstler präsentiert. So im Sommer 2013 „Oskar Kokoschka zu Besuch bei Rolf Gérard“ oder dieses Jahr „Hermann Poll zu Besuch bei Rolf Gérard“ (4. Juni bis 13. August 2017). Die Galerie Poll stellt Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen aus verschiedenen Schaffensphasen des umfangreichen Oeuvres Rolf Gérards aus. Selbstportraits von 1927 bis 2001 und Fotografien zeichnen das Leben des Malers, Zeichners und Bühnenbildners nach. Rolf Gérards Neffe Alexander Gérard, Architekt und Initiator der Hamburger Elbphilharmonie, wird am 8. Juli 2017 um 17 Uhr im Gespräch mit dem Kulturjournalisten Jochen L. Stöckmann an seinen Onkel erinnern.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-04-30

Künstler: Herbert Kaufmann und Erró

Thema:

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-06-03

Künstler: Peter Herrmann

Thema: Peter Herrmanns Bilder erzählen von Orten, an denen der Maler lebt. Seine Arbeiten thematisieren Erinnerungen an Ereignisse, die den Künstler nicht loslassen, darüber hinaus sind sie eine Auseinandersetzung mit der Geschichte der Malerei. Vor diesem komplexen Hintergrund stellen sich die Motive in verblüffender Einfachheit dar. Häufig haftet den Bilderzählungen etwas Komisches an, selbst wenn sie historische Ereignisse spiegeln. Gern verwendet Peter Herrmann helle Farben wie Türkis, Rosa oder Gelb, die im Kontrast zu schwarzen Linien und dunklen Flächen stehen. Heiterkeit und Melancholie durchziehen seine Gemälde. „Ich male nur das, was ich sehe und erlebe. Ich bin der Meinung, dass das eine große Rolle in der Malerei oder überhaupt in der Kunst spielen sollte“, sagt Peter Herrmann 1975 in einem Gespräch. Dabei ist es bis heute geblieben. Zum 80. Geburtstag des am 18. Mai 1937 in Großschönau in der Lausitz geborenen Künstlers widmet die Galerie Poll Peter Herrmann eine Ausstellung, die vor allem Bilder aus den vergangenen drei Jahren zeigt: „Nettelbeckplatz“, „Flott“, „Bar Polska Salut“ oder „Ice Müller“, Stadtlandschaften aus Peter Herrmanns unmittelbarem Umfeld, dem Berliner Wedding. Ergänzend sind einige frühere Arbeiten ausgestellt: „Hinter Schering“, „Bleierne Zeit“ oder „Transit“. Die Zusammenschau zeigt, dass die Farbpalette des Künstlers lichterfüllt, leuchtender geworden ist. Der Maler bleibt seiner Thematik treu, ein grundehrlicher Charakter. „Seine Malerei kommt direkt aus den Farben, welche großflächig mit dem Pinsel aufgetragen werden, um die Leinwand zu überziehen und sie findet ähnlich direkt zu ihren Motiven. Das ist ein Vorgang, in dem alles und jedes seinen Ort finden kann, sofern es die Aufmerksamkeit des Malers erlangt hat“, schreibt Uwe Gellner im Katalog zur Retrospektive „Malergrüße aus Berlin“, die bis vor kurzem im Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen in Magdeburg zu sehen war. Nach seiner Ausbildung als Chemigraph besucht Peter Herrmann in Dresden ab 1953 Malkurse an der Volkshochschule bei Jürgen Böttcher-Strawalde. Mitschüler und Freunde sind Peter Graf und Ralf Winkler/A.R. Penck u.a. 1984 verlässt er die DDR und reist nach Hamburg aus. Seit 1986 lebt er in (West-)Berlin. Peter Herrmann wurde 1998 für sein Werk mit dem Villa Romana-Preis, Florenz und 2001 mit dem Fred Thieler-Preis für Malerei der Berlinischen Galerie, Berlin ausgezeichnet. Seine Arbeiten befinden sich in wichtigen privaten und öffentlichen Sammlungen, u.a. in der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, in den Staatlichen Kunstsammlungen in Dresden, im Museum Ludwig in Köln, in den Staatlichen Museen zu Berlin sowie in der Berlinischen Galerie, Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-04-15

Künstler: Dieter Kraemer

Thema: Eröffnung: Freitag, 10. Februar, 18-21 Uhr Einführung: Fred Breinersdorfer (gegen 19 Uhr) Der Künstler ist anwesend. Dieter Kraemers Bilder und Zeichnungen bedürfen keiner Erklärung. Der Künstler stellt nichts weiter dar, als was zu sehen ist: Häuserfassaden, ein Blick in das Schaufenster eines Hutgeschäfts oder Frau und Mann bei einem Rendezvous. Dieter Kraemer ist ein stiller Beobachter seiner unmittelbaren Umwelt. Er lässt sich auf Menschen und Dinge ein, die ihn umgeben. Auffallend ist dabei die Virtuosität, mit der er sein Handwerk beherrscht und seine Liebe zum Detail. Zum 80. Geburtstag des am 8. Februar 1937 in Hamburg geborenen Künstlers richtet die Galerie Poll dem seit Jahrzehnten von ihr vertretenen Dieter Kraemer eine Ausstellung aus. Damit wird ein Ausstellungsreigen mit unterschiedlichen Themenschwerpunkten in verschiedenen deutschen Städten eröffnet, der im September (28.9.2017-21.1.2018) mit einer Retrospektive des Rheinischen Landesmuseums Bonn mit umfangreichem Katalog endet. Die in der Galerie Poll gezeigten frühen Stadtlandschaften und Berliner Stillleben sind entstanden, als Dieter Kraemer ab 1957/58 für einige Jahre in der geteilten Stadt lebt. Neben für Kraemer typischen, realistisch in gedeckten Farbtönen wiedergegebenen Motiven wie „Ausblick H.f.b.K. auf TU“, „Balkonstillleben“ oder „Ofenbild“ stellt die Galerie auch einige frühe Arbeiten des Künstlers zum Thema Luftfahrt vor. Auf diesen Bildern von Piloten, dem Flugplatz Berlin-Tempelhof oder technischen Details der Flugzeuge bedient sich der Maler, wie auch in einigen seiner frühen Berliner Stadtansichten, noch kubistischer Stilelemente; transparent aufgetragene Blau-, Grau- oder Violetttöne dominieren. Bemerkenswert ist, dass beide Lehrer Kraemers, Heinz Trökes in Hamburg und Hann Trier in Berlin, bei dem er 1961 sein Studium als Meisterschüler abschließt, Vertreter des Ungegenständlichen sind. Kraemer dagegen verfolgt in seinem Werk von Beginn an eine künstlerische Bestandsaufnahme der real existierenden Welt. Von seinen Lehrern eignet er sich nur das Handwerk an. Seine Vorbilder für den in dieser Zeit völlig inopportunen Realismus findet er in den Malern der Neuen Sachlichkeit, u.a. in Max Beckmann. „Kraemers Menschen sind alles eher als schön im landläufigen Sinne; die Antike und ihr Schönheits-Ideal liegen weltenweit hinter ihnen zurück, und ein Stich ins Proletarische läßt sich in ihren Gesichtern und Leibern keinesfalls übersehen. Sie blicken gleichgültig aneinander und am Betrachter vorbei in die Ferne, ein wenig dumpf zwar, aber dabei keinesfalls unzufrieden. […] Ihre Ruhe erinnert ein wenig an die Ruhe der Stilleben, und es wäre nicht übertrieben, zu sagen, Kraemer liebe es, die Menschen zu Menschen-Stilleben zu arrangieren“, schreibt der Kunstkritiker der Berliner Morgenpost Hellmut Kotschenreuther. Heinz Ohff konstatiert im Berliner Tagesspiegel: „Er klagt nicht an, er stellt fest. Seine Bilder haben das Gewicht lapidarer Erkenntnisse. So ist es. Nicht anders.“ Kraemers Talent wird früh erkannt: 1958 ist er Stipendiat der Studienstiftung des Deutschen Volkes und 1959 des Kulturkreises im Bundesverband der Deutschen Industrie. 1972 erhält er ein Stipendium der Cité des Arts, Paris, 1979 wird er mit dem Kunstpreis Villa Massimo, Rom, und 1980 mit dem Kunstpreis Villa-Romana, Florenz, ausgezeichnet. Schon als 26-Jähriger erhält Kraemer 1963 einen Ruf an die Kölner Werkschulen als Dozent für die Grundlehre. Im selben Jahr wird er Mitglied des Deutschen Künstlerbundes. Ab 1973 ist Kraemer Professor für Malerei am Fachbereich Kunst und Design an der Fachhochschule Köln und von 1993 bis 2003 Professor für Malerei an der Kunsthochschule für Medien Köln. Kraemer wurden zahlreiche Ausstellungen von Galerien und öffentlichen Institutionen ausgerichtet, seine Arbeiten hängen in bedeutenden Sammlungen und Museen. Dieter Kraemer lebt und arbeitet in Köln.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-02-04

Künstler: Bernard Larsson

Thema: Aufgrund des großen Erfolgs wird die Ausstellung bis zum 4. Februar 2017 verlängert. In Paris arbeitet Bernard Larsson als Assistent im Studio von William Klein, als er im August 1961 vom Bau der Mauer hört. Der 22-jährige Fotograf, geboren 1939 in Hamburg, auf­gewachsen in Schweden und Deutschland, reist sofort nach Berlin und bleibt dort, mit zwei Jahren Unterbrechung, die er in Hamburg verbringt, bis 1968. Die geteilte Stadt ist voller Warnschilder. „Leaving“ oder „Entering“ etwa, immer viersprachig: Vorsicht, Sie verlassen, betreten, den britischen, französischen, sowjetischen oder den amerikanischen Sektor. Straßenbarrieren, vermauerte Fenster und Grenzpolizisten auf erhöh­ten Beobachtungsplattformen prägen das Stadtbild. Bernard Larsson passiert unbefangen, beobachtend und mit seinem schwedischen Pass auch unbehelligt alle Sektorengrenzen. In einer Art von fotografischem Tagebuch hält er mit der Kamera fest, was er bei seinen Streifzügen durch Berlin beobachten kann. Meist ist er ohne Auftrag unterwegs, von 1966 bis 1968 dokumentiert er neben seiner Tätigkeit für den Stern Demonstrationen und Protestaktionen der rebellierenden Studenten. Larssons Fotografien folgen – im Zentrum des Kalten Kriegs – keinem politisch verordneten Wahrnehmungs­muster. Im Trubel von Protestparolen und BILD-Schlagzeilen, konfrontiert mit kruder DDR-Propaganda entwickelt der junge Fotograf sein Gespür für Zwischentöne. Er versteht, die Schrift in der Stadt zu lesen, zwischen den Zeilen, nicht nur Parolen wie „Wer die DDR angreift, wird vernichtet“ am östlichen Spreeufer. „Der fotografierende Grenzgänger bleibt als Querseher ein Querdenker“, konstatiert Christoph Vitali im Katalogbuch „Berlin. Hauptstadt der Republik. 1961-1968“, das 1998 anlässlich der Ausstellung von Bernard Larsson im Münchener Haus der Kunst erscheint. Mit den Schwarz-Weiß-Fotografien nähert sich Larsson vor allem den Menschen, erkundet ihren Alltag in der Mauerstadt: Eine Familie auf dem S-Bahnhof Alexanderplatz, die Warteschlange in der Fleischerei, ein Sonntagnachmittag mit Kinderwagen und Mercedes-Limousine in Kreuzberg. Eine Dampframme auf der Baustelle des Außenministeriums der DDR Unter den Linden hält Larsson ebenso fest wie eine Erste Mai-Demonstration mit Fah­nen­schwenkern. Auch den damals bekannten Größen aus Kultur und Politik begegnet der Fotograf: Günter Grass, Helene Weigel und Wolf Biermann oder Willy Brand. Neben einem Porträt des Bundeskanzlers Konrad Adenauer zeigt die Ausstellung in der Galerie Poll Larssons Aufnahme des emigrierten Filmregisseurs Fritz Lang bei einem Berlin-Besuch. Dem französischen Schriftsteller Jean Giono, der polnischen Filmlegende Andrzej Wajda oder dem amerika­nischen Pop-Art-Künstler Andy Warhol und dem Rockmusiker Jimi Hendrix sind weitere Por­trät­studien gewidmet. Auch Ossip Zadkine hat Larsson porträtiert, einige Radie­rungen des Bildhauers sind zeitgleich in der Kunststiftung Poll zu sehen. Gerhard Ullmann, Architekturfotograf und Kritiker, schreibt über die Bilder seines Freundes: „In Bernard Larssons Fotos bemerkt man noch immer die Unbeschwertheit und Freude des jähen Entdeckens; es sind Dokumente eines sensibilisierten, politisch aufmerksamen Zeit­genossen, der – skeptisch gegenüber Parolen und weltvereinnahmenden Ideologien – die poli­tische Entwicklung Deutschlands nicht nur an seinen Institutionen, sondern auch auf den Straßen und Plätzen Berlins verfolgt. […] Seine Bilder besitzen jene Tiefendimension, die geschichtliche Zusammenhänge erschließt.“ Am 2. Juni 1967 fotografiert Bernard Larsson nach einer Demonstration den Studenten Benno Ohnesorg, der von einem Polizisten in Zivil aus direkter Nähe von hinten erschossen wird. Die Aufnahme, heute ein Schlüsselbild der 68er-Jahre, ist Teil der in der Ausstellung gezeigten Fotoserie zur Berliner Anti-Schah-Demonstration. Einem größeren Publikum sind die Fotografien von Bernard Larsson durch die Ausstellung „Leaving is Entering. Fotografien 1961-1968“ im Museum für Fotografie der Staatlichen Museen zu Berlin (noch bis 8. Januar 2017) bekannt geworden. Darüber schreibt Andreas Kilb in der FAZ: „Man kann solche Bilder nicht erfinden. Man muss sie finden. Bernhard Larsson hat sie gefunden, damals in Berlin, in der traurigsten und aufregendsten Stadt der Welt.“

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2017-02-14

Künstler: Martina Altschäfer

Thema: Unter dem Titel „true places“ stellt die Galerie Poll neue Arbeiten von Martina Alt­schäfer vor. Das Werk der Zeichnerin wurde im Frühjahr mit einer großen Einzelausstellung im Kulturspeicher im Stadtmuseum Oldenburg gewürdigt. In den vergangenen Jahren entstanden Berg- und Winter­land­schaften mit dramatischen Wolkenformationen über Gipfeln, Pässen, Schluch­ten und Seen. Viele der gezeigten Landschaften sind menschenleer, zeigen aber Spuren menschlichen Ein­wirkens oder Daseins. Mal bezwingt der Mensch die Natur („Staumauer“, 2016), mal ist es die Naturgewalt, die ihm zu schaffen macht oder ihn besiegt. („Funker“, 2016 oder „Strandgut“, 2015). In ihrer Schönheit und Harmonie, von der Künstlerin durch Lichtsetzung und Farbigkeit betont, wirken die gewaltigen Berglandschaften rätselhaft unwirklich und surreal. Und doch umkreist Altschäfer zeich­nerisch einen bestimmten Ort, ein bestimmtes Gebiet, true places, an denen sonderbare Dinge passieren können. So zeigt „Terra“, 2015 eine Szene, in der ein Tiger wie selbstverständlich neben einem Spaziergänger herläuft, während eine zweite Raubkatze sich im Schutz der Felsen über ein soeben gerissenes Beutetier hermacht. Die Zeichnungen entstehen Schicht um Schicht mit Blei- und Farbstift, Pastellkreide und Gouache auf großformatigem Karton. Allen Kompositionen liegt ein permanent weiter entwickeltes System aus Linien, Diagonalen und Ovalen zugrunde. Die Eindeutigkeit der Linie tritt allerdings durch das Verwischen und Verreiben der Farben mehr und mehr in den Hintergrund. Einzelne Szenen spielt die Künstlerin in Ideenskizzen durch. Für einige dieser in großer Virtuosität ausgeführten Miniaturen wählt sie als Träger schwarzen Zeichenkarton, der Tiefe und Plastizität der Motive zusätzlich verstärkt. Martina Altschäfer (*1960 in Rüsselsheim) hat während ihres Studiums an der Düsseldorfer Kunstakademie, das sie 1991 als Meisterschülerin von Konrad Klapheck abschloss, zu ihrem Ausdrucksmedium der Zeichnung gefunden. Ihre Arbeiten wurden mehrfach durch Stipen­dien und Preise ausgezeichnet, so erhielt sie 1990 das Burgund-Stipendium des Landes Rhein­land-Pfalz und 1992 den Preis des Landes Rheinland-Pfalz für Graphik. 2010 verbrachte sie als Gast der Stiftung Dr. Robert und Lina Thüll-Dürr (Schweiz) einen Arbeitsaufenthalt in der Casa Zia Lina auf der italienischen Insel Elba.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2016-11-19

Künstler: Rivka Rinn

Thema: Unter dem Titel „It’s not what you see“ stellt die Galerie Poll Arbeiten der in Tel Aviv geborenen, in Berlin lebenden Künstlerin Rivka Rinn aus. Gezeigt werden großformatige Fotografien (Auflage 3) aus den Jahren 2013 bis 2016. Neben sehr farbintensiven Arbeiten sind auch einige Schwarzweiß-Bilder zu sehen. Im Oktober läuft außerdem Rinns jüngste Videoarbeit „Swan Lake in the Desert“ im Schaulager der Galerie. Rivka Rinn hält in ihren Bildern Momente von Bewegung und Geschwindigkeit fest. Sie fotografiert aus den Fenstern von Autos, Zügen oder Flugzeugen heraus. Dadurch wirken die Aufnahmen verwischt, erscheinen abstrakt. Aber mit kurzen Belichtungszeiten gelingt es der Künstlerin, ausgewählte Details, einen typischen Gestus oder Habitus hervorzuheben. Unzählige Schnappschüsse stehen am Beginn eines Arbeitsprozesses, in dessen Verlauf Motive kombiniert oder durch die Wahl des Ausschnittes in neue Kontexte gestellt werden. So werden etwa größere Menschenmengen an Orten der Mobilität wie Bahnhöfen oder Flughäfen in Rinns Aufnahmen zum Teil einer Choreographie. Durch extreme oder ungewöhnliche Ausschnitte erschließt sich der Bildgegenstand erst nach wiederholtem Hinsehen. Die Wahl der Titel verstärkt diesen Effekt: Die streng komponierte Schwarz-Weiß-Fotografie „L’oeil dans l’horloge“ entpuppt sich erst nach mehrfachem Hinschauen als Blick ins Innere eines Flugzeugtriebwerks. „Water Lilies“ ist nicht sofort als Luftaufnahme einer größeren Ansiedlung inmitten von Gewässern und Wäldern zu erkennen, sondern gleicht einer malerischen Seerosenlandschaft. Nicht nur die allgegenwärtige Mobilität ist Thema von Rinns Arbeiten, sie werden zugleich grundiert durch autobiographische Bezüge und vielfältige Exilerfahrungen in ihrer Familie. Rinns Bilder und Videos handeln nicht nur vom ungezwungenen Reisen und Unterwegs sein, sondern verweisen auch auf die einschneidenden Erlebnisse von Flucht und Migration. Rivka Rinn studierte Bildende Kunst an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien (1976-1980). Sie unterrichtete an der Internationalen Sommerakademie für Bildende Kunst in Salzburg und ist seit 2002 Gastprofessorin für Künstlerisches Gestalten am Institut für Experimentelle Architektur der Universität Innsbruck. Ihre Arbeiten wurden in Europa, Israel und Amerika gezeigt. In Berlin wurden viele von Rivka Rinns Bildern en bloc für eine Dauerausstellung in Andel’s Hotel in Lichtenberg erworben. Mit ihren Fotografien ist sie in privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten.

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2016-10-01

Künstler: Hermann Albert, Peter Benkert, Hans-Jürgen Diehl, Harald Duwe, Herbert Kaufmann, Dieter Kraemer, Reinhard Lange, Maina-Miriam Munsky, Wolfgang Petrick, Joachim Schmettau, Peter Sorge, Volker Stelzmann, Norbert Tadeusz, Jürgen Waller, Lambert M. Wintersberger

Thema: Eine Ausstellungsreihe in vier Teilen Teil I: 10. September bis 1. Oktober 2016 Eröffnung: Freitag, 9. September, 18-21 Uhr, in den Räumen der Galerie der Kunststiftung Poll und der Galerie Poll Aus Anlass ihres 30-jährigen Bestehens zeigt die Kunststiftung Poll vom 10. September 2016 bis 28. Januar 2017 eine vierteilige Ausstellungsreihe, die Einblicke in ihre Sammlung mit Positionen von 60 modernen und zeitgenössischen Künstlern gewährt. Die Kunststiftung Poll wurde 1986 von Eva und Lothar C. Poll im damaligen West-Berlin gegründet, u.a. um die Nachlässe von Christel Poll (1914-1992) und Hermann Poll (1902-1990) zu bewahren und zu betreuen. Die Stiftungsbestände umfassen Malerei, Skulptur, Papierarbeiten und Fotografie. Heute bilden Werkgruppen der Maler und Zeichner Hermann Albert, Herbert Kaufmann, Wolfgang Petrick und Peter Sorge weitere Schwerpunkte. Im Jahr 2004 kam der Nachlass des documenta– und Künstlerfotografen Erhard Wehrmann (1930-2004) hinzu, der auch viele in der Sammlung vertretene Künstler porträtiert hat. Ausgerichtet ist die Sammlung an den Vorstellungen von Eva und Lothar C. Poll, die 1968 in West-Berlin ihre Galerie gründeten, deren Programmschwerpunkt realistische und figurative Kunst der Gegenwart seit 1960 bildet. Der Kunstkritiker Heinz Ohff prägte hierfür den Begriff Berliner Kritischer Realismus. Seit 1997 und nach Umzug in die ehemalige Musikschule Mitte wird in der Galerie der Kunststiftung auch Fotografie gezeigt, mittlerweile ein weiterer Schwerpunkt der Sammeltätigkeit. Eröffnet wird die Ausstellungsreihe mit Malerei, Skulptur und Papierarbeiten der Berliner Kritischen Realisten und weiteren vorwiegend gegenständlich arbeitenden Künstlern, aber auch abstrakten Positionen der 60er Jahre. Zumeist aus der gleichen Generation wie Eva und Lothar C. Poll stammend, verbinden Hermann Albert, Hans-Jürgen Diehl, Harald Duwe, Wolfgang Petrick, Joachim Schmettau, Peter Sorge, Volker Stelzmann, Norbert Tadeusz, Lambert M. Wintersberger und andere ihre künstlerische Arbeit oft mit gesellschaftskritischen Intentionen. Der zweite Teil gibt mit Arbeiten von Ursula Arnold, Göran Gnaudschun, Karl-Ludwig Lange, Gerd Ludwig, Gabriele Mucchi, Gabriele und Helmut Nothhelfer, Michael Schmidt, Erhard Wehrmann und anderen einen Einblick in die Fotobestände der Stiftung. Im dritten Teil der Ausstellungsreihe wird die nächste Künstlergeneration vorgestellt, darunter Ralf Kerbach, Hans Scheib, Norbert Wagenbrett und die Neue Wilde Malerei von G.L. Gabriel und Thomas Lange. Den Abschluss bildet eine Auswahl klassischer Positionen: Die Arbeiten von Eduard Bargheer, Werner Gilles, Holmead, Gabriele Mucchi, Christel Poll, Hermann Poll, Herbert Sandberg, Ossip Zadkine und anderen entstanden zumeist in Reaktion auf die Kriege des 20. Jahrhunderts. Die wissenschaftliche Aufarbeitung der Bestände mit Katalogen und Werkverzeichnissen sowie die Vorbereitung von Ausstellungen in anderen Institutionen zählt die Stiftung ebenfalls zu ihren Aufgaben. Hinzu kommen öffentliche Projekte wie das Vorhaben „Berliner Bildhauerinnen auf dem Garnisonkirchplatz in Berlin-Mitte“ mit Skulpturen von Sabina Grzimek, Emerita Pansowová und Genni/Jenny Wiegmann-Mucchi. Die Stiftung wird von einem Beirat unterstützt. Ihm gehören der Kunsthistoriker Eckhart J. Gillen, der Jurist und Kunstsammler Arnold Heidemann sowie die Künstler Ralf Kerbach, Jan Schüler und Jürgen Waller an. Bis zu ihrem Tod wirkten auch der Gründungsdirektor der Berlinischen Galerie Eberhard Roters, der langjährige Feuilleton-Chef des Tagesspiegels Heinz Ohff und der Museumsdirektor und Ausstellungsmacher Karl Ruhrberg im Beirat mit. Langfristiges Satzungsziel der Kunststiftung Poll ist es, die Sammlung einem Museum zu übertragen. Zu den Ausstellungen erscheint eine begleitende Publikation mit einem umfangreichen Abbildungsteil, Gesprächen mit Eva und Lothar C. Poll über die Kunststiftung Poll sowie zwischen Ralf Kerbach und Eckhart J. Gillen über die Berliner Kunstszenen der 1980er Jahre und einem Text von Jan Schüler u.a. Der Anhang enthält eine Übersicht sämtlicher Ausstellungen und Veröffentlichungen der Kunststiftung. (POLLeditionen, ISBN 978-3-931759-39-1, Preis 25 Euro)

Ort: POLL Galerie + Kunsthandel in Berlin bis: 2016-06-18

Künstler: Lambert Maria Wintersberger

Thema: „Kunst ist, in den Regenbogen Treppen meißeln“. Lambert M. Wintersberger Arbeiten aus verschiedenen Schaffensphasen von Lambert M. Wintersberger zeigen Galerie Poll und Kunststiftung Poll aus Anlass des 75. Geburtstages des Künstlers. Nach fünf Einzelausstellungen seit 1983 ist diese sechste der Versuch einer ersten Bilanz nach über 50 Jahren künstlerischen Schaffens des 2013 verstorbenen Künstlers. In der Galerie wird die Malerei ausgestellt, die Kunststiftung präsentiert Gouachen, Aquarelle und Kartonschnitte. Lambert M. Wintersberger, geboren am 23. April 1941 in München, absolvierte 1958 eine Lehre als Dekorations-, Kirchen- und Glasmaler, bevor er von 1959 bis 1961 an der Akademie der Bildenden Künste seiner Geburtsstadt studierte. Er setzte das Studium von 1961 bis 1964 in Florenz an der Accademia di Belle Arti fort und wechselte 1964 an die Hoch­schule der Künste nach West-Berlin, wo er bis 1969 als freischaffender Künstler lebte und zu den Gründungsmitgliedern der Ausstellungsgemeinschaft Großgörschen 35 gehörte. Nach Aufenthalten in Köln (1970), den USA (1971-1972) und Stuttgart (1969, 1980-1985) sowie einem Lehrauftrag an der Düsseldorfer Kunstakademie (1974-1977) erwarben Wintersberger und seine Frau Dolores Helena Wyss (1946-2005) den stillgelegten Bahnhof von Walbourg bei Hagenau im Elsass, wo er bis zu seinem Freitod lebte und arbeitete. „Ich bin weil ich male, und wenn ich male, bin ich mehr und für andere“, so Wintersbergers Selbsteinschätzung. Sein erster Galerist Hans-Jürgen Müller charakterisierte ihn so: „Sein Element ist Malerei, sein Leben die Kunst, sein Publikum er selbst.“ Die Malerei stand stets im Zentrum von Wintersbergers künstlerischem Schaffen. Angeregt durch das politische Klima in West-Berlin begann er dort in den sechziger Jahren unter dem Einfluss der Pop Art, seine neuartigen Bildvorstellungen zu realisieren. Die Fragmentierung der Figur ist charak­te­ristisch für seinen konturfixierten, glatten Frühstil mit überdimensionierten Fingern und Fingernägeln sowie riesigen Mündern aus der Welt der Werbung. Es folgen die „Verletzungen“ in unterkühlten Grautönen, ausgeführt in einer schablonenhaften Malweise: „Fesselungen“, „Sprengungen“ und „Spaltungen“ einzelner Körperteile werden formatfüllend dargestellt. „Die malerische Perfektion seiner Bilder bedeutet Tarnung. Dahinter tickt die Zeitbombe irdischer Folterungen und Zerstörungen. Seine Sehnsucht gilt einer heilen Welt.“ (Hans-Jürgen Müller) Die Theoriediskussion und vielfältige inhaltliche und künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema Realismus und Realität in der Kunst in der Bundesrepublik Deutschland, die 1972 in der documenta 5 und zahlreichen Themenausstellungen gipfelte, lösten auch im Werk von Wintersberger eine Veränderung aus. Bereits während der Arbeit an den Porträts der siebziger Jahre erprobte er seine expressive Malerei, die fortan sein eigentliches Thema darstellte: Die Sinnlichkeit des Pinselstrichs, die Macht der Farbe und deren Wirkung im Bildraum spielen nun eine zentrale Rolle. Das Malmittel Kunstharz wird durch Öl ersetzt. Bildmotive werden über Jahre durchgearbeitet, es entstehen Werkgruppen und Motivkomplexe zu teils banalen Themen wie Pilzen, deren unterschiedliche Sorten er 1972-1974 in einem 72-teiligen Bild relativ naturgetreu wiedergibt, oder Tierdarstellungen. Eine Auseinandersetzung mit der klassischen Antike oder der griechischen Mythologie führt ebenfalls zu Bildthemen. In Serien der achtziger Jahre wie „China-Afrika“ oder „Hawaii“ schildert Wintersberger Eindrücke eigenen Reiseerlebens und die subjektive Wahrnehmung lokaler Kultur mit mitteleuropäischer Mystik und Geschichte. In den neunziger Jahren widmet er seiner Wahlheimat Frankreich einen Zyklus zur „Maginot-Linie“. „Naturrealität kann so übergreifend mächtig sein, dass man sie sich per Nachbild und Imitation unterwerfen muss“, beschreibt Wintersberger die oft wochenlangen Naturstudien während seiner Reisen nach Amerika, in die Karibik, nach Hawaii oder Bali, nach Italien oder ins Nachbarland Schweiz, die er wie eine Art zeichnerisches und malerisches Tagebuch betreibt. Darüber hinaus unternimmt er immer wieder Exkursionen in die Kunstgeschichte mit Darstellungen weiblicher Akte und Selbstbildnissen. Lambert M. Wintersberger wurde mehrfach ausgezeichnet, seine Werke befinden sich in bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlungen, unter anderen in der Nationalgalerie der Staatlichen Museen Preußischer Kulturbesitz Berlin, im Kunstmuseum Bonn, im Städel Museum Frankfurt am Main, im Sprengel Museum Hannover und in der Staatsgalerie Stuttgart. Auch die Kunststiftung Poll besitzt mehrere Arbeiten des Künstlers.