Luisa Catucci Contemporary

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-12-06

Künstler: Goubert, Lucas

Thema: The Artist’s Dream In the quiet of his recent residency at Artlab_LCG, Lucas Goubert has woven a tapestry of dream and consciousness—an odyssey into the depths of the soul. His series, "The Artist’s Dream," emerges as a luminous bridge between the waking world and the mysterious realm of the subconscious, where anthropomorphic mystical creatures, poetry, and words intertwine with passion, love, and rage, like strands of an ancient spell. In such a short time, Lucas Goubert’s vibrant creativity produced a deeply conceptualized exhibition—an immersive experience of video, installation, and performance—where reality dissolves into myth and dreams. It is a testament to resilience, instinct, and the endless search for meaning amid chaos. The genesis of this project began with a simple yet profound act: painting the mattress displayed in the artist’s room—one of the actual mattresses used by previous residents, where countless artist’s dreams had once taken shape. That mattress, a silent witness to hopes, restless nights, and whispered visions, became the starting point for Lucas’s exploration into the collective dreamscape. In Goubert’s vision, a mattress is a portal to the multifaceted universe of the human mind—an opening to some parallel dimension where subconscious, dream, and magic dance together in an infinite ball. Following the mattress, Lucas moved on to create large-format works on paper, which serve as vivid, dynamic canvases. In Lucas Goubert’s practice, poetry and writing come first; the visual elements always derive from his words. The words are embedded within the compositions, vibrantly weaving through the anthropomorphized shadow lines, chaotic energy, rough brush strokes—almost brutal in their intensity—and nervously sketched forms that seem to pulse with urgent life. The words breathe and scream across the paper, infusing the work with raw emotion and visceral energy. From the start of his artistic journey—initially marked by spontaneous sketches inspired by poets like Mistral, Lorca, and Whitman—Lucas’s art has blossomed into a language full of archetypal figures—mystics, surreal creatures, and mythic beings—living passionately in their worlds, unfiltered and authentic. Using a palette of collage, oils, inks, and waxed crayons, he conjures scenes pulsating with Latin American magic realism, Jungian archetypes, Lovecraftian shadows, punk’s untamed spirit, Basquiatian naivety, and Chopinian Romanticism. The body holds a vital place in Lucas Goubert’s artistic practice and personal journey. His father’s long illness, a chronic aneurysm, caused his body to endure recurring explosions and crises over several years, culminating in the fatal rupture of his chest. This trauma profoundly shaped Lucas’s understanding of the body’s fragility and resilience. The sensations of explosion—both physical and emotional—became a bridge between the subconscious and the conscious. Initially perceived as negative, these body feelings were influenced also by childhood struggles with bullying, to be rediscovered as sources of joy and vitality through reconnecting with physical pleasures in adulthood. Working with these raw energies allows him to transform trauma and emotion into poetic images that pulse with life, full of vitality and honesty. "The Artist’s Dream" is more than a series of images; it is a poetic exploration of the dream within, an investigative quest for the universe that stirs within us all. His characters embody the pulse of the collective unconscious, living intensely within their worlds—boldly, passionately, and with rage—calling out with raw urgency. Behind each image lies a universe of mystical symbols and passionate screams, demanding to be heard. As this residency concludes, Lucas Goubert’s art leaves us suspended between worlds—reminding us that within the dream lies the seed of awakening, and that through art and poetry, we can connect to the infinite cosmos.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-12-20

Künstler: Lidó Rico

Thema: „De Rerum Naturae“ von Lidó Rico ist eine tiefgehende Erforschung der inhärenten Beziehung zwischen Mensch und Natur, inspiriert durch das antike philosophische Werk von Lucretius, das für das Verständnis des Universums durch seine Physikalität plädiert. Ricos Arbeit hinterfragt unsere kollektive Wahrnehmung der Natur und stellt die anthropozentrische Weltsicht in Frage, die die menschliche Existenz seit langem als getrennt von oder überlegen gegenüber der natürlichen Ordnung definiert. In dieser Ausstellung überschreitet Rico die Materialität seiner gewählten Techniken – flüssige Harze, die in Silikonformen gegossen werden, einige gegossen aus seinem eigenen Körper, andere aus Gehirnen, die von der Universität Murcia gespendet wurden – und unternimmt eine kritische Revision des westlichen Humanismus aus einer posthumanistischen Perspektive. Sein Werk bewohnt einen interstitiellen Raum, in dem die Grenzen zwischen dem Humanen und dem Nicht-Humanen, dem Natürlichen und dem Künstlichen verschwimmen. Diese Arbeiten provozieren eine Destabilisierung von Dualismen und decken die Gewalt auf, die in einer Gesellschaft verankert ist, die von unermüdlicher Produktivität, technologischer Abhängigkeit und tiefer Erschöpfung getrieben wird – ein Spiegelbild der zeitgenössischen Entfremdung. Im Kern fordert *„De Rerum Naturae“* eine kritische Reflexion über den modernen Menschen – ein Wesen, das aus natürlichen Prozessen geboren wurde, aber zunehmend von seinen biologischen Wurzeln entfremdet ist. Ricos Werke setzen sich mit den ökologischen und existenziellen Konsequenzen dieser Entfremdung auseinander. Seine Figuren – fragile Köpfe, Gehirne mit technologischen Implantaten und verzerrte Gesichter – verkörpern eine Menschheit, die zwischen ihren natürlichen Ursprüngen und den künstlichen Systemen der Kontrolle, Produktivität und technologischen Abhängigkeit gefangen ist, die drohen, sie von ihrer wesentlichen biologischen Natur zu trennen. Ricos Skulpturen fungieren als visceral-metaphorische Darstellungen der systemischen Gewalt, die von einer Gesellschaft der ständigen Leistung ausgeht. Seine Arbeiten konfrontieren den Betrachter mit dem kollektiven Trauma einer Epoche, in der psychische Erkrankungen – wie ADHS, Burnout und neurodegenerative Krankheiten – als Symptome einer erschöpften Seele manifest werden, die vom Gewicht einer hyper-effizienten Gesellschaft erdrückt wird. Diese Gesellschaft, die nicht mehr durch die disziplinarischen Räume von Foucaults Überwachung (Krankenhäuser, Gefängnisse, Fabriken) organisiert ist, hat sich in eine „Leistungsgesellschaft“ verwandelt, in der das Individuum sowohl das Mandat als auch die Selbst-Ausbeutung internalisiert – und den Subjekt zum eigenen Unterdrücker macht. Ricos Werke fassen diese Internalisierung zusammen und zeigen, wie die moderne Psyche in einem Zyklus von Selbstdruck gefangen ist, was sich in Symptomen von Depression, Erschöpfung und existenziellen Krisen manifestiert. Der Einfluss von Lucretius erinnert uns daran, dass das Universum ein unendlicher Prozess der Transformation ist – eine laufende Alchemie –, bei der Materie und Geist sich ständig auflösen und neu formen. Ricos Skulpturen verkörpern diese Dynamik und wirken als *memento mori* für eine Spezies, die in ihrer Hybris ihre materiellen Wurzeln vergessen hat. Durch die Betrachtung des körperlichen und psychologischen Traumas, das in seinen Skulpturen verkörpert ist, offenbart Lidó Rico die Gewalt des unaufhörlichen Strebens nach Produktivität und Effizienz. Seine Körper sind keine bloßen Repräsentationen, sondern Orte des inneren Konflikts, die eine kollektive Erschöpfung und eine Bruchstelle in der menschlichen Existenz widerspiegeln, verschlungen mit den ökologischen und sozialen Krisen unserer Zeit. Seine Werke – mit ihrer rohen Materialität und konfrontativen Präsenz – zwingen uns, unsere eigene Verletzlichkeit zu erkennen und die Grenzen neu zu denken, die uns von der Nicht-Mensch-Natur und Technologie trennen. „De Rerum Naturae“ lädt uns ein, unser Verständnis von ökologischer und ontologischer Verbundenheit neu zu reflektieren und fordert einen Schritt jenseits der Illusionen von Meisterschaft und Kontrolle. Es unterstreicht die dringende Notwendigkeit, eine neue Erzählung zu entwickeln — eine, die unsere Ko-Evolution mit der natürlichen Welt anerkennt, Transformation als grundlegende Bedingung des Daseins begreift und die Ideologien dekonstruieren, die dem modernen Humanismus zugrunde liegen. Nur durch dieses Umdenken können wir eine nachhaltige Beziehung zur Umwelt und eine bewusstere Haltung gegenüber unserem Platz im natürlichen Kreislauf finden, um so den Herausforderungen unserer Zeit sinnvoll zu begegnen.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-09-29

Künstler: Mario Cinquemani

Thema: Mexican artist Mario Cinquemani presents the culmination of his Berlin residency with Beyond The Glaze, a series of portrait paintings that probe the fragile boundary between outer appearance and inner life. Cinquemani’s works confront the traditional genre of portraiture, peeling away layers of representation to reveal psychological tensions and emotional undercurrents that resist easy interpretation. Through expressive brushwork and subtle distortions, his portraits transcend likeness, becoming mirrors of hidden states of mind. Faces emerge not only as individual identities, but as vessels of vulnerability, longing, and introspection. The exhibition invites viewers to step past the surface, to engage with the unspoken narratives and unguarded truths that lie beneath the glaze.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-10-11

Künstler: Loris Cecchini, Andrea Mastrovito

Thema: The exhibition project explores the boundaries between reality, perception, and symbolism through the works of two artists who, despite coming from different backgrounds, share a poetic vision focused on the constant transformation of reality through a visionary language. Other key themes explored by Andrea Mastrovito and Loris Cecchini in this exhibition are also highly topical: the ambiguity of historical memory, the disruption of traditional conceptions of the body, and the infinite, uncontrollable potential of human imagination supported by new technologies. Loris Cecchini – The Developed Seed Loris Cecchini (1969) lives and works in Milan. One of the most prominent Italian artists on the international stage he has exhibited his works throughout the world with solo exhibitions in prestigious museums such as Palais de Tokyo in Paris, Musée d’Art Moderne de Saint-Étienne Métropole in Saint-Priest-en-Jarez, MoMA PS1 in New York, Shanghai Duolun MoMA of Shanghai, Museo Casal Solleric in Palma de Mallorca, Centro Galego de Arte Contemporánea in Santiago de Compostela, Kunstverein of Heidelberg, Centro per lʼArte Contemporanea Luigi Pecci in Prato. Loris Cecchini has participated in numerous international exhibitions, including the 56th, 51st and 49th Venice Biennale, the 6th and the 9th Shanghai Biennale, the 15th and 13th Rome Quadrennial, the Taiwan Biennale in Taipei, the Valencia Biennale in Spain and the Biennale of Urbanism/Architecture (UABB) in Shenzhen, Time Gravity – 2023 Chengdu Biennale China. Loris Cecchini has also taken part in several collective shows, including exhibitions at the Ludwig Museum in Cologne, PAC in Milan, Palazzo Fortuny in Venice, Macro Future in Rome, MART in Rovereto, Londonʼs Hayward Gallery, The Garage Centre for Contemporary Culture in Moscow, Palazzo delle Esposizioni in Rome, Musée dʼArt Contemporain of Lyon, Shanghaiʼs MOCA, the Deutsche Bank Kunsthalle in Berlin and others. He has created various permanent and site- specific installations, particularly at Villa Celle in Pistoia and in the courtyard of Palazzo Strozzi in Florence, at the Boghossian Foundation in Brussels and for the Cleveland Clinicʼs Arts & Medicine Institute in the United States, at the Cornell Tech Building in New York and at the Rectorate of the Università 3 of Rome, Lungamanica in the Quirinal Palace, Rome. Loris Cecchini’s The Developed Seed explores the evolution of the seed as a metaphor for growth, potential, and metamorphosis. The work represents an expanding world in which the natural element, while preserving its organic essence, is reinterpreted in a nearly abstract and technological dimension. Cecchini plays with sculpture, matter, and space, creating a dialogue between nature and artifact that prompts reflection on the relationship between humans and the natural world, on humanity’s ability to develop and shape its surroundings. Sowing and growth are, for the artist, moments of transformation that reveal themselves in a continuous tension between potential and realization. His work questions the cycle of life and the responsibility we bear in giving form and substance to what is coming into being. Andrea Mastrovito – NYsferatu: Symphony of a Century A 2001 graduate of the Academy of Fine Arts in Bergamo, he lives and works between Bergamo and New York. In 2007 he won the New York Prize, awarded by the Italian Ministry of Foreign Affairs; in 2012 the Moroso Prize; in 2016 the Ermanno Casoli Prize; in 2017 the NYSCA and the NEA Award for his collaboration with the New York-based nonprofit More Art; in 2019 the Italian Council, convened by the Ministry of Culture; in 2021 the Prix Plantagenet and the Icona Prize; and in 2022 the PAC, awarded by the General Directorate for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture. His works have been exhibited in numerous international museums including: in Rome at the MAXXI, MACRO and Palazzo delle Esposizioni; in Milan at Museo del Novecento and Palazzo Reale; at MART in Rovereto; at Centro Pecci in Prato; at Museo Novecento in Florence; at Belvedere 21 in Vienna; at MUDAC in Lausanne; at MUDAM in Luxembourg; at the Manchester Art Gallery; in New York at Queens Museum, at Museum of Arts and Design, at The Drawing Center and at Magazzino Italian Art. Recent public solo shows include Res Gestae (Museo di Palazzo Braschi, Rome, 2024); Yo Lo Vi (Proa21, Buenos Aires, 2022); Strange Days (Laznia Center, Gdansk, 2021); I Am Not Legend (Museo di Palazzo Fabroni, Pistoia, 2020); Very Bad Things (National Gallery of Modern Art, Rome, 2019); Le Monde est Une Invention sans Futur (Fondation Bullukian, Lyon, 2019); At the end of the line (GAMeC, Bergamo, 2014). Since 2014 he has created a series of permanent public interventions in Italy, France, Belgium and the United States. In 2017 he made his directorial debut with the animated feature NYsferatu - Symphony of a Century, followed by the sequel, I Am Not Legend, in 2020. Since 2021 he has been co-founder, in Bergamo, of The Drawing Hall, the first exhibition space dedicated to contemporary Italian drawing, of which he is artistic director. Andrea Mastrovito has been represented by Wilde Gallery (Geneva, Basel, Zurich) since 2012. Andrea Mastrovito’s work NYsferatu addresses one of the most powerful and unsettling themes of popular culture: the image of the vampire, a symbol of darkness that overlays the light of reason. NYsferatu is not merely a reinterpretation of the silent film classic, but a deeper investigation into the nature of evil and fear—elements that permeate the compositional structure of the video. Mastrovito transforms horror iconography into a work that invites the viewer to reflect on the human condition, the boundary between life and death, and the impossibility of escaping a perpetuated destiny. Through his use of materials, techniques, and forms that blend tradition and modernity, the artist creates a visual impression that transcends the concept of fear and offers a meditation on existence and our fragile condition. A Meeting of Worlds The dialogue between Mastrovito’s and Cecchini’s works generates a reflection on the body and nature, as well as the interaction between the organic and inorganic, the living and the artificial. Although dealing with different subjects, the works complement each other by highlighting the endless possibilities of transformation and the constant tension between limits and transcendence. The exhibition Sub Limine – The Power Of Creation presents two highly contemporary artistic visions and offers a unique opportunity to explore the depths of imagination and artistic creation, where the boundaries between the natural and the supernatural blur, generating new connections between art, life, and our everyday experience.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-06-29

Künstler: Anja Musura

Thema: SONIC RESONANCE, opening on June 13th at LCG_ARTLAB, marks the culmination of Anja Musura’s one-year residency in Berlin. Developed between February 2024 and May 2025, the project explores the translation of sound into visual and spatial form—framing sound as a medium of invisible energy, resonance, and transformation. Installed in the front room, the works take shape as minimalist, monochrome compositions derived from field recordings across the Berlin cityscape. Engaging a synesthetic process, Musura transposes auditory input into visual language—revealing the subtle dynamics between stillness and movement, symmetry and disruption, presence and void. The audio component of the exhibition was developed in collaboration with Berlin-based DJ and sound artist Carly Zeng, whose contribution enhances the immersive, vibrational quality of the space. In the back room, the installation ECLIPSE forms a central experiential moment within the Sonic Resonance series. Inspired by the astronomical event, ECLIPSE merges light and sound in an atmospheric environment that holds the viewer in a state of perceptual suspension. Calm yet intense, silent yet charged, the work unfolds as a sensory threshold—where disruption signals renewal, and the unknown becomes a site of potential. Presented as part of the 48 Stunden Neukölln festival (June 27–29, 2025), the exhibition invites visitors into a liminal space shaped by resonance, intuition, and the fleeting architectures of visual sound. The vernissage will be held on June 13th from 6 to 9 PM at the Art Lab, located at Allerstraße 38, 12049 Berlin. The exhibition will run until June 29th and can be visited from Wednesday to Saturday, between 2 and 6 PM.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-06-14

Künstler: Simone Pellegrini, Aniana Heras, Forlenza jewellery atelier

Thema: Chronotopes brings together the work of Simone Pellegrini, Aniana Heras, and the Forlenza jewellery atelier in a setting that blurs the line between contemporary art exhibition and archaeological museum. The display evokes vitrines, relics, and ceremonial stillness, yet what we encounter are not remnants of a known past, but objects from speculative time-spaces—chronotopes in the Bakhtinian sense: narrative zones where time and space coalesce into mythic and imaginative forms. Each artist contributes to this fictional archaeology through a language that fuses the material and the symbolic. Simone Pellegrini creates painterly monotypes that resemble maps of lost territories, altars, or ritual diagrams. His technique is rigorous and self-contained: carved matrices used only once and then destroyed, yielding singular, unrepeatable works. The result is a body of images that feels unearthed, inscribed with echoes of ancient cosmogonies, pagan rites, and collective memory. Aniana Heras operates in the realm of clay, working from elemental vessels—bowls, jars, bottles—that serve as the foundation for improvisational sculptural acts. Her pieces are tactile investigations of instability, equilibrium, and transformation, where raw terracotta and volatile glazes challenge the boundaries between utility and ceremony, tradition and experimentation. Each work becomes a fragment of a lived yet unknowable culture. Forlenza, a Roman family atelier active since 1960, presents jewellery as miniature mythologies. With deep roots in classical aesthetics and informed by studies in archaeology, art history, and design, Michele and Alessandro Forlenza create pieces that blend the elegance of antiquity with the energy of contemporary culture. Their jewellery appears as intimate reliquaries—evocative, baroque, at times even funerary—each marked with the historic Roma 207 stamp, suggesting provenance from a world half-remembered, half-invented. Together, these three practices do not recreate the past, but fabricate temporal fictions. In Chronotopes, art becomes artefact, the gallery a museum of never-was. We are invited to wander through imagined ruins, where time folds, symbols accumulate, and the present masquerades as the ancient.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-05-04

Künstler: Wolfgang Flad & Rémy Hysbergue

Thema: Luisa Catucci Gallery, in collaboration with Jaeger Art, is pleased to present "The Wisdom of the Peacock," an exhibition that proposes an engaging visual and conceptual dialogue between German artist Wolfgang Flad and French artist Rémy Hysbergue. Through their distinctive yet complementary approaches to materiality, light, and space, the two artists weave together a narrative that invites viewers to explore perception, depth, and the intangible beauty of abstraction. Much like the peacock, whose vibrant plumage serves both as a display of attraction and a symbol of wisdom, Flad and Hysbergue masterfully employ color to draw the viewer in, revealing layers of meaning and complexity beneath their striking surfaces.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-01-14

Künstler: Parsa Hosseinpour

Thema: Parsa Hosseinpour is an Iranian artist currently participating in the three-month residency program at the Artlab of Luisa Katucci Gallery in Berlin. Her work has always captivated us, and her participation in this residency is a long-anticipated and meaningful addition. Parsa’s practice is rooted in painting, where her primary subject is a solitary woman. This recurring figure, while not a direct self-portrait, often reflects the artist’s inner world and personal exploration of identity and emotion, becoming universal through her artistic practice. Her works convey themes of introspection, isolation, and connection, capturing global human experiences. The latest series of hers - strongly developed during the residency - involves paintings created on textured, hairy blankets. This series of works cross the border of a standard painting by being photographed together with the artist placed in natural environments —an exploration that merges art with the organic dynamism of the outdoors, though this remains an exception within her largely classical approach.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-01-11

Künstler: Gregory de la Haba and Easy

Thema: Take It Easy showcases the latest paintings by the New York-based, multidisciplinary artist, Gregory de la Haba, featuring the prominent graffiti writer, Easy. Curated by Luisa Catucci, owner and director of the eponymous gallery in Berlin, the exhibition is co-hosted with the renowned architecture firm, GRAFT—founded by Lars Krückeberg, Wolfram Putz, and Thomas Willemeit—celebrated for their design of Urban Nation, the Urban and Street Art Museum in Berlin. This further collaboration of venues, inspired by the collaboration of the two American artists, underscores the importance of collective efforts in fostering a vibrant, forward-thinking cultural and creative community. Additionally, the proximity of the two exhibition spaces—Luisa Catucci Gallery and GRAFT Studio—just meters apart ensures trouble-free access for collectors and art enthusiasts alike.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2025-01-17

Künstler: Claudia Virginia Vitari

Thema:

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2024-09-14

Künstler: Elisabeth Masé

Thema: LUISA CATUCCI GALLERY presentiert Buchvorstellung und Podiumsdiskussion Samstag, 14. September 2024 um 18:00 Elisabeth Masé More and More Goddesses Verlag Kleinheinrich Münster 2024 Dr. Brigit Blass-Simmen - Kunsthistorikerin, Autorin und Vorsitzende des Kaiser Friedrich Museumsvereins KFMV Dr. Thomas Kellein - Kunsthistoriker, Autor und Kunstberater Elisabeth Masé - Künstlerin und Autorin Moderation: Luisa Catucci - Kuratorin und Galeristin Publikation erschienen anlässlich der Ausstellung „More and More Goddesses" Luisa Catucci Gallery - Brunnenstr 170, 10119 Berlin-Mitte

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2024-08-30

Künstler: Marion Mandeng - Barbara Boekelman - Eleonora Roaro - Cathy Jardon - Irina Gabiani

Thema: Diese Ausstellung, die ihren Titel von dem gleichnamigen Buch von Becky Chambers übernimmt, strebt danach, ein visuelles Gedicht zu Ehren der Wild Gebauten zu sein. Sie ist eine Liebes- und Solidaritätserklärung von vier wild gebauten Künstlerinnen sowie den vier wild gebauten Frauen, die die Luisa Catucci Galerie betreiben, an ihre ungezähmten Kolleginnen und Kollegen. Die innere Wildheit ist eine tiefe, ungezähmte Kraft, die in vielen Individuen schlummert. Diese innere Wildheit zu umarmen, ermöglicht es Frauen, ihre ursprüngliche Kraft zu entfalten, sich wieder mit ihren natürlichen Instinkten zu verbinden und die Komplexitäten des Lebens mit einem unerschütterlichen Geist zu meistern. Diese Wildheit trotzt gesellschaftlichen Erwartungen und Einschränkungen; sie mag vorübergehend eingedämmt oder zurückgehalten werden, aber sie findet letztlich ihren Weg zur Eruption. Sie ist eine Quelle von immensem Stärke, Widerstandsfähigkeit und Intuition, die sich in Ausdrucksformen tiefgründiger Kreativität, starker Schutzinstinkte und unerschütterlicher Entschlossenheit manifestiert. Dieser Strom roher Kreativität setzt Frauen an die Spitze der wild Gebauten, trotz der historischen und gesellschaftlichen Nachteile, die ihnen nicht die gleichen Chancen wie ihren männlichen Gegenstücken boten. Wie ein Vulkan, der nach Jahren der Inaktivität ausbricht, ist die Kreativität der Frauen im letzten Jahrhundert neu erblüht und hat wesentlich zu den inspirierenden und herausfordernden Veränderungen beigetragen, die die Gesellschaft kontinuierlich benötigt. Die Ausdrucksformen des Schaffens wild gebauter Frauen in der zeitgenössischen Kunstszene sind vielfältig und zahlreich. Diese Ausstellung erhebt nicht den Anspruch, die Geschichte der Frauen in der Kunst (oder anderen Bereichen) zu repräsentieren oder zu lehren, sondern möchte einfach Liebe und Wertschätzung für verwandte Seelen ausdrücken. Darüber hinaus manifestiert sich die innere Wildheit in vielfältigen Ausdrucksformen. Diese Ausstellung konzentriert sich nicht auf explosive Gesten im Stil von Jackson Pollock oder leidenschaftsgetriebene Ausdrücke wie bei Tracey Emin, sondern auf eine Wildheit, die tiefe, tiefgründige Reflexionen über sich selbst, die Gesellschaft, das Dasein und die eigene Haltung und Rolle induziert. Die deutsche Künstlerin Marion Mandeng lebt und arbeitet zwischen Berlin und London. Wiederholung ist ein zentrales Element in Marions Arbeit und dient als mächtiges Werkzeug, um ihre ironische Kritik an Gesellschaft, Rollenmodellen und Standardisierung zu unterstreichen. Sie untersucht menschliches Verhalten und enthüllt eine weibliche Perspektive – das freudianische „fehlende Subjekt“ in der Gesellschaft. Durch ihre künstlerische Sichtweise werden Vulven – lange Zeit von der Gesellschaft objektifiziert – zu mächtigen Subjekten, die die Geschichte des Kampfes der Frauen um Rechte repräsentieren. Gleichzeitig werden Objekte, die traditionell mit Männern assoziiert werden, mit einer weiblichen Dimension bereichert, was darauf hindeutet, dass für eine gesunde Realität ein Gleichgewicht zwischen männlich und weiblich, zwischen Frauen und Männern erforderlich ist. Marions Farbpalette, hauptsächlich Pink und Schwarz, ist eine elegante Kombination, die reich an Bedeutung ist. Sie symbolisiert die Zusammenarbeit zwischen verschiedenen Ethnien, eine weitere fundamentale Säule einer gesunden Gesellschaft. In einer ihrer Serien stellt Marion Superhelden – Frauen und Männer – dar, die in Schwarz gemalt und in Kisten verpackt sind, was auf auferlegte falsche Werte hinweist, die statt einzigartiger Qualitäten zu fördern, standardisieren und unterdrücken. Reich an Humor, stellt Marions Werk eine gesunde Manifestation des Feminismus dar. Es zeigt Frauen als Protagonistinnen, unterstützt von allen anderen wild gebauten Wesen, die für eine emanzipiertere, ausgewogenere und gerechtere Gesellschaft kämpfen. Barbara Boekelman ist eine niederländische Künstlerin mit Wohnsitz in Neuseeland, die kürzlich den dritten Platz beim internationalen BBA ARTPRIZE belegt hat. Ihre Gemälde sind stark und kraftvoll, aber zugleich tröstend, vertraut und einhüllend, reich an anregenden Kontrapunkten. Auf den ersten Blick erscheinen Barbara Boekelmanns Gemälde abstrakt, doch sie enthüllen eine verborgene Figuration innerhalb der Pinselstriche. Ausgangspunkt ihrer Arbeit sind repräsentative Bilder, die sie allmählich zu einer überwiegend abstrakten Verschmelzung von Farbe und Form überführt. In einem intuitiven Spiel des Verbergens und Enthüllens verschieben sich Vorder- und Hintergrund kontinuierlich. Diese Abwechslung zwischen Abstraktion und Figuration ermöglicht es Barbara, die Freiheit des Ausdrucks zu genießen, und sie weigert sich aktiv, sich für die eine oder andere Richtung zu entscheiden. Wie jede wild gebaute Person kann sie nicht durch eine einzige Eigenschaft definiert werden. Ihre gewählte Farbpalette bietet einen reizvollen Kontrast, indem sie zugleich lebhaft, energisch, fast aggressiv, sowie weich, tröstlich und charmant ist, dank der geschickt hinzugefügten Pastellnoten im Impasto. Barbara umarmt die Widersprüche des Daseins und enthüllt sie in ihrer Kunst. Ihr Hintergrund im Journalismus drängt sie dazu, die Erzählungen ihrer Gemälde auf soziale, politische oder existenzielle Themen zu stützen, die ihr am Herzen liegen. Die in „Psalm For The Wild Built“ gezeigten Werke sind jene, die kürzlich von der BBA ausgezeichnet wurden und Barbaras dynamischen und facettenreichen Ansatz in der zeitgenössischen Kunst zeigen. In den Arbeiten der französischen Malerin Cathy Jardon spielen geometrische Konstruktion, Wahrnehmung und Wiederholung eine zentrale Rolle. Ein erster Blick auf Cathys Werke offenbart ihr tadelloses ästhetisches Gespür, reich an Verspieltheit und unterstrichen von einer positiven, lebendigen Farbpalette. Bei näherer Betrachtung hinterfragt ihr abstraktes geometrisches Vokabular fortwährend die Vorstellung von Bild. Cathys Gemälde sind akribisch konstruiert, wobei das illusorische Chiaroscuro als unangefochtener Champion ihrer Kompositionen fungiert. Ihre Gemälde sind dicht, obsessiv und kontrolliert, doch in jedem von ihnen erhebt sich ein Element als kraftvolle, dissonante Note – das wild gebaute Element, für das Konformität unmöglich und inakzeptabel ist. Dieses Element könnte eine einzelne Quaste sein, die sich unfähig fühlt, die Akzeptanz und Uniformität der Realität zu vollenden, oder eine seltsame Perspektive, die den Zusammenbruch einer Existenz voller Widersprüche zeigt – ein Hauch von Metaphysik für die wild gebauten Raver. Cathys Gemälde sind keine Aufforderung zur Rebellion, sondern eine Ode an die Einzigartigkeit. Es gibt keine endgültigen Antworten in Cathys Werken auf diese existenziellen Fragen, doch wenn man ihnen begegnet, wird man von einem warmen Gefühl der Akzeptanz und Solidarität durchflutet. Ihre Kunst lädt die Betrachter ein, ihre einzigartigen Perspektiven und die inhärenten Widersprüche des Daseins zu umarmen und die Individualität und die Schönheit der Nonkonformität zu feiern. Die italienische Künstlerin Eleonora Roaro verankert ihre künstlerische Praxis im bewegten Bild, mit einem besonderen Fokus auf Filmgeschichte, Archäologie und Archive. Sie arbeitet mit einer Vielzahl von Medien, darunter Video, Fotografie, Performance, künstliche Intelligenz und virtuelle Realität. Roaro greift oft alte Geräte und Ikonografien auf, reproduziert und überarbeitet sie, um Kultur und Gesellschaft durch Bilder zu verstehen. Ihr neuestes Werk, „Irma Vep“, das in der Ausstellung „Psalm For The Wild Built“ gezeigt wird, ist von Louis Feuillades frühem Kinofilm inspiriert und thematisiert Online-Sucht, Verhalten und Sexualität. In „Irma Vep“ erschafft Roaro ein Alter Ego, basierend auf Interviews mit professionellen Dominas („pro-dommes“) aus Mailand und Turin. Irma Vep wird zu einer kollektiven Figur, die Reflexionen über Sexarbeit, Fetischismus, Verlangen und die Rolle der Bilder in der zeitgenössischen Gesellschaft ermöglicht, in einer „onlife“-Dimension, in der die Grenzen zwischen Online und Offline zunehmend verschwimmen. In einem Latex-Catsuit und glänzenden Stiefeln gekleidet, verkörpert Irma Vep fetischistische und sadomasochistische (SM) Impulse. Unter Bezugnahme auf Arnheims Beobachtungen aus den frühen Tagen der Tonfilme hebt Roaro hervor, wie das Stummkino – das ausschließlich durch Bilder operiert – das Sehen als Hauptsinn in den Vordergrund stellt. Stummfilme bieten daher eine einzigartige Gelegenheit, die Verbindung zwischen Bildern und Fetischismus sowie die fetischistische Anziehungskraft von Bildern selbst zu erkunden. Wie Arnheim bemerkte: „Der Fetisch wäre ganz wie ein Symbol, aber ähnlich einem eingedrückten und fixierten Plan, einem eingedrückten Bild, einer Fotografie, zu der man immer zurückkehren würde.“ Die wild gebaute georgische Künstlerin, die in Luxemburg lebt, Irina Gabiani, arbeitet im Konzept der „Minimalismus-Komplexität“, eine Idee, bei der Minimalismus und Komplexität sich nicht widersprechen, sondern einander ergänzen. Die Künstlerin erforscht die konzeptionelle Beziehung zwischen Rahmen, Ornament und leerem Raum. Die Muster, die den leeren Raum umgeben, sind detailliert ausgearbeitet und bevölkert von sorgfältig ausgewählten Figuren, Objekten und Formen. Hier dient der monochrome Raum als Bühne und enthüllt die psychoanalytische Vorstellung des „Einfangens des Verlorenen“. Dieses Konzept bezieht sich auf das menschliche Bestreben, das Verlorene zu verstehen und zurückzugewinnen, sei es die Realität, Erinnerungen, Erfahrungen oder Teile des Selbst. In ihren Arbeiten verwendet Gabiani komplexe Linien und detaillierte Muster als symbolische Akte der Rückgewinnung, um das Abwesende zu rahmen und dem Unfassbaren Form zu geben. Dieser Prozess schafft eine visuelle Darstellung des fortwährenden Versuchs, die verlorenen Elemente in unserem Bewusstsein zu erfassen und zu verstehen. Die Objekte und Figuren in jedem Gemälde teilen eine gemeinsame dominante Farbe, was sowohl Einheit als auch visuelle Komplexität schafft. Gabiani untersucht, worauf wir unseren Fokus legen, was wir für wichtig halten und wie es in jedem Kontext erscheint. Dabei vertieft sie sich in das Zusammenspiel von Aufmerksamkeit und Wahrnehmung. Ihre Kunst betont das Gleichgewicht zwischen dem, was präsent ist, und dem, was fehlt, und lädt die Betrachter ein, über das fragile Gleichgewicht zwischen Anwesenheit und Abwesenheit in unserem Leben nachzudenken.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2024-01-24

Künstler: Matteo Montani

Thema: Der Himmel hat seit langem einen geschätzten Platz in der Welt der Kunst und diente unzähligen Generationen von Künstlern als grenzenlose Inspirationsquelle. Ob er nun die Brillanz eines klaren blauen Tages, die Dramatik einer stürmischen Nacht oder das ätherische Leuchten eines Sonnenuntergangs einfängt – der Himmel mit seinen sich ständig verändernden Farbtönen, Stimmungen und Atmosphären ist eine allgegenwärtige Muse auf der Leinwand der menschlichen Kreativität. In den Händen von Matteo Montani – einem italienischen Maler, der für die hochatmosphärische Leuchtkraft seiner Werke bekannt ist – hört der Himmel auf, eine bloße Darstellung der Natur zu sein, und wird zu einem Portal für die Fantasie. Seine erste Einzelausstellung in der Galerie Luisa Catucci in Berlin zeigt eine sorgfältig zusammengestellte Auswahl von Gemälden, die vom Himmel, seinen Lichtern und seinen sich ständig verändernden Nuancen inspiriert sind. Montanis stimmungsvolle Gemälde vermitteln die Idee von Landschaften als emotionale Erfahrungen. Sie bringen die eindringlichen Qualitäten von Himmel und Meer aus der Romantik auf eine zeitgenössische Bühne, indem sie ihnen jeden Bezug zu einem realen, irdischen Ort nehmen. Auf fast abstrakt-expressionistische Weise wagt der Künstler den Blick über die traditionellen Grenzen der Realität hinaus und macht sich den Himmel als Mittel zum Ausdruck des Unfassbaren, Unerklärlichen und Transzendenten zunutze. Der einzige Grund, Montanis Bilder als Landschaften zu bezeichnen, ist kultureller Natur. Der Betrachter nimmt sein Format automatisch als Landschaft wahr, ist aber gleichzeitig aufgefordert, die enorme rätselhafte Weite seiner Nicht-Orte zu betrachten, in denen die buchstäbliche Figuration durch den meisterhaften Einsatz von Farben und Linien verloren geht. Jedes Bild ist eine Einladung an den Betrachter, sich auf seine Emotionen einzulassen und die Tiefe und Subtilität der Resonanz von Farbe und Textur zu spüren. Der Künstler setzt die Farben nicht willkürlich ein, sondern orchestriert sie sorgfältig: Seine Übergänge von dunkel zu hell, von warm zu kühl rufen ein tiefes Gefühl von Tiefe und Bewegung hervor. Man kann die Energie und die Kontemplation in ihrem Nebeneinander spüren. Stark inspiriert von den Lichtern der Morgendämmerung und der Abenddämmerung – Zeiten des physischen und emotionalen Wandels – und vom ewigen Werden der Dinge, nähert sich Matteo seiner Malerei fast wie ein Alchemist. Seine besondere Technik erfordert wissenschaftliche und chemische Kenntnisse über die verwendeten Elemente wie Sandpapier, Metallpulver, Öle, Terpentin sowie die zentrale Rolle der Bewegungen des Künstlers. Montani geht seine Arbeit im Atelier umfassend an, nutzt jede verfügbare Oberfläche, bewegt sich frei darin und bringt seine gestischen Tendenzen voll zum Ausdruck, indem er selbst die kleinsten Variationen auf dem Untergrund abbildet. In jüngerer Zeit hat er begonnen, direkt auf der Leinwand zu arbeiten. Er erforscht die Möglichkeiten dieser Oberfläche und sucht nach neuen Wegen, um auf diesem Material in Übereinstimmung mit seiner Arbeitsweise zu intervenieren, wie etwa Bewegung mit Hilfe von Luft zu erzeugen. Die Komposition wird in jedem Fall durch die Aktion entdeckt, wobei die Bewegungen durch wissenschaftliche Kenntnisse der Elemente und ihrer Reaktionen unterstützt werden. Das lässt Raum für eine Art „natura naturans“ Überraschung, wo „die Natur tut, was die Natur tut“. Der Künstler wird zu einer wirklichen „Naturkraft“, die in Einheit mit den anderen Kräften – einschließlich des Chaos – an dem Werk arbeitet und das Gemälde an die Naturgesetze bindet. Durch die Verwendung von Terpentin und Öl wird das Sandpapier von flüchtigen Wolken erobert und beherrscht, wodurch kosmogene und bezaubernde Effekte ätherischer Dämpfe entstehen. Die Metallpulver balancieren die Komposition aus, indem sie schwere Kontrapunkte schaffen, die das Werk erden und es in eine irdische Dimension zurückführen. In Matteo Montanis Werken beeindruckt die harmonische Kombination verschiedener Aufwärtsbewegungen, die an Dampf oder Nebel erinnern, Abwärtsbewegungen wie Regen oder Niederschläge und seitliche Bewegungen, die typisch für Winde sind. Jede Bewegung wird dabei durch die meisterhafte Farbpalette betont. Dies bietet dem Betrachter eine eindringliche emotionale Erfahrung, die durch die Entscheidung des Künstlers, hauptsächlich im Großformat zu arbeiten, noch verstärkt wird. Auf diese Weise dienen Matteo Montanis Werke tatsächlich als Portale in Dimensionen, die sich „zwischen dem Auge und der Seele befinden, ein unbekannter Ort, den wir als die Kluft zwischen der physischen Welt und der spirituellen Welt in ihrer Auflösung definieren könnten“. Sie nehmen den Betrachter mit auf eine emotionale Reise der Selbstentdeckung und der universellen Verbundenheit.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2023-11-23

Künstler: Zak van Biljon

Thema: Zak van Biljon, ein südafrikanischer Naturfotograf, der in der Schweiz lebt, genießt weltweite Anerkennung für seine Infrarotfotografien. Beim Betrachten seiner Werke begibt man sich auf eine Reise, die zur Entdeckung einer ätherischen Welt führt, dank der Technik, die er gewählt hat, um Natur und Landschaften darzustellen. Die Infrarotfotografie, oft als IR-Fotografie bezeichnet, ist ein faszinierendes und eigenständiges Genre innerhalb der Welt der Fotografie. Anders als die traditionelle Fotografie, die sichtbares Licht einfängt, konzentriert sich die Infrarotfotografie darauf, unsichtbare Infrarotstrahlung aufzuzeichnen. Gewöhnliche Landschaften verwandeln sich in durchsichtige Visionen, enthüllen ihre innerste Schönheit auf eine Weise, die konventionelle Wahrnehmungen herausfordert und die Grenzen der menschlichen Sicht überwindet. In einer Ära geprägt von schneller Urbanisierung und der Allgegenwart der Technologie steht das Werk von Zak van Biljon als ergreifendes Zeugnis für die sich entwickelnden Beziehungen zwischen Menschheit und Natur. Es stellt die Vorstellung in Frage, dass die grellen Farben von Neonlichtern und die hellen Lichter moderner Städte weit entfernt von der Farbpalette der Natur sind. Mit dem Infrarotobjektiv gelingt es Zak, was er "Natur modernisieren" nennt, indem er betont, dass im Kern der Natur ein atemberaubendes, lebhaftes Pink-Rot leuchtet, das mit der Leuchtkraft der modernsten Stadtschilder konkurriert. Dennoch behauptet van Biljon, dass selbst ein leuchtend pinkes Foto mehr ist als nur eine Farbe; es ist eine tiefgreifende Reflexion der Essenz der Natur, die am Ende fast diametral entgegengesetzt zur Geschäftigkeit moderner Städte steht. Dieser nachdenkliche Ansatz zielt zunächst darauf ab, Aufmerksamkeit zu erregen, aber sein ultimatives Ziel ist es, Nachdenklichkeit und die friedliche Verbundenheit zu fördern, die die Natur inspiriert. Dies ist genau der Grund, warum er eine tiefe Zuneigung zur analogen Infrarotfotografie hegt. Jedes seiner Fotos dient als ruhiger Rückzugsort, ein Heiligtum, an dem man innehalten, sich wieder verbinden und sein Engagement für die Bewahrung der zeitlosen Schönheit der Natur bekräftigen kann. Es ist eine stille Erinnerung an die ungezähmten Wunder, die gerade jenseits unserer Bildschirme und Stadtszenen existieren. Seine Werke sind keine einfachen Schnappschüsse; sie laden ein, zu einem Abenteuer ins Herz der Wildnis aufzubrechen, wo der Puls der Erde unter unseren Füßen stetig schlägt. Durch die Betrachtung von Zak van Biljons Kunst werden Menschen inspiriert, die tiefe Ehrfurcht und Verehrung wiederzuentdecken, die die Natur hervorruft, und sie motiviert, bessere Hüter der Umwelt zu werden.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2023-09-29

Künstler: Filippo Gregoretti

Thema: Filippo Gregoretti ist bildender und konzeptioneller Künstler, Musiker (Pianist und Komponist), Performer, Universitätsprofessor für Transmedia-Design und digitale Erfahrungen, Pionier der Integration von Kunst, Musik und Technologie, Entwickler fortschrittlicher Algorithmen und Autor von Videospielen und immersiven Erfahrungen. Gregoretti ist die erste Person, die Kunstwerke als Anwendungen in den offiziellen Stores veröffentlicht hat. Die KI schafft keine Kunstwerke, sondern die Kl selbst ist das Kunstwerk. Gregoretti nannte seine KI "Amrita" und entwickelte sie zu einer Künstlerin mit künstlicher Intelligenz - oder einer künstlichen emotionalen Künstlerpersönlichkeit - die in der Lage ist, visuelle und akustische Kunstwerke zu erzeugen und mit der Außenwelt und anderen Kunstwerken zu kommunizieren. VERNISSAGE: 31. August & 1. September, 18:00-21:00 Uhr Performance mit Mensch, Harmonium und Kl von Filippo Gregoretti und AMRITA um 19:00.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2023-07-07

Künstler: Alessandro Zannier

Thema: Alessandro Zannier, ein italienischer Künstler mit internationaler Karriere, der bereits zweimal an der Biennale in Venedig teilgenommen hat (Architektur 2021, Kunst 2022), erobert nun auch Berlin im Sturm, indem er an der von Virginia Monteverde kuratierten Biennale "Latitudes of Art" teilnimmt, die genau am Tag nach seiner Einzelausstellung HYPERCONNECTIONS in der Luisa Catucci Gallery im Kunsthaus Bethanien eröffnet wird. Eine Doppelausstellung für den italienischen Künstler, nicht zufällig! Zanniers doppelte Berliner Aktion konkretisiert drei unterschiedliche künstlerische Realitäten zu einer effektiven Verbindung: Luisa Catucci Gallery, Virginia Monteverde und Zanniers Muttergalerie ARTandide in Verona. Drei Orte, die eine ähnliche Vision von Kunst haben und ihre Rolle als Anstifterin für grundlegende Überlegungen zur Umsetzung einer besseren Zukunft anerkennen. Zannier ist ein untypischer Konzeptkünstler, der mit gleicher Intensität zwischen bildender Kunst und elektronischer Autorenmusik - hier unter dem Pseudonym Ottodix - pendelt. In den letzten Jahren drehte sich seine künstlerische Praxis um präzise Konzepte, die von Physik, Astronomie, dem Anthropozän, der Erdgeschichte und Umweltfragen inspiriert sind. Diese künstlerische Demarche macht ihn zu einem der Protagonisten dessen, was als "Ethische Kunst" bezeichnet wird, d.h. Kunst, die sowohl als gültiges Instrument zur Erschließung der Paradoxien und Widersprüche der heutigen Gesellschaft als auch als Schlüssel zur Aufgeschlossenheit betrachtet wird, was sie zu einem der entscheidenden Faktoren für Emanzipation und einen ausgewogenen, ökologischen und solidarischen sozialen Wandel macht. Die Ausstellung HYPERCONNECTIONS in der Luisa Catucci Gallery eröffnet mit einem Zyklus von Zanniers Bildwerken, die durch die Übersetzung von Big Data aus der Umwelt in Ton und 3D-Animation entstanden sind und aus seiner Serie "Hyperobject" stammen. Die Sujets sind bildliche Porträts einzelner Frames dieser digitalen Animationen, die den Menschen in dieser noch nie dagewesenen Gestalt eines "Schwarmes von Phänomenen" auf einer riesigen Raum-Zeit-Skala verewigen sollen, die erst jetzt dank der Technologie sichtbar wird. Einige dieser Leinwände sind Vorstudien, die auf den neuronalen Verbindungen des Gehirns basieren und dazu dienen, den 3D-Animationen von Big Data ein endgültiges Aussehen zu verleihen und das Konzept der "hyper-globalen Verbindung" besser in Erinnerung zu rufen, jenes Netzwerk aus menschlichen Verbindungen, Migrationsrouten, Luft- und Seewegen, Energiepipelines, Internet, Satelliten, Wirtschaftsnetzwerken usw., das uns heute in einen einzigen gigantischen Organismus oder ein "Hyperobjekt" einhüllt, in dem sich alles, was geschieht, augenblicklich vom Lokalen ins Globale ausbreitet Zanniers Leinwände - mit ihrer interessanten Mischung aus Cyberpunk und Neoliberalismus - konfrontieren uns mit wichtigen ökologischen Problemen wie dem Zustand der Ozeane, in denen die von Schiffen erzeugten Schallwellen eine akustische Verschmutzung darstellen, die für Flora und Fauna extrem schädlich ist, ganz zu schweigen von den Schäden, die durch Plastikmüll verursacht werden, der zu neuen monströsen Realitäten wie dem pazifischen Müllstrudel geführt hat. Werke, die einen noch nie dagewesenen Aspekt des "Hypermenschen" offenbaren: Er ist eine Art Hyper-Objekt, ein Hyper-Werkzeug, gleichzeitig ein Verfechter und ein Geschöpf der Vielzahl zeitgenössischer Ereignisse, Entscheidungen und historischer Kontexte, wodurch das Konzept des individuellen "Ichs" aus den Angeln gehoben und stattdessen die unbewusste kollektive Dynamik dessen, was Zannier als menschliche Schwarmkolonie auf der Erde definiert, hervorgehoben wird. Die Gemälde werden von zwei Videoarbeiten begleitet: "Toxic Aurora" und "Hidra". "Toxic Aurora", das 2022 zum ersten Mal auf der Italien-Biennale Sweden im Palazzo Ducale in Genua ausgestellt wird, zeigt ein Polarlicht, das mit den vom CNR (Italienisches Forschungsinstitut) zur Verfügung gestellten Verschmutzungsdaten aus Genua erzeugt wurde. "Hidra" wiederum entsteht durch die Zusammenführung einer Reihe von Umweltdaten über die Ozeane, die Versauerung des Wassers, Mikroplastik und den Temperaturanstieg, die von Meeresrobotern verschiedener Forschungsinstitute auf den Azoren, Spitzbergen und in anderen Teilen des Atlantiks gewonnen wurden. ENT Projekt 6 Kontinente: Zannier sammelt Big Data dank seiner ENT-Installationen, zwei strahlende/empfangende Lichtstrukturen, die Italien in einen Dialog mit den verschiedenen Kontinenten bringen und Big Data über verschiedene Arten der Verschmutzung - wie Daten über die Ozeane - und über menschliche Phänomene mit schwerwiegenden Auswirkungen auf die Umwelt - wie Migration, Abholzung und Überproduktion von Nahrungsmitteln - miteinander abgleichen. Zannier hat bereits vier dieser Systeme auf ebenso vielen Kontinenten installiert: Südamerika, Ozeanien, Afrika und Asien. Der "ENT5 Berlin/Verona", ein Turm zum Austausch von Umweltdaten zwischen Berlin und Verona, wird Europa repräsentieren. Die gesammelten numerischen Daten - auch dank der Zusammenarbeit mit dem italienischen CNR und internationalen Forschungsinstituten - erzeugen eine 3D-Animation mit Soundeffekten, die den beeindruckenden "Menschenschwarm" darstellt, der in seinem Aussehen vielen biologischen Formen ähnelt, die man in der Natur in anderen Maßstäben findet. Der Zufall ist nicht zufällig, sondern folgt der Mikro-Makro-Theorie, die die Vernetzung des Ganzen verkündet. Die ENT5 Berlin/Verona, eine "Datenbrücke" und nun auch eine ideologische "Brücke", wird zunächst im Bethanien für die von Monteverde kuratierte Biennale installiert, bevor sie sich zu den anderen Werken in Zanniers Einzelausstellung in der Galerie Luisa Catucci gesellt.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2022-10-08

Künstler: Antti Pussinen and Joonas Toivonen

Thema: « We have art in order not to die of the truth » — Friedrich Nietzsche Nietzsche put the notions of truth, reality, and art on the same plane: everything is intertwined, reality is not the truth, and materiality is not absolute. But what is to be understood? Art questions the reality itself, it is not about materiality but about its conceptual essence. Art is dematerialization, it started with conceptual art, it continued with generative art and the emergence of computers. You may have noticed this growing notion of NFT which is the product of the merger between Art World and Metaverse. It is a new model of owning an artwork, available on every material and digital support (including the metaverse) taking contemporary art to the next level. This theoretical background was necessary to understand the subject of the following exhibition. In Luisa Catucci Gallery, two Finnish artists Artists Antti Pussinen and Joonas Toivonen display a dematerialized world in a very material space. The idea is to exhibit on a tv-tower limited edition of generative NFTs (200-500 ca.) at the center of the gallery. Were hanged on the walls a selection of printed NFTs in order to conciliate the eye of the visitor with this new world. The artists present a few already created versions of their works but most of their pieces are not created yet. They are generative artworks. It is another form of dematerializing and conceptual practice that the two Finnish artists play with. The rest of the NFTs will be created and coded with the transaction data of the payment and generated by a computer program built by the artists. So basically it means that you can only have a final product when the sale is done (with cryptocurrencies) and you can discover only at that point what it looks like. But don’t worry, if you are not that fearless, you can also buy already created NFTs from the same limited edition. The color and geometric contrasts of the generative artworks are under the power of the artist to a certain point. In fact, chaos is an important component in the generative process and has an impact on the aesthetic side. Visual reflexes are triggered, these artworks remind us of the works of algorithmic abstraction pioneers such as Vera Molnar who understood the endless possibilities of computers. For Antti Pussinen, despite what you may think, it is still about painting. Visually, it is like an artistic overcoming; the artists managed to create new artistic forms without breaking with Art History. Obviously, these geometric floating forms are not unknown, they have something in common with Malevitch’s suprematism and Kandinsky’s expressionism combined. In the end, conceptual art, process art, and web art are intertwined in a symbiotic and digital form.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2022-06-25

Künstler: Willian Grob, Valere Mougeot

Thema: Die Ausstellung LOST MILLENNIALS präsentiert einen Dialog zwischen dem britischen Künstler William Grob und dem französischen Künstler Valère Mougeot. Beide gehören der Generation der Millennials an, auch bekannt als Generation Y. Der Titel der Ausstellung geht auf eine Serie von Gemälden zurück, die William Grob während der Pandemie begann. Wie die meisten Menschen seiner Generation erlebte er zum ersten Mal, dass die Zeit in einem weniger schnellen Rhythmus verlief, was ihm erlaubte, seine Gedanken und Reflexionen über das Leben, die Identität und die Umstände nachzuholen. Ähnliches geschah mit Valère Mougeot, der die Zwangspause nutzte, um über seine Situation nachzudenken und schließlich beschloss, seinen sicheren Job als Grafikdesigner aufzugeben, um sich durch seine künstlerische Praxis in eine Vollzeituntersuchung der Realität zu stürzen.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2022-02-12

Künstler: Roberto Kustetle, Daniel Pelletti

Thema: Spiegel und Wirklichkeiten Wenn das Fremde den Betrachter manchmal herausfordert, liegt das vor allem daran, dass wir Menschen nicht gut mit destabilisierenden Welten umgehen können. Selbst wenn wir uns der Kunst nähern, hoffen wir, von Räumen von klassischer Schönheit umgeben zu sein, wie in der Mode und der Werbung. In MIRRORS AND TRUTHS, dem Ausstellungsdialog zwischen dem italienischen Fotografen Roberto Kustetle (1948) und dem belgischen Künstler Daniel Pelletti (1948), betreten wir stattdessen ein Reich, das reich an der destabilisierenden Wirkung der Intimität von Unordnung, Fantasie und Imagination ist. Stark beeinflusst von den beunruhigenden Disproportionen der Kompositionen des Manierismus, enthüllen die Schwarz-Weiß-Fotografien von Roberto Kusterle sowie die farbenfrohen Gemälde und Zeichnungen von Daniel Pelletti faszinierende Ansichten von unangenehmen Schönheiten am anderen Ende unserer Welt. Unbewusst dem Blick des Betrachters ausgesetzt, offenbaren sich die Kreaturen bei Kusterle und Pelletti und verzaubern den Betrachter mit einem Blick auf ihre eigene Realität. Verschlungene Körper, Nacktheit, verlorene und vergessene Architekturen bieten sich dem Betrachter an, als würden sie bei Kerzenschein tanzen und sich bewegen. Nichts ist jemals stabil, klassisch oder gar beruhigend. Der geschickte Einsatz von Mustern und Texturen, den beide Künstler in ihren Werken brillant - und doch so unterschiedlich - beherrschen, trägt zwar dazu bei, das destabilisierende Gefühl beim Betrachter zu verstärken, betont aber gleichzeitig die innere Heiligkeit der Komposition, in der sich die menschliche Psychologie und der Existenzialismus als die eigentlichen Protagonisten der Ausstellung offenbaren. Jedes der in dieser Ausstellung gezeigten Werke wird zu einer Art zeitgenössischer Wunderkammer, die den menschlichen Wunsch widerspiegelt, die Welt und ihre Nebenprodukte, die Fantasie oder die psychologischen Realitäten, zu entschlüsseln, indem sie dem Betrachter erlaubt, die Details jedes einzelnen Kunstwerks aufmerksam zu erforschen.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2022-01-15

Künstler: Waridi Schrobsdorff & Daniele Tamagni / Manuela Toselli mit Sondergast Sydney Emeka Nwakanma

Thema: Die Ausstellung MTINDO USHAIRI (Swahili für Poetische Bewegung) verbindet das Projekt MTINDO der afrikanischen Mode-Ikone und Aktivistin Waridi Schrobsdorff mit Fotos des verstorbenen preisgekrönten italienischen Fotografen Daniele Tamagni sowie den USHAIRI-Arbeiten von Manuela Toselli, einer italienischen Konzeptkünstlerin, die mit Seide arbeitet. Bereichert wird es durch den Beitrag des deutsch-afrikanischen Modedesigners Sydney Emeka Nwakanma. MTINDO ist das Suaheli-Wort für Stil. Es steht gleichbedeutend für die Art und Weise, wie man sich bewegt oder wie man sich präsentiert. USHAIRI ist das Suaheli-Wort für Gedicht und Poesie. Die Vibrationen der vielen leuchtenden Farben der Ausstellung drängen den Betrachter dazu, über seine begrenzte und vorurteilsbeladene Sichtweise hinauszugehen und MTINDO USHAIRI zu umarmen – eine poetische Bewegung, die aus dem Unbehagen heraus geboren wurde und in einem bunten Strauß sensibler Schönheit erblüht, die durch die Werke dieser Künstler/Geschichtenerzähler erzählt wird. Ausgehend von unterschiedlichen Voraussetzungen haben die Zwänge, die durch die Persönlichkeit, die physische Situation und den historischen Wettbewerb diktiertwerden, sowohl Daniele Tamagni als auch Manuela Toselli über die Grenzen ihrer kontingenten Realität hinausgetrieben und die Schwächen in ihre eigene farbenfrohe, kraftvolle, poetische und aktive künstlerische Bewegung verwandelt. Mit dem ursprünglichen Projekt MTINDO wollte Waridi Schrobsdorff die Diskussion verändern und ein neues Bild des afrikanischen Kontinents zeichnen. Die Wahl des Fotografen Daniele Tamagni war dabei naheliegend, da dieser bereits für die Erfindung eines neuen Stils der Reisefotografie bekannt war, der sich auf die verschiedenen glamourösen Stile einiger Gruppen von Einheimischen konzentrierte sowie deren Darstellung in der Gesellschaft. Ein Genre der Fotografie, das den Dialog, den Respekt, die Würde, die Identität und die Kreativität durch die "Kunst, sich zu verkleiden" in sozialen Wettbewerben fördert, die aus der täglichen Armut und Komplexität erwachsen. Das ist das wertvolle Erbe, das Daniele Tamagni der Welt hinterlassen hat. Das Ergebnis der wegweisenden Zusammenarbeit von Waridi und Daniele ist ein aussagekräftiges Buch, das 2016 bei Skira erschienen ist und die großartigen Fotografien einer neuen Generation von "Style Movers" im heutigen Afrika zeigt. Außerdem wurde eine Ausstellung mit einer Auswahl limitierter Kunstdrucke aus dem Buch veranstaltet. Für das MTINDO-Projekt wählte Waridi Schrobsdorff zehn Persönlichkeiten aus ihrem Geburtsland Kenia aus, die stellvertretend für die kreative junge Generation stehen, die Veränderungen herbeiführen und etwas für die Zukunft Afrikas tun möchte. Von Musikern über Künstler bis hin zu Filmemachern soll dieses Projekt dem Rest der Welt die Kraft und die Vielfalt der kreativen Avantgarde des afrikanischen Kontinents vor Augen führen. Hunderte von jungen Talenten aus allen Bereichen der Kunst tragen heute zur "Zukunft Afrikas" bei, die der lokalen, nationalen und internationalen Szene bemerkenswerte Impulse verleiht. Aus diesem Grund haben wir auch den Stylisten Sydney Emeka Nwakanma eingeladen, einen Beitrag zur Show zu leisten und ein paar seiner berühmten Anzüge zu präsentieren. Auch Emeka möchte die Kluft zwischen Afrika und Europa überbrücken und die beiden Seiten seines Erbes miteinander verbinden. Er möchte einen nachhaltigen Einkommensstrom für afrikanische Gemeinschaften schaffen und gleichzeitig den europäischen Markt mit in Afrika hergestellten Produkten diversifizieren. Dieses Vorhaben würde nicht nur Afrika durch die Schaffung von Arbeitsplätzen stärken, sondern auch das Bild vom afrikanischen Kontinent als einem Ort des Kampfes und der Abhängigkeit in einen Ort der Kreativität und Schönheit verwandeln. Um es mit Waridis Worten zu sagen: "Mein Ziel war es immer, Afrika ein neues Image zu geben. Die Wahrheit ist, dass man durch Mode und Kunst tatsächlich die Köpfe öffnen und sie letztendlich positiv verändern kann." An ihrer Seite erzählt die italienische Künstlerin Manuela Toselli ihre Geschichte durch Stoffe. Seit es die ersten Textilien gibt, werden Geschichten in Stoffe eingewebt. Ob im wörtlichen oder im übertragenen Sinne – das Textildesign existiert nicht ohne eine Erzählung. Die Verwendung von Textilien verbindet die unzähligen Kulturen der Welt und definiert die Art und Weise, wie sie sich kleideten, ihre Umgebung schmückten und ihr Leben gestalteten. Seide ist das von Manuella Toselli gewählte Medium, um ihre Geschichten zu erzählen, da sie aufgrund ihres Ursprungs ein sehr lebendiges Material ist. Darüber hinaus ist das Opfer der Seidenraupe, das für die Seidenproduktion unerlässlich ist, für die Künstlerin die perfekte Metapher für das Opfer, das man während eines jeden Prozesses bringen muss, der die Seele (oder Psyche) in Richtung Erhebung und Expansion treibt. Mit einer ausgewogenen Mischung aus Kraft und Zärtlichkeit, einem geschickten Spiel mit Farben und einer Art Trance, die durch die Wiederholung der Bewegungen beim Verknüpfen von Fäden hervorgerufen wird, erzählt Manuela Toselli ihre Geschichten. Sie sind inspiriert von ihrer inneren Realität, werden aber auf poetische Weise bis zu dem Punkt gesteigert, an dem sie zu Spiegeln für universelle Gefühle werden. Die farbenfrohen Werke, die in dieser Ausstellung präsentiert werden, sind das Produkt ihrer Überlegungen während der letzten zwei Jahre, in denen die Pandemie in jedermanns Leben eine sehr starke auslösende Rolle spielte. Die Serie LIGHTS, in der kontrastreiche Farben durch die Verflechtung des Seidenfadens auf dem Organzahintergrund miteinander kommunizieren, entstand während der ersten Abriegelung, die in Italien besonders hart und streng war. Zu dieser Zeit war der Blick aus dem Fenster auf einen kleinen quadratischen Teil des Himmels die einzige befreiende Erfahrung für Manuela, weshalb der Himmel selbst das eigentliche Thema dieser Arbeit ist, mit all seinen Facetten, physisch, empirisch und psychologisch. Die andere Serie von Manuela Toselli, die in der Ausstellung zu sehen ist, THE VEIL, ist das Ergebnis einer poetischen Neuinterpretation der gegenwärtigen Beschränkungen, die wir als Individuen und als Gesellschaften vor dem Hintergrund der historischen Herausforderung noch immer erleben. Die Werke sind schillernd und ändern ihre Farben je nach Perspektive und Beleuchtung, aber auch wenn sich jedes Mal, wenn sie betrachtet werden, etwas ändert, bleibt die Verengung des physischen und metaphysischen Schleiers bestehen und drängt das Individuum in Richtung des inneren Selbst, dem eigentlichen "Ort", an dem jede MTINDO USHAIRI ihren ersten Funken bekommt.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2021-07-23

Künstler: Nadia Galbiati, Enrico Pietracci

Thema: Ausstellungstitel: WIDE ANGLE Künstler: Nadia Galbiati, Enrico Pietracci Daten: 23rd June - 23rd July 2021 Standort: Luisa Catucci Gallery Anschrift: Allerstr 38, 12049 Berlin Ausarbeitungen von urbanen Fotografien und skulpturale Extrapolationen von architektonischen Räumen sind die Protagonisten der Ausstellung WIDE ANGLES der italienischen Künstler Nadia Galbiati und Enrico Pietracci, die in den Ausstellungsräumen der Galerie Luisa Catucci in Berlin Schillerkiez-Neukölln zu sehen ist. Nadia Galbiati, Bildhauerin aus Mailand, stützt ihre Forschung auf die Untersuchung von Winkeln in der zeitgenössischen Architektur und deren fundamentale Rolle bei der Definition eines physischen Raumes, wobei sie die Beziehung zwischen leerem Raum und Material als Grundlage nimmt. Ihre Skulpturen sind das synthetische Ergebnis der analytischen Beobachtung dieser Winkel, in Bezug auf die Volumen und Linien in städtischen Räumen und Architekturen - mit einer Vorliebe für die rationale Architektur der 1930er Jahre. Indem Galbiati die urbane Landschaft und die Makrostrukturen der Gebäude in Skulpturen und gravierte Metallplatten von relativ kleinen Dimensionen umdeutet, schafft sie einen neuen Typus von Raum - der ein wenig an El Lissitzky und die Bauhaus- und konstruktivistischen Bewegungen erinnert -, in dem dem Betrachter plötzlich die taoistische Balance zwischen voll und leer, fest und luftig bewusst wird. Der in Berlin lebende Fotograf Enrico Pietracci zeigt Arbeiten aus seiner Serie von urbanen Fotoextrapolationen mit deutlichem neoplastischem Einfluss. Indem Pietracci einige Pixel seiner Weitwinkelfotografien von Berliner Gebäuden streckt, entstehen starke Bilder, in denen - wie im De Stijl-Moment - das Grundprinzip der Geometrie der geraden Linie, des Quadrats und des Rechtecks, kombiniert mit einer starken Asymmetrie, mit der vorherrschenden Verwendung von reinen Unifarben und der Beziehung zwischen positiven und negativen Elementen in einer Anordnung von ungegenständlichen Formen und Linien, unangefochten herrscht. Die einfarbige Oberfläche der aufgespannten Pixel bildet einen faszinierenden Kontrast zu den vielen Details der rein fotografischen Elemente, die reich an Spuren von Menschlichkeit sind und das Werk auf eine cyber-metaphysische Ebene transportieren. Nadia Galbiati, geboren 1975, machte 1999 ihren Abschluss als Bildhauerin an der Brera Academy of Fine Art in Mailand. Seitdem hat sie an mehreren Kunstmessen und Ausstellungen in Italien teilgenommen und mehrere Kunstpreise gewonnen. Ihre Werke befinden sich in verschiedenen italienischen öffentlichen und privaten Sammlungen. Wide Angle ist ihre erste Ausstellung im Ausland. Sie lebt und arbeitet in Mailand. Enrico Pietracci, geboren in Porto S. Giorgio (Italien), machte seinen Abschluss in Bühnenbild an der Accademia di Belle Arti di Firenze. Seit 1994 lebt und arbeitet er in Berlin. Das kreative Schaffen von Enrico Pietracci ist das Ergebnis einer langjährigen Auseinandersetzung mit experimentellen Ausarbeitungen einer Ausdrucksform, die durch die dynamische Verschmelzung von "performativer" und "visueller" Kunst, von bewegten Körpern und grafisch-malerischen Spuren entsteht. Diese "Verschmelzung" hat zur Schaffung einer besonderen Ästhetik geführt, die sich in der Unmittelbarkeit dynamischer Aktionen ausdrückt und in der Interaktion zwischen dem bildenden Künstler und seinen Subjekten, die in diesem Fall Tänzer und Performer sind, umgesetzt wird. Als Fotograf hat er an mehreren persönlichen und kollektiven Ausstellungen in Deutschland, Frankreich und Italien teilgenommen.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2020-12-23

Künstler: Andrea Mariconti, Antti Pussinen, David Hochbaum, Edoardo Romagnoli, Enrico Pietracci, Florian Rexroth, Francesca Belgiojoso, Ilona Kowalschek, Irene Cruz, Kenneth Blom, Maike Freess, Nini Peony, Pedro Reis De Mendonca, Rowan Corkill, William Grob

Thema: Um das Ende eines sehr eigentümlichen, herausfordernden Jahres zu feiern, haben wir in der Galerie Luisa Catucci beschlossen, mit unseren Künstlern eine Gruppenausstellung zu organisieren. Sie konzentriert sich auf wunderschöne und bedeutungsvolle kleine Kunstwerke, Lithographien, limitierte Editionen und Kunstschmuck — als eine Art künstlerische Zeremonie, um die rauen Vibes dieses Jahres 2020 zu zerstreuen. Seit Beginn der Pandemie mussten wir alle einige Rückschläge erleben — geistiger und/oder wirtschaftlicher Art — auch Kunstliebhaber! Doch wir alle fühlen den Drang, dieses Jahr mit einer vielversprechenden, erfreulichen, erschwinglichen und künstlerischen Aktion zu beenden, in der Hoffnung, dass 2021 von günstigeren Energien für alle vibrieren wird. Insbesondere für unsere wertvollen Künstler. Schließen Sie sich uns deshalb an! Wir brauchen SIE als Mitspieler in diesem "exorzierenden" Spiel 2020, indem Sie das einzigartige Geschenk der Kunst für sich selbst oder Ihre Lieben in Betracht ziehen. Und wissen Sie was? Nichts wird teurer sein als ... 2020 Euro, natürlich! Die Ausstellung beginnt am Samstag, dem 5. Dezember. Die Galerie wird bis zum 23. Dezember, Montag bis Samstag, von 11:00 bis 18:00 Uhr geöffnet sein, um Ihren Besuch bequem und sicher zu gestalten! Darüber hinaus wird jedes in der Ausstellung gezeigte Werk auch online in unseren E-Shops auf Artland und Instagram zu sehen und zu kaufen sein. Links: https://www.luisacatucci.com/buy-art/

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2020-12-04

Künstler: Anne Cecile Surga, Paolo Treni

Thema: Vernissage: Mittwoch, 28. Oktober 2020, Hinweis: Aufgrund der COVID-19-Situation, um eine Überfüllung zu vermeiden, Wir werden eine lange Vernissage von 14 bis 21 Uhr veranstalten Man kann denken, dass die Kunstwerke der französischen Bildhauerin Anne Cecile Surga und die des italienischen Künstlers Paolo Treni auf den ersten Blick nicht viel gemeinsam haben. Anne Cecile verwendet eines der klassischsten Materialien und Techniken der Kunstgeschichte: Marmor und Bildhauerei. Paolo Treni arbeitet im gegenteil mit hochmodernen Technologien - Plexiglas, Emaille, Lacke und Laser - er kombiniert mit Handarbeit für seine Kreationen, und man könnte sagen, dass er hier und jetzt die Kunstgeschichte dieser Technik schreibt. Anne Ceciles Skulpturen sind monochromatisch, abgesehen von den Nuancen der Marmoradern, während die von Paolo eine Explosion von mehreren Farben sind. Die Skulpturen von Surga sind statisch, massiv und matt. Trenis Kunstwerke sind glänzend, und ihr Medium verleiht ihnen eine illusionäre organische Fluidität, da sich ihre Wahrnehmung im Laufe des Tages verändert, indem sie der Reflexion und Brechung des natürlichen Lichts folgt. Die Gründe für den Ausstellungsdialog zwischen diesen beiden Künstlern ist nicht nur ihre faszinierenden Gegensätze, sondern auch ihre gemeinsame Fähigkeit, ein kraftvolles Zeichen, eine Art hypnotische Melodie zu schaffen, um Illusionen eine Stimme zu verleihen. Wie der magische Gesang von Meerjungfrauen haben die Kunstwerke dieser beiden Künstler eine Verführungskraft, die den Betrachter entführen und ihn über die Grenzen der Realität hinauswerfen kann.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2020-01-15

Künstler: Dario Ghibaudo, David Hochbaum

Thema: Der amerikanische Künstler David Hochbaum und der italienische Bildhauer Dario Ghibaudo sind beide wilde Schöpfer fantastischer Universen, sie sind aus ihrer blühenden Vorstellungskraft, ihrer eigenen persönlichen Mythologie und besonderen Vision von Welt und Gesellschaft hervorgegangen. Beide Künstler machen ihre eigene Art und benutzen drastischen Methoden in Medien, Stil, Farbe und Komposition. Die fiktive Realität, die sie erschaffen, bietet dem Betrachter eine Perspektive auf Bereiche, die von fantastischen Kreaturen und wunderbaren Tieren bevölkert . Diese letzte streifen durch imaginäre Städte und Orte oder erleben den Raum nur mit ihrer Präsenz. Sie läden den Betrachter ein, über seine eigene Realität und innere Reise nachzudenken. Als spielerischer wissenschaftlicher Katalog maskiert stellen sich die Werke von Dario Ghibaudo aus seiner Serie "Museum of Unnatural History", laufende seit 1990, dem Thema der Menschlichkeit. Tiere und Pflanzen, die auf den ersten Blick erkennbar erscheinen, werden vom Betrachter allmählich als die exotischsten und unwahrscheinlichsten Früchte einer wilden Fantasie oder eines gentechnisch veränderten Experiments entdeckt. Das Anomale wird mehr wahrgenommen als gesehen, auch in diesem Fall, genau wie in der realen natürlichen Welt, in der menschlichen Gesellschaft und sogar in der Psychologie. Die Grenzen der "Normalität" sind fließend und verändern sich so radikal durch so viele Faktoren wie Kultur, Religion, Geographie, Politik, Familiendynamik und Bildung und sind damit bis auf wenige Extremfälle nur sehr schwer zu bestimmen. Die Sammlung von Ghibaudos seltsamen Kreaturen erinnert an unsere innere Verrücktheit Exotismus und Einheit, um zu unterstreichen, dass all die besonderen Eigenschaften, die jeden von uns als einzigartiges Wesen ausmachen, unsere Stärken sind. Gleichzeitig könnten diese Eigenschaften die Auslöser für alle sozialen Spannungen und Diskriminierungen sein, die aus der menschlichen Schwierigkeit resultieren, das Andere und Äußere unseres eigenen persönlichen Mikrokosmos zu akzeptieren, sowohl auf persönlicher als auch auf gemeinschaftlicher Ebene. Tatsache ist, dass viele Hinweise auf die Gefangenschaft exotischer Tiere, Pflanzen und Kuriositäten" - auch von Menschen - von Entdeckern und Wissenschaftlern im Laufe der Jahrhunderte gesammelt wurden. Ghibaudo belebt seine erstaunlichen, fantastischen Kreaturen, geht weiter als Salvador Dali, der monströse Skulpturen aus Bronze schuf, indem er lediglich ihre Proportionen dehnte. Dario gab seinen Tieren Leben, Haut, Atem, Gedanken und Emotionen. Dank der Wahl des Materials glaubt man dem Künstler, dass sie hundertprozentig echt sind, Limoges-Porzellan ist eines der empfindlichsten Materialien für Skulpturen. Damit, erzählt uns der Künstler, dass die Welt und die Existenz dieser Kreaturen zerbrechlich ist. Sie sind eine bedrohte Spezies, die Schutz und Respekt braucht. Das sieht man wie eine symbolische Einladung, uns selbst zu schützen und auch all die Besonderheiten, die uns einzigartig machen zu nähren. David Hochbaum verbringt viel Zeit damit, die Orte zu fotografieren, die er als Kind und als junger Mann besuchte, um das figurative Element eines bestimmten Ortes und einer bestimmten Zeit zu injizieren. Dieser Prozess in Kombination mit der spontanen Kreation im Studio ermöglicht es ihm, seine Erinnerungen und seine persönliche Geschichte neu zu erschaffen und zu erfinden, indem er subtile Referenzen auf aktuelle Ereignisse hinzufügt, die mit und um ihn herum geschehen. Seine Collagen aus Städten und Türmen spiegeln die Umgebung der Städte wider, in denen er lebte, und die Orte, die er im Laufe der Jahre bereist hat. Die Städte in Hochbaums Werk sind zugleich Porträts und Landschaften, die den Schichten der Architektur, den Elementen und Gesten des Menschen geben. Die Menschen werden zu Städten und die Städte zu Porträts der Figuren. Und da die Mythologie früher das universelle Wissen über den Geist der Tage weitergegeben hat, gibt uns die persönliche Mythisierung des Lebens des Künstlers und der Menschen darin einen Einblick in den Geist unserer Zeit, reich an Hoffnungen, Wünschen, Emotionen, Erinnerungen und Träumen. Es scheint, dass die Kunst von Hochbaum und Ghibaudo stark von den surrealistischen Bewegungen beeinflusst wird, aber von verschiedenen Seiten. Dario Ghibaudo modelliert Limoges Porzellan mit den Händen, um die Population seines Bestirars zu erschaffen, und mit Ausnahme der sporadischen Verwendung von Blattgold lebt er seine Kreationen ungefärbt. In seiner Arbeit konnten wir die Selektivität des akademischen Ansatzes des Surrealismus - das sonore Schweigen - wie in Kay Sales Gemälden sehen, oder die Anmut, die Raffinesse und die Nicht-Traditionalität einiger von Dalis Meisterwerken. David Hochbaums Arbeiten sind das Ergebnis von Experimenten mit allen Techniken der bildenden Kunst, die er während seines Studiums erlernt hat, wie der Fotografie, der Malerei, der Holzbearbeitung, dem Film und der Skulptur. Die Farben sind oft laut und die Komposition ist reich an unterschiedlichen Elementen, die sich um wiederkehrende Themen und Themen drehen und uns subtil einladen, in ihnen den Reichtum und die Verspieltheit symbolischer Bedeutungen wie Max Ernst zu erkennen. Der offensichtlichste kunsthistorische Bezug in Hochbaums Werk ist jedoch derjenige, der sich auf das berühmte Gemälde "Der Turm zu Babel" von Pieter Bruegel dem Älteren bezieht. Hochbaums erste Begegnung mit dem flämischen Maler war, als er im Alter von etwa 7 Jahren durch die Bücher seiner Mutter durchblätterte. Er war verblüfft über die detaillierten Landschaften und Farben, die die übermäßig gesättigten skurrilen Welten von Kinderbüchern widerspiegelten, wie das Werk von Richard Scarry, von dem er in dieser Zeit seines Lebens besessen war. Der Moment, in dem er auf das Bild des Turms von Babel und des Triumphs des Todes stieß, bezeichnet der Künstler als "Der Moment, in dem ich online kam, um eine überwältigende emotionale Reaktion auf die Kunst zu erkennen und ihre potentielle Bewegungskraft zu erkennen". Jahrzehnte später verweist Hochbaum weiterhin auf den flämischen Künstler durch Farbe und Struktur. Mit diesem Einfluss baut er seine eigene Erzählung auf, indem er Konzept und Medien manipuliert und seine eigene persönliche Reise und sein zeitgenössisches Leben durchdringt.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2019-11-15

Künstler: Kenneth Blom

Thema: "Archetypes" - Solo Show by Kenneth Blom Vernissage: Friday, October 4th 7-9 pm Opening speech of the Norwegian ambassador in Berlin Petter Ølberg Artist Talk, moderator Nicola Kuhn from Tagesspiegel “The collective unconscious consists of the sum of the instincts and their correlates, the archetypes. Just as everybody possesses instincts, so he also possesses a stock of archetypal images.” C.G.Jung read more: https://www.luisacatucci.com/archetypes/

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2019-09-27

Künstler: Aqua Aura, Manuela Toselli

Thema: INTRO in its original Latin form means inwardly. The urge to unravel the contents of a box, of a container, of anything that is closed from the inside, is probably one of the most strong characteristics of humanity. How long did Pandora last without opening the box? Curiosity. Curiosity and the irresistible urge for understanding and knowledge are the motor of human evolution, much more than mere survival. The works of the two Italian artists Manuela Toselli and Aqua Aura selected for this exhibition are revealing the inwardly reflections these artists made, each in his or her own way, on existence, co-existence, ecology, psychology, soul expansions, and their contrast with modern society, with the resulting inevitable paradoxes. Read more: https://www.luisacatucci.com/intro/

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2019-07-13

Künstler: Exhibiting Boris Eldagsen (featuring Tanvir Taolad) and Paolo Treni

Thema: "Another Multiverse" Exhibiting Boris Eldagsen (featuring Tanvir Taolad) and Paolo Treni May 29th – July 13th 2019 Opening Reception Wednesday May 29th 7-10 pm The show aims to become a sort of metaphysical homage to the quantum physics theory of Multiverse, a hypothetical collection of multiple universes including the universe in which we live, each of which would comprise everything that is experimentally accessible by a connected community of observers: the entirety of space, time, matter, energy, and the physical laws and constants that describe them. read more: https://www.luisacatucci.com/multiverse/

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2019-07-13

Künstler: Tomasz M. Fudala

Thema: Luisa Catucci Gallery is proposing a Solo Show by the artist Tomasz M. Fudala in the Project Room. Tomasz is a Polish visual artist based in Berlin who is working with drawings, photos and sound installations. His Solo Show, called "Rot Tor", is conceived as a dialogue with the exhibition "Another Multiverse" presenting the artworks of Boris Eldagsen and Paolo Treni in the Gallery space upstairs. In the context of the Art festival "48 Stunden Neukölln" in middle June the Gallery is hosting several events like performances and artist talks.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2019-05-25

Künstler: Francesca Belgiojoso - Lido Rico

Thema: This exhibition presents a dialogue between two artists who are grounding their work on deep self-exploration, in order to express through their practices their perception of the world. Body, Mind, Sculpture and Pinned Collage are the mediums used by these artists to give voice to their internal elaborations. If the Spanish artist Lido Rico presents, through his sculptures, an endless investigation of the body and the brain as battlefield of the eternal conflict between free mind and controlled society; the Italian artist Francesca Belgiojoso gives shape to her mental structures through her collages, presenting them as apparently surreal landscapes or compositions that seems made out of stones but aren’t, to underline the multiple and complex facets of human psychology and unconsciousness, where rarely something is exactly what seems. The asymmetry of compositions, the love for non-conventional forms, the will of expressing deep emotions and feelings, often referencing to myths and culture of the mediterranean Classical Age, are some of the bridges connecting the work of Lido Rico and Francesca Belgiojoso. But the main point keeps being the human mind and its dynamic connections and inner landscapes. Lido’s sculptures have autobiographical roots, not only because he often uses himself as living calc for his creations, but also because they are the result of self analysis. The brain takes a protagonist role in his work, as representative of the paradox of the rational element containing in itself the complete range of emotional tones. Tones that when played by uncanny surrounding, give birth to psychological archetypes, icons of the awkwardness we feel by living dynamics and rules of societies we cannot accept or understand in full, doesn’t matter which type we are in or what historical moment we are living. Francesca Belgiojoso is freeing her personal memories and reflections about life and social dynamics through her collages. By making a rational and accurate selection of the images and materials used in her creations, Belgiojoso bonds together elements apparently so heterogenous and disconnected one from the other. After that first rational approach, enhanced by the repetitive and time consuming gesture of the cutting, the artist allows herself to get lost in the action, letting the memories dissolve into physical reality, being at the end radically transformed in the resulting composition. The subconscious mind prevails. In this context, it is interesting to recall the idea suggested by Didi-Huberman, where he speaks of the very fact of remembering as an act of reconstruction in itself: in other words, as an anachronistic act. By allowing the subconscious to emerge, Belgiojoso bypasses the anachronism of the personal reconstruction, transforming her memories of a rational analysis into something completely new, more close to a mirror for a collective subconscious mind. At the end of the show the viewers when confronted to the work of these two artist, can just follow Marcel Duchamp’s example and reconstruct the content, with its references and quotations, by not being a passive viewer merely looking, but an active one who takes a central role by bringing part of his/her knowledge and experience to the task of evaluating the work.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2019-03-24

Künstler: Simone Bubbico, Thomas Scalco, Corinne Héraud

Thema: OPENING RECEPTION: Friday 25th January, 7-10 pm DURATION: 25th January - 24th March 2019 “There is strong shadow, where is much light” Johann Wolfgang, von Goethe What brings together the work of Simone Bubbico (I), Thomas Scalco (I) and Corinne Héraud (F) is without any doubt the fascination and the magistral artistic application of the oxymore Light and Shadow. read more: https://www.luisacatucci.com/tales-of-light-and-shadow/

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2019-01-18

Künstler: Maurizio Savini and Carlo Colli

Thema: The coexistence between symbolic colors linked to power and to achromatic and minimalist poetics lives again in the Kunst/Off exhibition, bi-personal show by the Italian artists Carlo Colli and Maurizio Savini. Although presenting two researches very distinct one to the other by technique and concept, Colli and Savini create artworks of strong spatial and environmental impact, almost intrusive in visual perception, but yet synthetic and effective in the technique. more info: https://www.luisacatucci.com/kunst-off/

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2018-11-30

Künstler: Belen Ordovas – Irene Cruz – Isabel Consigliere

Thema: ENGLISH (Scroll for German) “All things transitory Are only symbols; What is insufficient, Here becomes an event; The indescribable Here is accomplished; The eternal feminine Pulls us upwards.” Goethe: Faust II, Vers 12104 ff. / Chorus mysticus – Closing verses to Faust II The link between the works of the artists Isabel Consigliere (Italy), Irene Cruz (Spain-Germany) and Belen Ordovas (Spain) is undoubtedly the subtle, and perhaps sometimes unconscious, representation of the feminine. The eternal feminine, that favor Dei that every woman possesses within herself, inherently, and that is not to be confused with the femininity, ensemble of the physical, psychological and behavioural characteristics judged by a specific culture to be ideally associated with the idea of women, in distinction from men. Looking at the works of Consigliere, Ordovas and Cruz, one feels embraced by the intimate secret of the eternal feminine, which, as Rudolf Steiner said about the Goethe’s verses introducing this text: “here he means the female sex. He refers to that profundity signifying the human soul as related to the mystery of the world (…) It has nothing to do with something feminine in the ordinary sense. Therefore can we truly seek this ever-womanly in man and woman: the ever-womanly which aspires to the union with the ever-manly in the cosmos, to become one with the Divine-Spiritual that inter-penetrates and permeates the world towards which Faust strives.” Discreet as a maiden from the past , bearer of the feminine mystery, the message in the works of these three artists – admirably transmitted by each through their own medium: painting, photography and sculpture – is never shouted, blatant, exuberant, nor highlighted in an explicit way, but it rather comes across in a subtle, acute and delicate way, for the attentive eyes that will be able to read it. The oil paintings by artist Belen Ordovas are psychological paintings. To confirm the Jungian theory wanting the creative drive based on the common archetypes of the collective unconscious to later blossom and act autonomously – spacing between symbolic and non-symbolic – to become an expression of the primordial feelings of the human race, the women portrayed by the Ordovas are a representation of the inner conflict of our kind. The artist herself defines her art as “introspection and intimate commitment”. Ambiguity, weakness, jealousy, shyness, contradiction, melancholy, are feelings that we all have experienced at least once in our lives, but when Ordovas fixes them on her linen canvases, she returns them transformed by her delicate brush strokes. What is normally hidden in our inner-self, in the part of us of which we are not forcibly proud and which makes us feel fragile and exposed, it is manifest, there before our eyes, ready to confront us, on canvas, in the form of graceful dancers or young women suspended in cold and alienating non-spaces. These empty spaces, devoid of colour and shape, sometimes left unfinished and barely mentioned, emphasise the universality of the message by depriving the main subject from any logistical and temporal reference. The incompleteness, a fundamental part of the works of the Ordovas, which from space attacks the subject, is an active part of the composition. Like hope – an equally universal feeling – nourishes our soul, the unfinished parts in the paintings by this Spanish artist, remind us that everything is in progress and in perpetual transformation, including the inner conflict that hurts us so deeply. The Feminine portrayed in the photographs of Berlin based artist Irene Cruz is of clear Hellenic inspiration. Like the Muses, divine daughters of the god Apollo and the Titaness Mnemosyne, have inspired artists, musicians and poets since the dawn of time for compositions coming directly and sincerely from the artist’s pathos – transmuting personal feeling into universal feelings – the muses and the young fauns immortalised by Cruz’s camera whisper a familiar litany in our ears. The selection of photographs presented in the exhibition, shoot between 2014 and 2018, immortalises portraits in a landscape that is not only favourable for environmental and philosophical reflections, but also for pure aesthetic contemplation. The light is cold and crepuscular, and contributes to give a sense of timelessness almost sacred to the composition, as if Cruz managed to photograph the essence of an intimate dream, dreamt simultaneously by the collectivity.The hope of a return to an harmonious relationship with the rest of nature is also palpable in the work of this young photographer: the landscape and the human subjects appear in their primitive communion, where co-belonging is obvious and harmony is evident, as it used to be in the mythological Arcadia ruled by the god Pan. In this communion between mankind and nature the bodies – masculine and feminine – are sometimes indistinguishable from one another once again to confirm Steiner’s theory on the cosmic feminine transcending genders. Under the title Physis goes the series presented in this exhibition by Isabel Consigliere, linking this exhibition with her personal show in the Project Room: SUBTILIA, also spinning around the theme of sacred feminine. To pre-Socratic Greek philosophers, Physis meant nature, understood as first and fundamental essence, principle and cause of all things. Consigliere interprets it also as our inner self, the most recondite and delicate part of our being. The term is enriched by various meanings in the philosophical and scientific terminology, intended as the force of nature and the ordering divinity of the Kosmos, but is nevertheless perceived as a feminine element. Taking up the Christian iconography of reliquary, Physis by Consigliere presents itself in the form of petals and flowers that flow from slots in anatomical sections made of beeswax, to remind us that behind the violence, the noise, the superficiality to which every day we adapt, flows in us an original soul, pure and powerful. A tribute to that part of us that makes us able to feel, create, understand and empathise. The exclusive use of natural materials, wisely treated by the artist for conservation, also leads to highlight the obvious conjunction of our personal Physis with the one of the rest of Kosmos. Again a case where “the eternal feminine who yearns for the eternal masculine in the cosmos to unite with him, to become one with the spiritual Divinity that pervades the world, acting in the world” GERMAN: “Alles Vergängliche Ist nur ein Gleichnis Das Unzulängliche Hier wird Ereignis Das Unbeschreibliche Hier ist es getan Das Ewig-Weibliche Zieht uns hinan.“ Goethe: Faust II, Vers 12104 ff. / Chorus mysticus – Schlussverse Faust II Die Verbindung zwischen den Werken der Künstlerinnen Isabel Consigliere (Italien), Irene Cruz (Spanien-Deutschland) and Belen Ordovas (Spanien), ist zweifellos die subtile und vielleicht manchmal unbewusste Darstellung des Weiblichen. Diese Weiblichkeit, die jede Frau von Natur aus in sich trägt, ist nicht zu verwechseln mit psychischen, physischen und Verhaltensbasierten Charakteristiken, nach denen die Frau je nach einer spezifischen Kultur in Abhängigkeit vom Mann bewertet wird. Beim Betrachten der Werke von Consigliere, Cruz und Ordovas, fühlt man sich von den intimen Geheimnissen dieser ewigen Weiblichkeit ergriffen. Wie Rudolf Steiner über Goethes Verse in der Einleitung sagte: „Hier meint er das weibliche Geschlecht. Er verweist auf die Tiefe, die die Verbindung der Menschlichen Seele zu den Geheimnissen der Erde andeutet.(…) Das hat nichts mit der Weiblichkeit im gewöhnlichen Sinn zu tun. Dafür können wir wahrlich die ewige Weiblichkeit in jedem Mann und jeder Frau suchen: Die ewige Weiblichkeit, die zu der ewigen Männlichkeit im Kosmos aufstrebt, soll eins werden mit dem Geistig-Göttlichen, das sich und die Welt durch die Fast streift durchdringt.“ Diskret wie eine Maid der Vergangenheit, Trägerin des Rätsels der Weiblichkeit, wird die Bootschaft der drei Künstlerinnen vortrefflich von jeder durch ihr eigenes Medium übermittelt: Malerei, Fotografie und Bildhauerei Diskret wie eine Maid aus der Vergangenheit, Trägerin des Rätsels der Weiblichkeit, wird die Botschaft der drei Künstlerinnen – vortrefflich von jeder durch ihr eigenes Medium übermittelt: Malerei, Fotografie und Bildhauerei – weder auf ausdrückliche Weise schreien, eklatant, üppig oder plakativ ausgedrückt, sondern dezent, zart und scharfsinnig, um mit Aufmerksamkeit erfasst zu werden. Die Ölmalereien von Belen Ordovas sind Psychologische Malereien. Die von Ordovas portraitierten Frauen stehen für unseren Inneren Konflikt, um die Jungian Theorie zu bestätigen, nach der der Schaffensdrang auf den gemeinsamen Archetypen des allgemeinen Unbewussten basiert, um später aufzublühen und autonom zu agieren – der Raum zwischen dem Symbolischen und Nicht-Symbolischen – und ein Ausdruck der Ursprünglichen Gefühle der Menschlichen Rasse zu werden. Die Künstlerin selbstdefiniert ihre Kunst als „Selbstbeobachtung und intime Verpflichtung“. Unklarheit, Eifersucht, Schwäche, Befangenheit, Ungereimtheiten und Melancholie sind Gefühle die wir alle mindestens einmal in unserem Leben erfahren haben, aber wenn Ordovas sie auf ihre Leinwände bannt, verwandelt sie diese durch ihre zarten Pinselstriche. Was normalerwiese in unserem Inneren verborgen ist, in dem Teil von uns, auf den wir nicht unbedingt Stolz sind, was uns zerbrechlich und entblößt fühlen lässt, hier ist es manifestiert, vor unseren Augen auf Leinwänden, bereit uns, in Form einer Anmutigen Tänzerin oder in Gestalt einer jungen Frau die kalten, Abschreckenden Nicht-Orten ausgesetzt ist, mit diesem zu konfrontieren. Diese leeren Orte, frei von Farbe und Form, manchmal unfertig zurück gelassen und kaum angedeutet, betont die Universalität der Botschaft, indem sie das Hauptsubjekt jeglichen Logischen und Zeitlichen Bezügen entzieht. Die Unvollständigkeit, ein fundamentales Merkmal von Ordovas‘ Arbeiten, der das Subjekt aus dem raum attackiert, ist ein aktiver Bestandteil der Komposition. Wie Hoffnung – ein gleichermaßen universelles Gefühl – unsere Seele ernährt, erinnern uns die Arbeiten dieser Spanischen Künstlerin daran, dass alles im Prozess ist und sich ständig wandelt. Einschließlich der inneren Gefühle, die uns so tief verletzen. Das Weibliche, portraitiert in den Bildern der Berlin basierten Künstlerin Irene Cruz, ist klar hellenisch inspiriert. Wie die Musen, traumhafte Töchter des Gottes Apollo und der Titanien Mnemosyne, seit Anbeginn der Zeit Künstler Musiker und Poeten zu Kompositionen inspiriert haben, die direkt aus dem künstlerischen Pathos stammen – persönliche Gefühle in Universelle verwandelnd – wispern uns die Musen und Faune von Cruz‘ Kamera vertraute Litanei in unsere Ohren. Die Auswahl von Fotografien in der Ausstellung, geschossen zwischen 2014 und 2018, macht Portraits in einer Landschaft unsterblich, die nicht nur vorteilhaft, für ökologische und philosophische Reflektionen ist, sondern auch für die reine ästhetische Anschauung. Das Licht ist kalt und dämmrig und trägt zu dem Gefühl von beinahe heiliger Zeitlosigkeit bei, als hätte Cruz es geschafft einen Traum zu fotografieren, der simultan im Kollektiv geträumt wird. Die Hoffnung auf eine Rückkehr zu einer harmonischen Beziehung zum Rest der Natur ist in den Werken der jungen Fotografin ebenfalls spürbar. Die menschlichen Subjekte erscheinen in ihrer primitiven Gemeinschaft, wo Zugehörigkeit augenscheinlich und Harmonie offensichtlich ist. Wie es auch in den mythologischen Arkadien, regiert vom Gott Pan, war. In dieser Gemeinschaft zwischen Mensch und Natur, sind die Körper – männlich und weiblich – manchmal voneinander ununterscheidbar. Ein erneuter Verweis auf Steiner’s Theorie des ewig Weiblichen, dass als kosmisch Feminines die Geschlechtergrenzen verschwimmen lässt. Unter dem Titel „Physis“ laufen die Serien von Isabel Consigliere in dieser Ausstellung in Verbindung mit ihrer persönlichen Präsentation im Projektraum unter dem Titel SUBTILIA, die sich ebenfalls um das Thema der heiligen Weiblichkeit drehen. Für vor-sokratische, griechische Philosophen, bedeutete Physis „Natur“, verstanden als erste und fundamentale Essenz, Prinzip und Ursprung allen Seins. Consigliere interpretiert es auch als unsere innerstes Selbst, der tiefgründigste und zarteste Teil unseres Seins. Der Begriff ist bereichert durch unterschiedliche Bedeutungen in der philosophischen und wissenschaftlichen Fachsprache, bestimmt als die Kraft der Natur und die bestimmende Gottheit des Kosmos‘ , wird er aber dennoch als weibliches Element wahrgenommen. Christian Ikonografie der Reliquien aufnehmend, präsentiert PHYSIS von Consiglier selbst die Form von Blütenblättern und Blumen, die von Slots aus anatomischen Sektionen, hergestellt aus Bienenwachs, fließen, um uns daran zu erinnern, dass hinter all der Gewalt, dem Lärm, der Oberflächlichkeit, der wir uns jeden Tag anpassen, Fließt in uns eine wahre Seele, pur und stark. Ein Tribut zu dem Teil in uns, der uns befähigt zu fühlen, erschaffen, begreifen und mitzufühlen. Der Ausschließliche Gebrauch von natürlichen Materialien, vorausschauend von der Künstlerin behandelt um sie zu konservieren, unterstreicht die Verbindung unserer persönlichen Physis mit der des restlichen Kosmos‘. Wieder ein Fall in dem sich „die unvergängliche Weiblichkeit nach dem unvergänglich Männlichen im Kosmos sehnt, um sich mit ihm zu vereinen und eins mit der spirituellen Göttlichkeit die die Welt erfüllt, in der Welt agiert.“

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2018-09-30

Künstler: Rowan Corkill, Luis Bivar, Aqua Aura, Vemo Hang, Guiseppe La Spada, Edoardo Romagnoli, Francesca Belgiojoso, Caroline Gavazzi, Niccoló Aiazzi, Pasquale De Sensi, Mathilde Nardone, Simone Bubbico

Thema: “Look deep into nature, and then you will understand everything better.” - Albert Einstein “What may emerge as the most important insight of the twenty-first century is that man was not designed to live at the speed of light. Without the countervailing balance of natural and physical laws, the new video related media will make man implode on himself.” - Marshall McLuhan At Luisa Catucci Gallery we strive to foster awareness not only of the fundamental role of nature as inspiration for art, beauty, poetry, harmony, spirituality, and all what is nourishment for the soul, but also of environmental changes caused by the unnatural speed with which our society pretends to run. By engaging viewers in unexpected visual hypotheses, Natura Mirabilis offers a novel lense through which to consider the impact of human action on our planet. What we call Earth, Nature, and the Universe can never be contained in an artwork, a combination of artworks, a word, or a combination of words. Nevertheless, with this group exhibition we want to pay homage to the magnificence of nature by presenting the works of different artists who in their own ways, have been strongly charmed by the infinite beauty of the Nature we are part of. Through a variety of different mediums such as painting, collage, photography, video, and sculpture, the works presented in this exhibition are concerned with the importance of our interconnectedness to the natural world, while also proposing new ways for us to co-exist with it. Man and nature, form and spirit, might be interrelated expressions of one all-encompassing whole, and we can all reach our own understanding of this wholeness by looking “deep into nature,” as Albert Einstein once suggested. Each moment provides us with an opportunity to learn from nature, to appreciate the splendour of it all, and to approach a deeper level of understanding of universal order. But without a tolerable planet to live on, where would we be? How else might we be experiencing life? Since the turn of the Millennium, world concern over environmental issues, such as pollution, global warming, species depletion, and new genetic technologies has increased. Artists have been increasingly answering collective cultural needs and developing active and practical roles in environmental and social issues. Exhibiting: Rowan Corkill, Luis Bivar, Aqua Aura, Vemo Hang, Giuseppe La Spada, Edoardo Romagnoli, Francesca Belgiojoso, Caroline Gavazzi, Niccoló Aiazzi, Pasquale De Sensi, Mathilde Nardone, Simone Bubbico

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2018-07-06

Künstler: Gigi Piana

Thema: Happily announcing the exhibition LITTLE REVOLUTIONARY MOVEMENTS by Gigi Piana art 2nd June - 6th July in our Project Room The photographic works by the Italian artist Gigi Piana explore the concept of identity in the whole range of its possible meanings. Printing directly on transparent acetate, Piana creates “two-dimensional sculptures” by weaving together different stripes of previously cut photographs. The use of this particular material allows the artist to combine from two to four different photographic images while maintaining the synergy between their single elements.... more: https://luisacatucci.com/gigi-piana-little-revolutionary-movements/

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2018-07-06

Künstler: Sebastian Bienek

Thema: DOPPELGÄNGER a solo exhibition by Sebastian Bieniek 1st June - 6th July 2018 Opening Reception Friday 1st June, 7-10pm https://luisacatucci.com/sebastian-bieniek-doppelganger/ Sebastian Bieniek solo exhibition “Doppelgänger” will present a selection of some of his most recent works, realised between 2016 and 2018. Meaning a “look-alike” or “double of a living person”, the concept of Doppelgänger has been used in literature as well as in psychoanalysis to explore the duality of human nature. Taken from legends and myths of the European folklore, where the appearance of one person’s double was often interpreted as a negative omen, the topic of Doppelgänger became very popular during Romanticism, thanks to the works of Jean Paul and E.T.A Hoffman. Related by Freud to the feeling of uncanny (“Das Unheimliche”), the Doppelgänger has often been portrayed, in the art as well as in literature, as a disturbing figure, able to mislead one person’s self-concept and develop in hounding behaviours. Exploring the different facets of this idea, Sebastian Bienieks’ works investigate the inherent duality of human nature. Ironic and provocative, his portraits play with the invisible boundaries between fiction and reality, dragging the viewer inside the kaleidoscopic spectrum of their bewildering appearance. The artwork’s surface becomes here a sort of magic mirror, showing and making sense out of all the invisible pieces creating the figure’s puzzle. Everything, in the artist production, may result in a chance “encounter” between the character and its several doubles: from the intimacy of a hug to the fleeting and almost unnoticed contact of one or several hands on the character’s body, these figures never really appear to be aware of the presence of their multiple Doppelgängern. Rather than being uneasy, they face the observer with a fearless gaze, inviting them to play the game and give up solving the riddle behind their real presence. Claiming that “art is a game”, the artist encourages us to explore our personal and social identity with a more playful attitude and reminds us how sometimes, in order to really see ourselves we must be able to look at the other.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2018-05-27

Künstler: Andrea Mariconti

Thema: The exhibition of the Italian painter Andrea Mariconti presents some of his most representative recent works. In the main room of the gallery, there are a series of paintings “A.N.M.L.A.”, inspired by the Menhirs of Val Camoninca, rugged megalithic settlement of North Italy 13000 years old, and to the question “which was the first artistic sign left by humanity?”, a query to which many tried to answer, as Didi-Huberman, in his essay on prints, or Bataille in his text on the Lascaux’s caves, studies attentively analyzed by Mariconti. From the analysis of this and other rugged settlements, it emerges that the artistic sense, mimetic or symbolic, is present since the first sign left by humanity. The mediation used to happen then as it happens today: the human eye yearning to get back what it observed, forces the hand to fold to the view and to the synthetic thought seeking the shapes of reality, ending by interacting necessarily with the intrinsic textures of the support, whether canvas, paper, wall or monolithic rock. In the monoliths’ portraits, Mariconti represents the camunan stele in the exact moment its surface was carveled by the artist: the painted rocks seem to have frozen in time. On their surface, a distinct code moves as a ghost: incisions of masculine objects (axes, animals, men, sun) and feminine ones (dresses, jewelry, spirals). This code is the most ephemeral condensation of art history, and ground of the subliminal language of both genders. It defines a blurred temporal horizon, as if it would be swinging from picture to picture, hidden behind the surface and unaltered by the time passing. The ghostly code becomes the real center of the exhibition, since it’s on this that the artist’s intervention focuses, being the binding element of all the artworks here exhibited: the series “A.N.M.L.A.”, the portraits and the sculptures. The contemporary is inevitably the result of what has been done previously and it is this constant flow of humanity’s artistic history to mostly fascinate Mariconti, free of limitations and labels. In the center of the room, the sculpture of Neuma I is exposed, realised in bronze lost wax at the Fonderia Allanconi, a peculiar place with 450 years old ancient tradition. Metallurgy and science of metals’ transformation, have been gigantic discoveries for the history of arts. In Val Camonica they define the passage from the stone age to the copper one. The bronze is an alloy between tin and copper, two of the most precious minerals, that in order to be used needs to boil at 1200° celsius, then dropped into the “mouth” of the receiving sculpture. What defines Mariconti’s artistic approach is the investigation of this primordial science, by interfering with it, breaking it, re-elaborating it in a contemporary way while adding interruptions in the bronze fusion’s free fall. “Neuma” is the proto-note, when humanity didn’t know what musical composition was and gave this name to those sound particles coming out the singing voice. Etymologically Neuma is bonded to the concept of breath, with a clear accent on human’s voice.The series of portraits exposed in the gallery’s back room confirms, as humanistic approach, the central position of the individual in both his role of demiurge and receiver of the ghost code, a sort of representation of the full body of the history of arts. Well known in the Italian art scene for his pictorial and compositional technique, Mariconti realizes his paintings with sapient personalized mixture, recept developed during the years by mixing oil colors, vegetal extracts, ashes, earth, carbon oxide and motor oil. By combining masterfully paper and canvas, Mariconti’s paintings reveal surprising textures and cuts, emphasized by the consistency of the materials used in the mixture self and by his brush stroke, gestural and controlled at the same time. The foldings and cuts born out the interaction between the different supports and the presence of subtle graphic elements, place the work of this Italian painter, strong of his classicism of his compositional origins, into the most contemporary and innovative pictorial scene.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2018-01-07

Künstler: Lido Rico

Thema: Lidó Rico sculptures focus on the human subject, with a particular attention to human brain and their scientific and philosophic coexistence. The brain, as the organ of the mind, has implications for broader philosophical problems, such as the nature of free will, moral responsibility, self-deception, personal identity, and perception. More and more today is getting clear how the humanist culture and the scientific one, need one another and are looking one into the other, abandoning the past behavior of living back to back inattentive one to the other. In the society of information the transversality between disciplines, the implementation of new models and methodological strategies, the open intellectual debate, are the central axes around which rotate the relations between science and culture, scientist and artist. Lidó Rico in his brain sculptures approaches the syndromes of different addictions, chemical and behavioral, that grip humanity in the contemporary society. Above this, the sense of human freedom, the cultural plot of our emotions, the psycho-social tiredness that seems to invade the contemporary individual also arise in front of the viewer’s eyes when confronted with Lido’s work. Also the expressive gesture of his self-portraits works, although being a faithful representation of the emotional state of a single person, is deprived of his individuality thanks to the use of masks or stereotyped extreme gestures, and becomes universal. Maintain a theatrical distance from authenticity, Lido’s gesture appears to be strictly related to performance. But is truly this sort of tension between two apparently contradictory elements – reality and fiction- becomes a fundamental topic in the work of the Spanish artist, a friction where every gesture is and, at the same time, is not what it represents. Finding the balance between these contradictions, Lidó Rico’s work addresses the universal while focusing on the individual, in the attempt of freeing a grimace that is never fully subjective but belongs to that “other” in which everybody can easily recognize him or herself. Since the beginning of his career, the Spanish artist has been developing one of the most regular, constant and personal body of works inside the Spanish art scene. A body of works in which the eminent aesthetic of the materials used in his sculptures combines itself with an indisputable performative and gestural component. Result of a violent process of gestation where the artist, in a sort of ritual act, submerges his body in plaster in order to create an empty mould that will be subsequently filled with polyester resin, Rico creates fragmented bodies and dislocated faces that literally emerge from the walls as if they wished to find relief from their own tyranny.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2017-11-30

Künstler: Eleonora Roaro

Thema: Loops is the solo show dedicated to the young Italian artist Eleonora Roaro, with a selection of works about repetition and self-portrait she made over the last five years. Focusing on video and archaeology of cinema, the exhibition underlines the performative aspects of her practice through the set up of repeated and obsessive actions that become metaphors for human limits. On one hand, pre-cinematic devices such as zoetropes and magic lanterns question the perception of artworks in the space, on the other the loop is not conceived as a a creative hardship but as a narrative engine: in this way, stories are told with only a few elements. Moreover, the repetitiveness of movements helps to deconstructs the actions, revealing their both mechanical and fictional dimension. The sound also contributes to creating a meditative atmosphere: from the internal rhythm of the sequences on loop to the inaudible music coming from the vinyl records placed under the zoetropes, the viewer is constantly lead to experience the “hinc et nunc” of the display. Not only are cyclical time and self-portrait recurring themes of the exhibition, but so too are balloons, an ironic metaphor for ephemerality. In the one-second videos of 00:00:00:01, their pops remind us of the catastrophic impact of human actions on the Earth’s ecosystem, whereas in the zoetrope Farewells Never Are Farewells, a black gas balloon flies away and always comes back, highlighting paradoxical aspects of life. Eleonora Roaro was born in 1989 in Varese (IT). She studied Photography (BA – IED, Milano), Visual Arts and Curatorial Studies (MA – NABA, Milano) and Contemporary Art Practice (MA – Plymouth University, UK). Currently, she lives and works in Milan.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2017-10-31

Künstler: Colin Dutton - Andreas Fischbach

Thema: Paying homage to a great French writer, George Perec, this exhibition will focus on space as an element that forges the relationship between the individual and the other as well as that between the single and the self. Cherishing the difference between photography and painting, the works of Colin Dutton and Andreas Fischbach confront us with two different visions of space, involving the observer in a sort of perceptual journey able to affect their body as well as their gaze. Interested in the global “machines” that sustain our contemporary lifestyle, Dutton realizes photographic panels by assembling different satellite images. In his series, "Co-ordinates", each panel is made up of between 100 and 3.000 individual pieces representing world cities, freight containers, Ikea stores, power stations, steel works and refugee camps. By adopting a panoptic vision which elevates the viewer’s gaze to that of “a solar eye looking downwardly like a god”, Dutton creates suspended landscapes that tell us stories about a mankind which remains entirely absent, hidden in those small spaces within the panels. It is a sort of visual fiction that these images create, a perceptual illusion where differences and singularities tend to be excluded, allowing the observer to indulge in the pleasure of “seeing the whole”. Inspired by the aesthetic of satellite images, which have only recently become part of our visual culture, the artist seems to look at the "non-lieux" of our modernity almost through the same detached and judgmental lens of an architect or a town planner. With a particular attention to the detail, Dutton creates mosaics of our time where the artificial viewpoint is compounded by the viewer’s experience and knowledge, becoming the missing panel of a way too abstract representation of our world. Compared to Dutton’s photographic work, the installation realized by the Swiss/Berlin based artist, Andreas Fischbach brings the spectator’s gaze back to earth. The exhibition combines painted portraits of three different people coming from three different countries. Each picture is associated with a video projection showing a list of statistic data concerning the economic, political and demographic condition of the country where the portrayed person comes from. A big world map where the three countries are highlighted complements the installation. By juxtaposing a world map together with three acrylic painted portraits and video projections, the artist’s installation, "Meccanismo d’informazioni", wants to be a reflection on how the information we receive every day from the mass-media about other countries, tend to influence our own personal representation of reality. By using the expedient of the chance meeting between the spectator and the portrayed figure, the artist wants us to reflect on how this overload of scientific information not only affects our own perception of the other but also influences the way we relate to them. At the end of a real Icarus’s journey which saw the spectator confronting with two very different ways to intend the relationship between man and space, we are left with only one question: which viewpoint is the most deceptive one?

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2017-08-31

Künstler: Giuseppe La Spada, Edoardo Romagnoli

Thema: In the attempt to explore the place beneath superficial tension, hiding underneath the subtle transparent membrane which keeps us separated from the real world, Giuseppe La Spada’s work focuses on water as an element of suspension and balance between several ancestral dualisms: life and death, light and darkness, visible and invisible. Water is a dimension where all the sensorial perceptions change, affecting the relationship between reality and fiction but also representing a space of possibility for the individual to get in touch with the deepest part of the self, in a kind of vertical journey where body and water share the same fluid materiality. Like mythical creatures, halfway between human and animal, La Spadas’ subjects are never fully underwater, floating quietly over the transient place in-between the surface and the sea bottom. Focusing only on natural elements, La Spada’s work also share certain sensitivity toward environmental issues. Aside from taking part to several ecological projects, in 2007 the artist won the prestigious Webby Award, thanks to the web project “Mono No Aware” made in collaboration with the Oscar winner artist Ryuichi Sakamoto. Giuseppe La Spada was born in Palermo in 1974. In 2002 he graduated with honors in Digital Design at Istituto Europeo di Design in Rome, where he remained as a professor until 2004. In 2006 Istituto Europeo di Design Rome conferred him the prize for best carrier in Visual Arts. Currently La Spada lives and works in Milan, embarked in a relentless research not only in terms of aesthetic artistic mission, but also human and ethic, aiming to give a real contribution to human society. The very first encounter between Edoardo Romagnoli and the moon has to be be traced back to 1990 and since then, the love story between the Italian artist and the elusive satellite has never come to an end. Almost indulging the moon’s changing nature, Romagnoli always seeks her under her own terms: “I have to go to places where the moonlight doesn’t have to compete with unnatural light such as glare or reflections from street lamps. These are usually peaceful and remote places that are also conducive to thought and would be inspiring even without the moon”. While most photographers try to capture as much light as possible, Romagnoli does just the opposite, allowing his favourite subject to glow with her own special light without adding any artificial enhancement that would deprive her of her mystery. By pointing the camera toward the sky, Romagnoli engraves the darkness with cryptic messages, creating nocturnal visions which become as silent, mysterious and metaphysical as the moon. Edoardo Romagnoli lives and works in Milan. He started in the late ‘80s developing his own expressive search and since then he has been exhibiting in solo and group exhibitions in Italy and abroad. The first photo of the moon dates back to 1988 and represents the beginning of his most known artistic carrer. His first solo exhibition was in 1991 at “Il Diaframma” of Lanfranco Colombo. The moon is an object of an untiring observation; Romagnoli makes it the protagonist of his long experimentations renewing in every release the original charm that ravishes him. The photos are realised moving the camera and they have been in any way modified in postproduction.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2017-07-01

Künstler: Enrico Pietracci, Jürgen Bürgin

Thema: Fließende Körper is the end point of a long series of artistic experimentations by the Italian/Berlin based artist Enrico Pietracci. With the aim to reach a renewed esthetical form, the artist explores a new way of expression where visual and performance art fuse themselves in-between the pure lines connecting the moving bodies and the graphic painting. What emerges from this fusion is a particular esthetical form, able to overcome the incommunicability of the dynamic and emotional actions while promoting the interactions between the artist and the subject. The photographic result of this form of “light painting” is what allows the traces left by the dancers in the very present moment of their action to extend the effect of their vital force, reaching the balance between the bodies’ disruptive expressiveness and the composedness of the line. 2015 represents a sort of turning point in the artist’s creative growth: after several years experimenting with drawing, he finally discovered the medium of photography. Constantly looking for a new esthetical form of expression, Pietracci finds in the “light writing” par excellence, the perfect field for the development of that open dialogue between the subject and the artist, which stays at the core of his artistic vision. Every photo session takes place in the contest of the artist’s personal atelier, where the dancer/performer is free to move around the space allowing the photographic eye to record their action. The photographs are realised by using a Reflex camera and the effects are the result of an accurate work trough a specific use of lightening and exposure time. No work has been in any way modified in postproduction. A wondrous world of dazzling illusions and crafty (dis)simulations, authentic space of daring feats and extreme acts, a field of adventure and drama – all this and more is the sandy arena known as circus that lives and dies, everyday, by suspense, contrast and contradiction. Circus is creation, creative invention and physicus fiction. Together, the Berlin photographer Jürgen Bürgin and the literary scholar Anna-Sophie Jürgens explore these imaginaries of the Arts of the Ring. Taking the circus(‘) shadow as point of departure, Exposure illuminates the affinities between circus and fiction while unveiling the arena where its traditional dimensions ends and the fiction begins in the shadow of the history of Circus Arts. Jürgen Bürgin, born in 1971, is a photographer living and working in Berlin. His works have been exhibited at the South Street Seaport Museum in New York, at the Fotogalerie Friedrichshain in Berlin, at the Galerie Lardon in Ahrenshoop, at the Deutsche Bank in Berlin-Charlottenburg, at the Galerie Aspekt in Neustadt an der Weinstraße, at Cologne Art Fair, at the Affordable Art Fair in Hamburg, at the Galerie im Saalbau in Berlin, and at the Galerie Seifert Lardon in Berlin. His photographs have been awarded several times, e.g. by the renowned Berlin based photography gallery C/O Berlin. He has been shortlisted for the Sony World Photography Award, as an Urban Photographer of the Year and he took second place at the Brennpunkt Award of the Browse Fotofestival in Berlin. In 2016 his photo book URBAN FEVER – Scenes from city life has been published. Anna-Sophie Jürgens is a scholar of Comparative Literature and currently a Humboldt Postdoctoral Fellow at the Humanities Research Centre of the Australian National University in Canberra. In 2016 she published a monograph on “The Poetics of the Circus – The Aesthetics of Hyperbole”, which is the very first comprehensive comparative discussion of circus in fiction, especially in contemporary novels.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2017-05-28

Künstler: Francesco Kiàis (IT-GR) | PASHIAS & PAPPAS (CY) | Zierle & Carter (DE-UK) | Nicolina Stylianou (CY) | Eru and Seven of Eglise (DE) | Hector Canonge (RA-USA) | Ruth Biene (DE) | Andy Tam (HK) | Marta Lodola + Valerio Ambiveri (IT) | Anniken Weber (NOR) | Patrick Jambon (FR) | TAFT Group: Tsui Siu Hong + Lai Sin Wah + Fiona Wan Sze (HK) | Monique Yim + Wiency Wong (HK) | Alvin Cheng + Tang Tak Man (HK) | yoto (DE) | Felix Roadkill (DE) | Andrew Lam Hon Kin (HK) | Olga Kozmanidze (RUS) | SoSickCommunications (UK) | Barbara Kowa (A) + Colin Edina Leach (DE) | Sikarnt Skoolisariyaporn (THA) Nicola Fornoni (IT) | Morphon (DE) | Mathieu Léger (CDN) | Keike Twisselmann (DE)

Thema: International artists create a two-day high-energy event with an international context by presenting their work in an hourly schedule throughout the weekend. The actions follow creating a connection between the public open space of the Schillerkiez with the private indoor space of Luisa Catucci Gallery. Performers and viewers will be taking the inside to the outside and the outside to the inside. The power of momentary impulses and the power of intervention with space and time, and the encompassing mix of genres and disciplines create the action weekend to become an unforeseeable overall picture of Performances where the threshold of categories merges. Material and conceptual structures are absent and the viewers meet with their own interpretative freedom. A world within a world where one main characteristic dominates: the transformation of ideas, redirecting the expectation level for completeness into an permissiveness for surprise. 
Artists and viewers alike experience the amenable possibilities of dis-categorization between performing art and fine art. Artist next to Artist and its non-stopping continuity of actions and movement through spaces, gallery and most of all public, unexpected urban environments of Neukölln’s everyday life situations. 
Pavements transform into exciting, temporary platforms for feet and heads and the pedestrian’s stride is being interrupted. The idea that the limitations of private and public are being met and may be are distorted, at that threshold open the borders of countries and foreign cultures, the moment when artists of different nationalities engage on Cell63 as a unique, international experienced art platform.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2017-05-24

Künstler: Fabio Romano, Francesco Geronazzo

Thema: Find the balance – Fabio Romano Solo Exhibition. Ranging from installation and sculpture to photography, the show will present a new series of works specially created for the occasion by the young and talented Italian artist. Always creating his works according to the space of their exhibition, the artist’s working method contains in itself a direct reference to that aesthetical dimension of “living” which is at the core of his artistic vision. Far from that typically Cartesian idea of space as ether where all the things are immersed, Fabio Romanos’ spaces are rather the result of an open dialogue where the body covers an important role in the process of re-defining the limits of the first. Inviting the spectator to move around a space in-between a “prescribed” and “not prescribed” nature, the artist manifests an attempt to physically involve them to play with it, to explore the unwritten possibilities that lie behind its mere formal organization. Suggesting a visual experience where the spectator’s body has to zigzag between the different elements as well as their eye is forced to oscillate constantly between a vertical and horizontal dimension, the exhibition space becomes the perfect field for the observer to experience that alienation effect, always present in the artists’ apocalyptic landscapes. These are desolate sceneries that never allude to a specific time or space, where reality and crea- tivity intertwine themselves in a never-ending game of creation/destruction that closely recall the mechanism of memory. At the core of an artistic vision that has its strength in the association between different media, words also play an important role. Placed on the walls around the artworks, they prefer to sur- round rather than overwrite them, by insinuating gently inside that invisible space which keeps the sculptures suspended and almost separated from their surroundings. As an “art of time”, poetry succeeds to set in motion the sculptures in the room, supporting the iconic power of both the verbal and the artistic language, in an attempt to reveal the mystery of the invisible. If, as Roger Callois suggests, poetry is what “gives to anyone, in the space of a second, the perception of an enigma”, words become here a sort of magic device, able to guide the viewer in filling the spaces left to their own imagination. Back to the roots: Francesco Geronazzo @ Luisa Catucci Gallery Project room Back to the roots: this is where Francesco Geronazzo’s exhibition at Luisa Catucci Gallery Project room is going to bring us. The show will present a selection roots’ tracings made of ceramic chalk, monotypes made with gold chalcographic ink and blue pigments on flimsy paper together with other works made on textile material. Seeds, stones, small shrubs, roots: these are just some of the natural elements that always recur in Francesco Geronazzo’s artistic practice. Reinventing an ancient technique like that of printmaking art, Geronazzo creates poetic pictures where his artisan and manual working method gives rise to an authentic “aesthetic of imperfection”. In contrast with that process of production and reproduction of images offered by modern technologies, Geronazzo creates etchings, sculptures and installations where traces of nature and lifetime memories fuse themselves in a very slow and delicate creative process. Typically associated to the idea of origin and source, roots become, in the works of Francesco Geronazzo a sort of bridge between past and future. Coming directly from Australia, a country where the artist spent a long period of time, these natural elements not only represent a kind of turning point in the artists’ life and artistic experience but also work as symbols of a new beginning, being related to a place where to possibly settle down and start a new life.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2017-03-14

Künstler: Aqua Aura

Thema: “Scintillation” is the name of the solo exhibition dedicated to the works of the visionary italian artist Aqua Aura which will inaugurate the artistic season 2017 at the freshly renewed Cell63 art platform. As a quartz that has been subjected to a thermal bath in gold vapour, altering some of its characteristics to simulate the appearance of a precious stone, Aqua Aura works as an emblem which contains in itself the story of a mutation, the conclusion of a previous existence and the beginning of a new vision of art, emancipated from his personal history and earlier production. Choosing to start the artistic season 2017 by presenting the dreamlike works of this very atypical artist is a declaration of Cell63’s self “metamorphosis”: started in October 2008 as an art platform for the alternative international art scene, Cell63 became a referential reality in the world contemporary art field. Nothing better than that “elsewhere bliss”, constantly celebrated in the works of the Italian artist Aqua Aura, seems, in fact, represents the urge of change which generated from the developing of a more mature and conscious vision in a constantly evolving artistic scenario. The exhibition will present a selection of works taken from the photographic series called Scintillation made between 2015 and 2016. Used in physics as well as in astronomy, the term “scintillation” refers to those changes in the air’s refractive index able to give rise to phenomena of warped perception. Emblems of the encounter between different universes and temporalities, the works of Aqua Aura address the spectator indirectly, inviting them to take part to a subtle translation’s game which draws from the optical unconscious with the aim to subvert it and reveal its hidden potential. The artist’s working method recalls that of an old-timey bricoleur: each one of his perfect landscapes are, in fact, the result of a selection and the subsequent fusion into a new pattern of previously created or assembled images of details. A digital processing and the final definition of the colour, shade and contrast profile add the finishing touches. Always looking for that “something more”, Aqua Aura is constantly evading the fixity that the technical limits of photography would impose, seeing himself more as a painter aware of the delicate geometries and relationships between the invisible weights and balances at the core of his photographic works. With the wish to instil a sense of bewilderment in the spectator, these images entrap the gaze within a wide range of possible meanings while alluding to a more intimate and less objective perception of our reality. Silent and ipnotical landscapes, these invented spaces cannot be considered as representations of “exteriors” but, rather, frames of countless interiors able to cheat the observer by alluding to something real while increasing the sense of mystical sublimation. Drawing a line with a cultural tradition which made the separation between man and nature as criterion for its unconditional exploitation, the Italian artist chooses to reintegrate the man inside the natural dimension, hoping that this more “human” vision of our world won’t remain just the result of a “scintillation”. Aqua Aura is a project born in Milan in 2009. After the studies at the Art High School of Bergamo, the artist took a university degree in painting at the Academy of Fine Arts of Brera, with a thesis on: “Anselm Kiefer. The Other Baroque: An Overview On The Contemporary German Expressionism”. Spinning all over the world, Aqua Aura personal training continues with voyages inside museums, in research laboratories and across huge spaces of natural environment. His range of studies spans from the field of astrophysics, to particle physics, bio-genetics, philosophy and psychology of perception. In the last years the artist switches his language towards photography and digital-art. He works between Milan and Akureyri (Iceland) with his Norwegian Forest cat. Recently, he showed in many institutions, galleries and museums at international level: such as Turin, Istanbul, Barcelona, Maastricht, Finland and Slovenia. The developments of his most recent works are leading him towards the territories of video art realizing short films and docufilms.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2017-01-28

Künstler: Bankeri /// Michele Guidarini & Pasquale De Sensi /// Timwnas /// Line Guillod /// Frederic-James Pordoy

Thema: FANTASTIC METROPOLITAN CREATURES Papers, markers, painting, metal, ropes, glue and most of all abundance of lauded folly. These are some of the ingredients of the recipes to obtain exquisites “Fantastic Metropolian Creatures”.Our exceptional chefs: Bankeri (aka Francesco Bancheri), Michele Guidarini & Pasquale De Sensi, Timwnas, Line Guillod, Frederich-James Pordoy. Animated mutation, the paper allows itself to get pummel, overlay and dissect. Clipping of procedural offal, it ends armless, forewarning the battle of boards and canvases, performing talking spider defying the gods to whom surrender. A child armed with a sling to tear down the giant between the skyscrapers. Insubordinate soldier fighting the vacuouswar of unrealistic ideas, the dislocated paper tumbles-down, derelict, common, leftover, it's teared apart from the comfort of the magazine, dismembered from its purpose, to claim its nature of ideological cocoon, pandemic drift, putrescent meditation, guardian demon of the sweet-dream's dark room, silent preachers of lysergic anathemas of the visionary left-overs. “Fantastic Metropolitan Creatures” are made out of stardust born from a synaptic big-bang,indomitable rebels against the pretentious image composed under the fear of fashionable dictates, controlled by the irreversible linearity of the willful thinking and its consequent coprophagy. The promiscuity of ideas is redeeming. In this case it becomes act of junction, without bothering the peaceful chaos of things, blending with violence and elegant vocative presences, disclosing compositions full of meanings. Promiscuousness multiplies and reveals a renewed identity, taking place inside the chaos avoiding to drift thanks to an arbitrary and genuine act.Operating appendix of creative narrations and peculiar personality, the monster of visibility imposes himself free of counter-cultural misunderstandings, as alchemical result of infernal mixtures, a dadaist halloween, escaped from the repression of history.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2016-07-30

Künstler: Darkam Eugenia Monti, Marco Rea, Sergio Pastore, Gianluca Gambino, Bella Harris, Elena Helfrecht, Pasquale de Sensi, Raquel Weiße, Pelin Santilli, Bilal Bahir, Bambi Kramer, Giacomo Merkic, Skawager – SKWG, Yagama, Vacon Sartirani, Augustin Rebetez, Aqua Aura and Gwen Guégan

Thema: In the Oxford dictionary Dreams are defined as: a series of thoughts, images, and sensations occurring in a person’s mind during sleep. Although dreams have been a topic of scientific speculation, as well as a subject of philosophical and psychological interest during all ages of history, their content and purpose are yet not definitively understood. In modern times, dreams have been seen as a connection to the unconscious mind and the emotional, but every single culture on Earth, during all ages of history, has develop it’s own relation with them, assigning them different roles and powers. And still they make us wonder. And still they are able to unsettle us. And still they are able to surprise us. And still they are able to move us. Dreams can have varying natures: frightening, exciting, magical, melancholic, adventurous, erotical and often a mixture of all this. Seeing their they volatile and mystical nature, it seems quite natural that dreams are a huge source of inspiration for artists. So we invited 15 artists, coming from various disciplines, as video, photography, painting, installation, and music, to present artworks strictly related to their dreams, considering all of their type: good dreams, nightmares and even lucid dreaming. The aim is to explore the various images and emotions that a dream presents and evokes, while not attempting to come up with a single unique dream view: each person has his or her own dream language. A voyeuristic journey in somebody else’s imaginative subconscious.

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2016-04-23

Künstler: Saturno Buttó///Valentina Brostean///Michele Guidarini///Luisa Catucci///Darkam///Turi Avola///Laura Gianetti///Italia Ruotolo///Dayana Montesano///Rosario Salerno///Elena Monzo/// Danilo Pasquali///Alessia Cocca///Mariantonietta Bagliato///Andreas Fischbach///Dorothy Bhawl

Thema: «Eroticism is one of the bases of self-knowledge, as indispensable as the poetry.» Anais Nin “Being a woman and Other Essays”, 1977 In this exhibition we will present artworks from contemporary artists of the Italian scene, that equally refect the oneiric, fantastic and bizarre spirit of Cell63 artplaform. In ancient mythology Eroticism was personifed by the God Eros (ἔ ρωςe, ros—"desire"), that falling in love and uniting with Psyche (ψυχή--“soul”) brought to life Voluptas ("pleasure" in latin). It's clear then that in order to bring us Pleasure the Eroticism must be united with the individual's Soul. As fruit of personal aesthetic judgment tied to sexual attraction, this quality has been giving infnite matter to artistic representations. Quoting the artist Marcel Duchamp “Eroticism its an animal thing that has many facets and is pleasing to use, as you would use a tube of paint.” Since eroticism is as well dependent not just upon an individual's sexual taste and sensibility, but also upon the culture, time and social environment in which an individual lives, we decided to show a raffnate selection of erotic artworks from the contemporary Italian art scene. In the collective consciousness Italians are quite bond to seduction and passionate love, fortunately not only due to the sexist attitude of average latin lovers or the shameless misadventures of certain politicians. Mostly this reputation is based on cultural reasons: from the erotic frescos in Pompei to Boccaccio's or Casanova's writings, from Alfredo Piotto's painting to Valentino's haute couture, eroticism show to be inherent to the experience of Italian people. Despite this for long time in Italy prevailed a moral for which the erotism, often confused with pornography , was considered scandalous (immoral, indecent, lascivious, obscene, nefarious!) and not suitable neither for the respectable salons, neither for the big audience. For quite a while the open appreciation of the erotic was relied only to some closed circles of the intellectual elite. The run to sexual emancipation and equalization (hetero and homo) in the western society, achieved exponentially in the last decades, has allowed many artists, also from the Italian art scene, to express their eroticism in a more free and shameless way. On top of this the society amplifed its vision of what can be considered artwork, opening the door to quite a variety of genres and styles: from fantasy to dark art, from burlesque to manga, from fetish to queer, all quite niche arts, but with strong erotic elements. ALLERSTR. 38 | 12049 BERLIN | U8 LEINESTR. Monday to Friday 11:00 - 18:00 + on appointment

Ort: Luisa Catucci Contemporary bis: 2016-02-27

Künstler: Michele Guidarini

Thema: Opening on Saturday 16th January 19h30
with Braintheft Dj Team Even Pretzel have eyes (#666), is the new irreverent solo exhibition by the controversial Italian artist Michele Guidarini. Michele is a graphic designer by day and artist by night, with a pretty dark but totally ironic aesthetic. All symbols and icons of our time are the sacrificial victims of his pen and humor.
We are a LOGO based community after all. From religion to politics to ideology to private people.
Michele takes advantage of what has already been exploited and squeezed by society.
The principle of POP art: by misrepresenting a masses product and giving it new life throughout fantasy, people are left puzzled, they cannot find a meaning, they do not understand why but ask themselves questions and they get interested into new ways of interpretation of things.
So better not trying to understand why Michele used this or that symbol, why he placed a swastika or a crucifix in his work, they’re just Logos. Why even Pretzel have eyes. The real provocation in his work is the complete freedom of interpretation he lets to the public.
Michele believes in human strength, in talents, in gestures. He believes that everything, good or bad whatever it could be in life, depends on ourselves and in our way of interpreting. Something can be hilarious for someone and outrageous for others, doesn’t matter, our personal reaction is left to our self analysis. Anyway it will be very hard for what he wants truly communicate to appear clearly in one picture, either because the story itself is very complex and codified in a sequel of more images, either because not always a personal logic is present.
The technique used is a mixed media of pens, ink, Magic Markers on paper, spray and collage.
Inspired for his whole life by the works of Bacon and Goya, Michele Guidarini started following Low Brow attracted by the catchy aesthetics: «I think as a graphic designer, so the image, the balance, the colors are really important for me. After the first glimpse of wonder, i found out that this artistic flow isn’t trivial at all and there is a lot more under the shiny colors, a whole universe of hidden meanings. It’s a reflection of the artist and the world in which we live in, a reflection of the soul, heart and pain».
Rolling Stone Magazine and lot of national and international press introduced him as one of the greatest Italian young talents, exactly for his capacity to get and mix all aspects of life, light and heavy, dark and bright, drama and comedy. Curated by Luisa Catucci